Música Viajera

EL VIOLINISTA CARLOS KOLENDA Y SU BANDA EN CARACAS EL PRÓXIMO 19 DE ABRIL

2009-04-07T19:48:00.005-04:30

El violinista y guitarrista Carlos Kolenda se presentará en concierto el próximo domingo 19 de abril, en el nuevo espacio alternativo para la música en Caracas, El Teatro Bar, ubicado en la Calle Orinoco, Las Mercedes.

Este evento es posible gracias a la FUNDACIÓN DE APOYO AL TALENTO NACIONAL que una vez más suma esfuerzos para llevarle al público lo mejor de nuestros artistas, que por años han venido trabajando en su carrera musical.

Kolenda es un músico de primera, que ha sabido trabajar sus instrumentos de una manera vanguardista al fusionar géneros como el Blues, con el Jazz, Chillout, New-Age, Baladas, Country y Rock, capaz de crear sonidos elegantes con su violín electrónico y su guitarra eléctrica, por lo que es considerado actualmente uno de los más importantes performance de Venezuela.

.
Paseándonos por su biografía, Kolenda trabajó por más de 10 años como músico de la banda de Franco de Vita; Ha trabajado como músico de sesión para artistas como: Frank Quintero, Guillermo Dávila, Carlos Baute, Aditus, Dina, José Enrique, entre otros, y con el mismo Franco de Vita realizó conciertos en el Madison Square Garden (Nueva York), Miami Arena (Miami), Hard Rock Live (Orlando), Auditorio Nacional (México), estadio Roberto Clemente (Puerto Rico), Festival Viña del Mar (Chile), Teatro Ópera (Argentina), entre otras plazas de Latinoamérica, Estados Unidos y Europa. Ha compartido escenarios con artistas de la talla de Bon Jovi, Peter Frampton, Jean Luc Ponty, Air Supply, Ricky Martin, Olga Tañón, Oscar de León, La Ley, Fito Páez y Ricardo Montaner.

El próximo 19 de abril, sin duda alguna, será una noche mágica, en la que Kolenda estará acompañado por los músicos invitados: Julio Andrade y Gerardo Avendaño. Un evento patrocinado por: Rock & Folk, Tucarro.com, Ferre Graphics, Style, Xcess, Rumberos.net , Kys FM y Protime Comunicaciones.

Julio Andrade comenzó sus estudios en el Sistema Nacional de Orquestas juveniles donde estudió Clarinete. En 1991 inició estudios de Saxofón con el maestro Manuel Barrios. Ha participado en grabaciones y conciertos de artistas nacionales e internacionales de diversos géneros, tales como: Mulato, Aditus, Sergio Pérez, Saxomanía, Franco de Vita, Bacalao Men, Gilberto Santa Rosa, Cheo Feliciano, Jerry Rivera, Frank Quintero, Porfi Jiménez Big Band, Gerardo Chacón, Guillermo Carrasco, Andrés Briceño, Carlos Rodríguez, Ofelia del Rosal, El Arca, Don Cornell, Al Martino, The Platters, Yordano, Un solo pueblo y mucho otros.

Gerardo Avendaño es músico venezolano, ejecuta diversos instrumentos de percusión de diversas partes del mundo, al igual que el vibráfono, instrumento que le ha permitido desarrollarse en una nueva faceta de composición y de improvisación. A formado parte de diversas agrupaciones como: Pax, Música Expresiva, Baraka, Ananda, Fusión 3, Sendero Flamenco, Gandharva, ensamble Guánali y Metamora. Con estas agrupaciones se ha presentado en las principales salas de concierto del país así como en festivales internacionales como: "II Festival de Música Latinoamericana de Santa Fé" 2008, Argentina, "Coraliada 2005" Necochea, Argentina, Teatro Neruda y Roma 2006 Buenos Aires, Argentina, "Beatle week 2002" Liverpool, Inglaterra, " Bolívar hall" Londres, Inglaterra, "Primera Semana Beatle de Latinoamérica" 2001 Buenos Aires, Argentina. También a participado en varias producciones musicales como "Visiones Beatles" 2009 Música Expresiva, "Suenos" 2007 Baraka, "Toadas" 2007 Ensamble Guánali, "Esencia de vida" 2006 Baraka, "Celebrando la Vida" 2002 Ananda, "Cábala " 2000 Ananda, "Sinfonía Amazónica" 1999 Pax. En la actualidad se encuentra realizando estudios de Vibráfono con el maestro Alfredo Naranjo.

Las puertas de El Teatro Bar se abrirán al público a las 9:00 pm. Las entradas se venderán directamente en el local y vía telefónica al (0212) 720.0038. Será un espectáculo exclusivo sólo para 500 personas. Para mayor información visitar la página http://www.fundatalento.org.ve/.

Nota de prensa redactada y enviada por: Protime Comunicaciones.

METALLICA EN EL SALÓN DE LA FAMA DEL ROCK

2009-04-03T15:14:00.009-04:30

Cada día que pasa uno se encuentra con más elementos que hacen posible que se diga con argumentos “Metallica es la banda más exitosa del heavy metal”.

Aun llega a la mente aquellos debates en los cuales aparecieron los detractores de Metallica porque sacaron un álbum en 1991 más suave, muy comercial, con dos baladas, menos trash que los anteriores. En 1996 se decía que ahora si la banda californiana se vendió, se cortaron las melenas, hacen videos en cantidad, y tocan country así como blues. En 1997 el Reload es remalo, dos años después criticaron el disco que sacaron con la Orquesta Sinfónica de San Francisco. En el 2003 ya muchos decían St. Anger es la muerte de Metallica.

Ya son más de veinticinco años que Metallica graba discos, que hace giras por todo el mundo, y que en ambos casos sigue rompiendo records en ventas ¿Qué tan malos son? No hay peor ciego que aquel que no quiere ver, estamos frente al grupo de rock más grande de los Estados Unidos, aunque siempre hay quien recuerda que uno de sus líderes nació en Dinamarca.

Cuando Metallica nació en 1981 ni Ulrich, ni Hetfield se imaginaban hasta donde llegarían 28 años después. Su primera trilogía Kill 'Em All, Ride the Lightning y Master of Puppets contiene lo mejor del thrash metal, con estos tres discos se puede disfrutar del metal marcado por la velocidad sin perder calidad. Además estas tres piezas de colección son donde participo uno de los mejores bajistas de todos los tiempos Cliff Burton.

Para 1988 aparece …And Justice for All, hasta ese momento el disco más exitoso de la banda. En él se encuentra el tema One, la fama comienza a tocar las puertas de una agrupación que ya había demostrado en los escenarios una calidad impresionante, muchos aseguraban que el sonido en vivo era mucho mejor a lo que estaba en los discos. Este álbum estuvo marcado por la ausencia de Burton, un bajo de Newsted algo ausente, un primer video para MTV, y hasta ese momento, la gira más importante de Metallica.

La década de los noventa llegan por todo lo alto, "de que vale tocar más rápido, ya lo hicimos", decía Ulrich, "ahora hay que demostrar que podemos hacer otras cosas", recalco. El disco más exitoso de Metallica apareció, un disco homónimo que es mejor conocido como Black Album. Enter Sadman se convirtió en su mayor éxito, con ese perfecto riff de Hammett; Nothing Else Matters su más grande balada, la más escuchada, y un resto de temas que sin tener la velocidad de los anteriores tiene una calidad musical que capturo a quienes no escuchaban este estilo de música. A pesar de los Guns N´Roses y el movimiento grunge de Seattle encabezado por Nirvana, los cuatro jinetes del thrash se llevaron las glorias, las cuales aun siguen recogiendo después de pasar casi dos décadas.

Ajustados a los nuevos tiempos Metallica lanza entre 1996 y 1997 sus siguientes trabajos, Load y Reload, criticados desde el momento de lanzamiento, cambio de imagen, de logo y de estilo. Más suaves, sin la velocidad que los caracterizo, pero con una calidad musical indiscutible, y con el sello que los distingue de los demás. Son muchos los que hablan mal de estos discos, pero como gozan en un concierto cuando tocan Fuel, Hero Of The Day ó The Memory Remains.

Garage Inc. y S&M se convierten en dos nuevos ingredientes que permiten a los detractores seguir lanzando más leña al fuego. El primero es un recopilatorio de covers interpretados hasta ese momento por Metallica, temas como Am I Evil?, The Wait, So What que ya se conocían de singles lanzados con anterioridad o en un disco de 1987 llamado Garage Days Re-Revisited, así como nuevas versiones como Die Die My Darling, Turn The Page, The More I See, etc. El segundo es la genialidad realizada por el Director Michael Kamen, uniendo a Metallica y la Orquesta Sinfónica de San Francisco, toda una joya de disco que pasa a la historia como uno de los mejores en su estilo.

St. Anger aparece en el 2003, se habla ya del fin de Metallica, y posiblemente con este disco muchos dirían que así seria. Un experimento donde la falta de un bajista se nota en casi todos los temas, además de los conflictos que existían entre Ulrich y Hetfield, sin mencionar la inestabilidad de James por problemas con el alcohol, su voz suena golpeada, y un documental que lleva a la reflexión.

En el año 2008 Metallica presenta a sus fans, en especial a aquellos que los siguieron en los ochenta, un álbum que se parece mucho más a los primeros: Death Magnetic . Críticas positivas, otras no tanto, al final de Metallica todos quieren hablar y opinar, hay quienes dicen que ahora el problema es Robert Trujillo, por favor, si es lo más parecido al estil Burton. Un cuarteto lleno de vida, de inspiración que sigue vendiendo discos en tiempos donde la música se baja por internet, agotan las entradas a solo horas de colocar estas a la venta, son los únicos que tienen cinco álbumes el primer lugar de ventas al momento de su lanzamiento, ahora incursiona con fuerza en los juegos de video con Guitar Hero, ¿cuántas bandas no desean así sea un 10% de este éxito?

Este 04 de abril Metallica será exaltada al Salón de la Fama del Rock, los meritos están a la vista, la más grande agrupación de Heavy Metal, reyes del thrash, record de ventas, y creadores de una música que sigue sonando en los escenarios después de 28 años.

SEGÚN LOS VIAJEROS: EL MEJOR DISCO DE THE BEATLES

2009-03-30T10:43:00.007-04:30

Uno de los post más visitados de este blog es el dedicado a un debate sobre los mejores álbumes de los Beatles, en el cual se invitó a nuestros viajeros a dar su opinión en una encuesta publicada por varios meses.

En el mes de febrero de este año revisamos y analizamos exhaustivamente los resultados de la encuesta realizada, donde sorprendió mucho el número de participantes, quienes superan las quinientas personas. Vale destacar también los lugares de origen que fueron de lo más diverso, diferentes nacionalidades se hicieron presentes siendo España el país que dio más votos con un 29%, países tan distantes como Sudáfrica y Japón dieron su aporte.

Ahora veamos la opinión de nuestros viajeros ante la pregunta ¿Cuál es el mejor disco de The Beatles de todos los tiempos?

El 6% de los viajeros opinan que A Hard Day’s Night es el mejor álbum de la eterna agrupación de Liverpool. Con toda seguridad quienes se inclinan a favor de este disco es porque disfrutan de la sencillez que se encuentran en las letras de Lennon y McCartney. Recordemos que este fue el primer larga duración cuyos temas son todos propios del cuarteto, algo poco visto en esos años, y mucho menos con el éxito que alcanzó desde su lanzamiento.

Rubber Soul se llevó el 7% de los votos, siempre ha sido uno de los discos más subestimados de los Beatles, pero aquí dijeron presentes quienes reconocen la calidad de este álbum mágico. Sorpresivamente delante de los dos mencionados, With The Beatles consiguió 8% de respaldo, más de uno dirá que sin un alpha no podrá ver un omega.

Revolver, para quien escribe esta nota el mejor disco de The Beatles, consiguió el 16% de los votos, la verdad se esperaba que tuviera mayor apoyo, pero en un encuesta tan peleada donde la diferencia entre cada uno es pequeña cualquier cosa puede ocurrir. La mayor muestra de una evolución musical esta en estos 34’58’’, donde los riffs de guitarra hacen de las suyas en varios temas, la influencia de la cultura de la India está presente en las composiciones de George Harrison. Para muchos el mejor tema es Eleanor Rigby, para otros es Doctor Robert.

The Beatles ó mejor conocido como The White Album logró el 17% de apoyo de los viajeros, toda una joya épica que es considerada por muchos como la más grande de la agrupación. Mucho individualismo en las piezas que terminó dando una personalidad única a esté histórico disco.

Abbey Road alcanzó el segundo lugar con el 19% de los votos, algo que no sorprende ya que muchos sienten que este disco refleja la sencillez de una banda que dejo de experimentar. Son muchos los fans de la banda inglesa que se inclina por canciones como Come Together, Something y Octupus ‘s Garden.

El primer lugar lo tiene Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, está loca creación que da clases de música es considerado el diamante más brillante de los Beatles. Desde el diseño conceptual de sus piezas, hasta pasando por la original y colorida caratula, hacen que muchos digan, incluso, que este es el mejor disco de toda la historia. Lo interesante es que con todo y esto, solo saco el 27% del total de los votos, lo que demuestra lo difícil que es seleccionar el mejor álbum de la más grande banda de rock de la historia.

Resumen:

1. Sgt. Pepper's Lonely... 27%

2. Abbey Road 19%

3. The White Album 17%

4. Revolver 16%

5. With The Beatles 8%

6. Rubber Soul 7%

7. A Hard Day’s Night 6%

TEPUY: EL CAMINO A LA CIMA CON LA GUIA DE GERRY WEIL

2009-03-26T12:26:00.005-04:30

Un viaje a lo alto para poder ver desde la cima el más hermoso paisaje, contemplar el infinito desde el azul cielo hasta el verde de la hierba que cubre la extensa tierra, es subir a las nubes y caminar en el aire, cuando abajo solo esta las huellas de los antepasados. Esta magia la logra el maestro Gerry Weil en cada una de las notas de su nuevo trabajo llamado Tepuy.

El inicio de este CD nos transporta al lejano oriente, con notas de reflexión, toques profundos que salen del alma, con gotas de calma traídas de la filosofía japonesa. Como acto seguido las Raíces se sienten gracias a la buena compenetración de los músicos Rudi Berger, Pablo Gil, Carlos Nene Quintero, Roberto Koch y Adolfo Herrero, por supuesto, acompañado por los ritmos provenientes del piano de Weil. Aquí el viaje pasa por el mestizaje y sus sabrosos derivados, uno de ellos la música afroamericana.

Justo en este instante se presenta a los oyentes una clase magistral de jazz, Waltz For Liesi y Wiener Schnitzel son piezas exquisitas que enseñan de manera clara y acabada dos formas diferentes de interpretar esta música nacida en Nueva Orleans.

Gerry’s Mood es un punto dulce, es como comer esas sabrosas galletas austriacas llamadas vanillekipferl, donde los ingredientes no son harina, azúcar y almendras, sino más bien la poética composición de Rudi Berger, y la interpretación magistral del maestro Weil. Con sabor a su tierra natal, servida en su país amado.

Alegría trae lo rico de la música venezolana, fusionada con el jazz universal, logrando así uno de los maravillosos productos de Gerry Weil que presenta cada año en sus Navijazz. Un aguinaldo para todo el mundo con lo mejor del buen gusto musical.

El ascenso llega a su punto más importante, el maestro coloca en este recorrido el tema que da nombre a esta producción, que en sí misma es un tributo a las formaciones rocosas más antiguas del planeta, nuestros Tepuyes, símbolo que identifica a estas tierras de Venezuela, cimas enigmáticas, de donde caen las aguas del Santo Ángel, donde se presencia el infinito.

Viene a la mente de quien escribe el recuerdo de aquel programa de radio en la cual el maestro con sus ojos brillantes hablaba de las maravillas de Venezuela, del Orinoco y de cada Tepuy que tiene un trozo de su corazón. Esas palabras que dijo aquella tarde ante los micrófonos de una FM se sienten en este tema central que llega a las alturas.

Después de esto ya se está en la cima del Tepuy, un lugar ideal para hacer un merecido homenaje al músico Vytas Brenner. Las notas que llevan el nombre de Vytas es sentimiento que se vuelve tiempo, segundos que se transforman en imagen, recuerdo emotivo para la eternidad. De seguro desde allá arriba la plenitud de las melodías llegán con mucha más presencia.

La cima del Roraima es el punto de mirada, aquella que va dirigida al sur para encontrarse con el gigante Brasil, lugar que da la inspiración para componer Chorinho Criollo, una mezcla con olor apasionado. Pero Weil vuelve a mirar con dirección al norte para brindar sus notas con la fuerza de la Orinoquia venezolana, aguas caudalosas que llenan de vida a un paraíso natural que debe ser conservado para la felicidad del planeta.

Todo como empieza se termina, todo aquello que comenzó en el Japón termina nuevamente inspirado en la tierra del sol naciente. Haiku es poesía, y en las notas del maestro se vuelven intensamente adictivas.

Pero como en todo buen concierto siempre hay espacio para una más, la Infancia se hace presente, aquella que este maestro de la música la hace sentir en sus piezas, así como en sus actividades deportivas, y en aquel amor admirado hacia su familia, tema que tiene entre sus notas toda una dedicatoria a uno de sus más grandes amores. De esta forma Gerry Weil nos lleva a la cima sin necesidad de descenso.

ESTE SÁBADO 28 DE MARZO TRIBUTO A LENNON

2009-03-25T13:58:00.005-04:30

La FUNDACIÓN DE APOYO AL TALENTO NACIONAL conjuntamente con la banda de free rock Karmapa presentarán “Un Tributo a John Lennon” a petición del público, el próximo sábado 28 de marzo, en las instalaciones de Discovery Bar, ubicado en la Av. Tamanaco de El Rosal, Torre Impres, P-B, y como invitados especiales estarán Jorge Spiteri y Leonor Jove interpretando los temas más emblemáticos de la carrera del ex Beatle.

Los integrantes de Karmapa: Renato Tradardi (teclados), Fernando Domínguez (bajo), Eddy Pérez (guitarra), Leo Córdova (batería), Pedro "Conan" Rodríguez (voz y timbales) y Carlos "Nené" Quintero (percusión) se pasearán por un amplio repertorio musical del recordado artista, que incluye sus más característicos temas como: Mother, de su disco “John Lennon/Plastic Ono Band” (1970); Imagen, del álbum “Imagen” (1971); y Woman Is The Nigger Of The World, de su producción “Some Time in New York City” (1972), entre muchos otros.

Vale destacar que este Tributo ya se ha presentado en otros escenarios del país, entre ellos en: Aragua, Isla de Margarita y Caracas, con invitados especiales como Los Beat3 y más recientemente con la actuación de Elisa Rego y Carlos Quintero.

En apoyo al talento nacional, es un orgullo para la Fundación presentar en esta ocasión a Jorge Spiteri, un músico que durante la mayor parte de la década de los 70s comenzó a desarrollar su carrera en Inglaterra con los grupos: Spiteri (1972-1976) y Mañana (a principios de los 80s), hasta que decide volver a Venezuela y crea en 1988 el grupo Los Buitres.

Leonor Jove es una reconocida corista venezolana que a lo largo de su trayectoria ha compartido escenarios y grabaciones con artistas como Franco de Vita, Frank Quintero, Biella Da Costa, Ricardo Montaner, Kiara, Soledad Bravo, Guillermo Carrasco, entre otros. Participó como cantante y corista en el espectáculo de Rock-sinfónico dirigido por David Palmer en el 94. Con Franco de Vita realizó giras nacionales e internacionales entre los años 89 y 96. En la actualidad mantiene una serie de actividades musicales, pero su proyecto principal lo comparte con Música Expresiva, cantando el repertorio de Los Beatles que le abrieron las puertas al mundo vocal y musical.

“Un Tributo a John Lennon” cuenta con el patrocinio de Rock & Folk, Tucarro.com, Ferre Graphics, Style, Xcess, Rumberos.net y Kys FM.

Las puertas de Discovery Bar se abrirán al público a las 9:00 pm. Las entradas se venderán directamente en el local y vía telefónica al (0212) 720.0038. Será un espectáculo exclusivo sólo para 500 personas. Para mayor información visitar la página http://www.fundatalento.org.ve/

Nota de prensa e imagenes enviadas por: Protime Comunicaciones.

A OPINIÓN DE LOS MELÓMANOS VIAJEROS: NO LINE ON THE HORIZON LO MÁS RECIENTE, THE JOSHUA THREE EL MEJOR.

2009-03-19T12:05:00.005-04:30

El pasado 3 de marzo fue lanzado en Latinoamérica y en gran parte del mundo el duodécimo álbum de la banda irlandesa U2, que lleva por nombre No Line On The Horizon. Días después tuve la oportunidad de oír varias veces esta grabación con mucha atención, y podría decir en este momento que estamos frente a la producción más interesante de la banda en los últimos 15 años.

El concepto de esta producción se separa de sus antecesores All That You Can’t Leave Behind y How To Dismantle An Atomic Bomb, en cuanto a que trabaja los temas de manera conceptual, y se utiliza una serie de recursos que no se habían encontrado en los discos anteriores de la banda, aunque en un artículo leído en internet dice que el trato que se le dio a esta grabación es la formula que U2 hizo con Achtung Baby.

Algo que en lo personal percibo en el álbum es que ya no se siente el peso del protagonismo de Bono en cada uno de los temas, la música y los efectos de sonido toman el rol principal, y lo envuelve de tal manera que no existe posibilidad de escapatoria. Desde que suena el primer track No Line On The Horizon, hasta llegar al cuarto tema Unknown Caller, existe un embrujo musical, donde uno desea más, con historias sobre la vida de terceros relatados dentro de las notas.

El primer single Get On Your Boots está muy lejos de ser el mejor tema de todo el disco, con guitarras desgarradoras que rompen con aquella armonía que lleva las piezas anteriores.

De seguro más adelante podremos tener un mayor manejo de este nuevo álbum de U2, y poder decir si pasa a inmortalizarse como uno de sus mejores grabaciones. Por ahora podemos presentar la opinión de los visitantes de este blog, quienes han participado en una encuesta para seleccionar el mejor trabajo de la banda irlandesa.

Participaron 152 viajeros melómanos en esta encuesta, de ellos el 47% consideran que The Joshua Three es el mejor álbum de U2, un número que confirma a la mayoría de las opiniones encontradas en los libros especializados sobre la banda que indican a este trabajo como el mejor. En el segundo lugar esta Achtung Baby con el 24%, en el tercero All That You Can’t Leave Behind con el 12%, le sigue How To Dismantle An Atomic Bomb con el 11%, y el quinto lugar con un 7% esta War.

Posiblemente dentro de un año No Line On The Horizon puede estar un lugar importante en el gusto de los seguidores de U2, habrá que esperar un tiempo prudencial para saber si puede superar a Achtung Baby ó porque no a su mayor joya The Joshua Three, parece difícil pero el tiempo lo dirá. Además existe la posibilidad que para finales de este año salga el décimo tercer álbum de U2, que incluya los temas compuestos en los últimos años y que no fueron incluidos en su reciente disco.

LOS MEJORES DISCOS DE 1990. Posición 1. Violator (Depeche Mode)

2009-03-16T16:46:00.007-04:30

1. VIOLATOR (Depeche Mode)

Llegamos al lugar más esperado en el conteo, el puesto del disco que es considerado la mejor pieza grabada durante el año 1990, y en esta oportunidad pertenece a una agrupación británica de música electrónica, y que fue su séptimo álbum el más consagrado en su estilo, hablamos de Depeche Mode y su Violator.

Depeche Mode es una banda inglesa formada en 1980, quienes sacaron el mayor de los provechos de sintetizadores y del sampler para hacer música, instrumentos estos que marcarían la pauta de la década de los ochenta. Son considerados como una de las agrupaciones más influyentes de la música electrónica, pero sin duda que fue Violator el álbum que le dio mayores éxitos y los coloco en un lugar que difícilmente alguien pueda superar.

Una de las características fundamentales de este disco es que no tiene la carga, la fuerza de antecesores álbumes como Music for the Masses, pero si lleno de una genialidad, de una adicción que se siente a lo largo de cada uno de los temas, así lo expresa Bruno McDonald en su artículo del libro 1001 Discos Que hay que Escuchar Antes de Morir, donde destaca “el tecno de World In My Eyes, pasando por el delicado Waiting Fon The Night, hasta la inquietante Clean”.

El primer single del disco fue Personal Jesus, la más dura del larga duración, ideal para tocar en conciertos, también el primer tema de Depeche Mode donde la guitarra marca la pauta rítmica. Su letra está basada en el libro "Elvis and Me" (Elvis y yo) de Priscilla Presley. Martin Gore, líder de la banda, llego a decir que se puede ser Jesús para alguien, un salvador, alguien que llene de esperanza a otro, solo ver que alguien como Elvis pudo llegar a ser un mentor, un hombre creador e inspirador. Esta canción es la más famosa de la banda, y cuenta con varias versiones donde destacan las de Jhonny Cash y Marilyn Manson.

Enjoy The Silence fue el segundo sencillo extraído de Violator, todo un éxito en las radios comerciales, considerando que fue un tema compuesto por Gore de manera acústica, la cual gusto mucho al resto de los integrantes y terminaron de darle la musicalización perfecta para convertirla en todo un clásico. Este tema que rinde un homenaje a la música tomando como base el silencio también ha sido versionada, una de las mejores la realizada por la banda italiana de metal alternativo Lacuna Coil.

El álbum muestra una armonía que va más allá de las composiciones que habían caracterizado hasta entonces Depeche Mode, fue la búsqueda de un homenaje a la música, un renacer al inicio de una nueva década.

Como dato curioso, Violator fue producido por la banda en compañía de Mark Ellis Flood, quien también participo con bandas como Nine Inch Nails y Smashing Pumpkins. El resultado fue este disco considerado por muchos, no solo el mejor de Depeche Mode, sino uno de los más grandes dentro de la música electrónica. Es así como un disco grande debe estar en el primer lugar, y por eso hoy aparece como el mejor de 1990.

10 9 8 7 6 5 4 3 2 1

LOS MEJORES DISCOS DE 1990. Posición 2. Canción Animal (Soda Stereo)

2009-03-16T14:52:00.007-04:30

2. CANCIÓN ANIMAL (Soda Stereo)

Hablar de rock en español es decir Soda Stereo, porque esta banda argentina revoluciono el estilo en esta región del planeta y llevó el idioma español al ritmo de guitarras, bajo y batería.

En 1990 lanzan el álbum que es considerado por muchos críticos y seguidores de la banda como la mejor de todas sus grabaciones, Canción Animal. Este disco, el quinto en estudio de Soda Stereo, significó un cambio sobre la visión que se tenía del rock hispanoamericano, ya que el mismo presento un alto nivel de producción, con letras apasionadas marcadas por el constante tema del deseo carnal, acompañados de notas musicales que atrapan a todo aquel que las escucha.

Es tan predominante el tema sexual en la mayoría de las canciones que la portada original trae a un león con su leona copulando, pero esta original imagen fue prohibida en muchos países, obligando a cambiarla por una donde simplemente aparecen los tres integrantes de Soda. Además en la contraportada aparece entre paréntesis una frase que dice “y para mayor placer animal, escúchalo a todo volumen”, en ella mismo lo encierra todo.

La genialidad de Cerati, Bosio y Alberti se sienten en los 10 temas que conforman este álbum, que comienza con una pieza llamada (En) El Séptimo Día, una metáfora que parte que a pesar de ser un domingo de descanso, no se dejara de buscar su camino en pro de alcanzar el apetito sexual, bajo la luz de la pantalla de un autocine. Un Millón de Años Luz nos acerca a un sentimiento de tristeza y rabia, donde se dice con insistencia no vuelvas ya que lejos estoy.

La canción que le da nombre a este disco refleja abiertamente lo que se busca expresar en la mayoría de las letras, el mayor deseo es el que se siente no el que se expresa con palabras, llegar a lo más profundo de los instintos es lo que grita Canción Animal, acompañada de una música insinuadora. Toda una genialidad.

El cuarto track 1990 sigue bajo la misma temática, clavado en ese año, en este inicio de una década esperará para conseguir lo que ves en mi. Sueles Dejarme Solo no pierde la tónica del álbum, esta vez en tono de reclamo.

Llego el momento del mejor track del disco, considerada la canción de rock en español más conocida en el planeta, De Música Ligera es una nueva forma de expresar amor en nuestro idioma, un amor dual que esta y no esta, porque después de esto “Nada más queda”.

Hombre al Agua es un poema de despedida, “me iré con estas olas, no estés más preocupada”, así expresa un final de aquella relación que tanto dejo pero que ya no tiene un más allá. Entre Caníbales una pieza con un toque acústico que te lleva a ese mundo que plantea Soda Stereo en este álbum, un extenso deseo carnal. Té Para Tres es el track de mayor sentimiento, Cerati dedica estas líneas a su padre, una imagen gravada, vivida, sentida.

El disco termina con una pieza llamada Cae el Sol, una letra que viaja con cierto fondo orquestal que rápidamente recoge un estilo pop-rock que fusiona los ochentas con lo que está comenzando en los noventa.

Un buen amigo que realmente es fanático de esta banda no afirma que este es el mejor disco de Soda Stereo, pero si se observa su influencia en otras agrupaciones de Latinoamérica, los éxitos alcanzados a partir de esta fecha, las ventas, los records en conciertos, y sobre todo, lo tan alto que llego De Música Ligera, no hay nadie que diga que este álbum no merece estar en el puesto número dos de este conteo.

10 9 8 7 6 5 4 3 2 1

LOS MEJORES DISCOS DE 1990. Posición número 3. MCMXC a.D. (Enigma)

2009-02-25T13:11:00.008-04:30

3. MCMXC a.D. (Enigma)

Aquellos que son innovadores, los que colocan su creatividad por encima de lo ya conocido, son quienes logran destacar, acompañado con las múltiples críticas ó por un sin fin de reconocimientos, este fue el ambiente que rodeo al álbum MCMXC a.D. del proyecto musical que lleva por nombre Enigma.

Michael Cretu, líder de este proyecto creado en Alemania, donde después de mucho experimentar logró combinar una serie de sonidos, cánticos, instrumentos, efectos y mezclas para dar vida al álbum de mayor éxito dentro del mundo del New Age. El tema central es el eterno debate religión y sensualidad, letras que mezclan dos elementos que han movido al mundo y que históricamente se vuelven agua y aceite, no se mezclan por nada y por nadie.

El nombre del álbum es 1990 en números romanos, año del lanzamiento de este, su primer disco, acompañado por Anno Domini, por cierto de manera incorrecta, ya que la “a” la colocaron en minúscula, de seguro con la intensión de generar otra polémica.

El sencillo que se destacó fue Sadeness, una mezcla inédita donde los coros de Cantos Gregorianos están acompañados de música electrónica, ya de por sí el sonido original de esta pieza la convirtió en todo un éxito que se contagiaba con más fuerza en la medida en que se escuchaba sonar en la radio. El tema hace referencia al Marqués de Sade, un hombre que expreso la necesidad del masoquismo para llegar al mayor punto de placer, de él se deriva la palabra sadismo. Sadeness con frases en latín y francés, llegan a expresar Salmos de la Biblia a lo largo del tema.

Cada una de las piezas que componen el disco va pasando de lo sensual a lo religioso, desde una suave melodía de flauta, viajando por suspiros cargados de lujuria, oyendo frases del libro del Apocalipsis, hasta despertar los más ocultos sentidos en cada nota.

Mea Culpa fue el segundo sencillo, en el cual la voz de Sandra (famosa cantante germana de la década de los 80’, esposa de Cretu y parte de Enigma) lleva la temática a acompañada del coro Kyrye, Kyrie Eleison (en latín Señor, Señor ten piedad).

Enigma fue toda una revelación, un álbum que sin tener rostros, ninguna estrella de pop, o un guitarrista prodigioso, logró que se vendieran más de veinte millones de copias en todo el mundo. Países como Alemania, Canadá, Francia, e incluso el Reino Unido vio como este disco estuvo en el primer lugar de ventas, mientras que en Estado Unidos llego al sexto lugar. Sadeness duro varias semanas en las carteleras mundiales, alcanzando incluso el primer lugar en varios de ellos.

Temas prohibidos, videos censurados, demandas por uso de sonidos o cánticos sin autorización, pero al final el álbum logro el objetivo, ser el de mayor éxito en su estilo, como lo dice una de las frases que se encuentran dentro de la carátula del disco del poeta ingles William Blake "The path of excess leads to the tower of wisdom" (La senda del exceso lleva a la torre de la sabiduría). Por esto y más hoy colocamos a Enigma y su MCMXC a.D. en el 3er lugar de esta lista.

10 9 8 7 6 5 4 3 2 1

LOS MEJORES DISCOS DE 1990. Posición 4. Extranjero (Franco De Vita)

2009-02-24T12:52:00.006-04:30

4. EXTRANJERO (Franco De Vita)

El álbum que le dedicaremos estas líneas es muy importante para la industria discográfica de Venezuela, una de las producciones más maduras elaboradas por venezolanos en aquel momento, ya que cada letra tiene una historia común que va más allá de la vida del propio autor, realidades que se hacen tan personales que se sienten en el alma, hablamos del cuarto larga duración del italovenezolano Franco De Vita, que lleva por nombre Extranjero.

De Vita produce este álbum inspirado en su propia vida, un homenaje a sus orígenes, a su familia, a sus padres. Para un artista que ya estaba consagrado en su querida Venezuela, así como en varios países de Latinoamérica, llegaba el momento de mostrar su lado más humano, con letras cargadas de una crítica a la realidad social de ese momento.

El disco abre con Ella está loca por mí, una historia sobre una mujer que al final no resulta ser ella, sino más bien él. Cuando se piensa que el disco mostrará un lado sarcástico de la realidad, seguidamente aparece No Basta, para muchos la mejor canción de Franco De Vita, una descripción del difícil rol de un padre en estos tiempos, donde la educación va más allá de pagar un buen colegio, la importancia de la presencia del hombre que llene de amor y comprensión a su hijo. Este tema fue acompañado con un video el cual fue ganador de los premios MTV como mejor video latino, un gran orgullo para Venezuela.

Latino es el tercer track, la historia que describe las vivencias de los latinoamericanos que van en búsqueda del sueño americano a tierras del norte, y por su condición de indocumentado, sufre todo tipo de maltratos y atropellos.

Será es el tema de amor de este álbum, el que nunca puede faltar en De Vita, por cierto, es uno de los temas que se prestan para cantar con el público en los conciertos. Esto Es América presenta el lado positivo de este lado del mundo, contrarrestando las cosas negativas que se presentan por los medios de comunicación del planeta. Somos más que pobreza, delincuencia, drogas y violencia; somos esperanza y paz.

Sexo un tema jocoso con un grito de deseo, con ganas de conseguir el agua que calme la sed de la pasión. Todo un éxito. El siguiente track vuelva a llamar al amor, Ya lo había vivido es la historia del ser amado que se va, y que por alguna razón trae sentimientos tan fuertes que algún momento se sintió de la misma manera.

El álbum cierra con los temas dedicados a sus padres, Ella Es Única, un reconocimiento a la madre amada, a ese ser que hace todo por sus hijos; mientras que Extranjero es la historia dura que vivió cada hombre que dejo su tierra natal para poder tener una vida mejor a tantos kilómetros de distancia de su país; la difícil vida de los que al final no tienen patria, es la vida de su padre, y la de muchos que vinieron aquí desde tan lejos para darle vida a su familia .

Franco De Vita llego a los corazones de la gente con un álbum personal, y quizás, sin él saberlo, creo su disco más exitoso, el de los mejores realizados con talento venezolano, ganador de varios premios, y el impulso definitivo para hacer de este italovenezolano toda una estrella de esta que también es su América. Por esto y por más ubicamos a Extranjero en el cuarto lugar.

10 9 8 7 6 5 4 3 2 1

LOS MEJORES DISCOS DE 1990. Posición 5. Senderos de Traición (Héroes del Silencio)

2009-02-22T15:09:00.008-04:30

5. SENDEROS DE TRAICIÓN (Héroes del Silencio)

Simplemente fascinante, oscuro pero vivo, así se puede definir a este álbum que hemos colocado en el puesto cinco de este conteo, una genialidad de la agrupación de Zaragoza Héroes del Silencio y que ellos bautizaron como Senderos de Traición.

Es el segundo disco en estudio de la agrupación española, su voz líder, Enrique Bunbury, llego a decir que lo consideraba un recopilatorio, ya que varios de los temas que aquí aparecen ya habían sido compuestos con anterioridad, y tocadas en vivo muchas veces antes de grabar el álbum.

Senderos de Traición fue el mayor éxito de Héroes del Silencio, ellos mismos lo consideran así, su mejor producción, la cual estuvo acompañado de logros internacionales, como incluso colocarse en la lista de los discos más vendidos en Alemania ese año, ese toque de sobriedad, esa oscuridad gótica en varias de sus canciones atrapo al publico germano.

Entre Dos Tierras es el tema que da inicio al disco, la mejor canción de la banda a mi entender, un constante golpe de ritmo marcado por la batería de Pedro Andreu, y una letra que habla del sentimiento de culpa, "de ser sin hacer" ó "hacer sin arrepentimiento", muchas cosas dan para pensar con esta canción. Musicalmente genial.

Maldito Duende es el siguiente track, se dice que un duende te invita a soñar, un viaje misterioso, oscuro, con un dolor desgarrador, donde la alucinación se hace presente a lo largo de la letra. Profundo con ese toque de misticismo.

La Carta llega para presentar los sentimientos de soledad y tristeza, una distancia que hace daño, un amor que está ausente pero siempre necesario, y es este el grito que pide su regreso. Malas Intenciones dice en su título todo lo que expresa el resto de la letra, todo lo contrario que Con Nombre de Guerra, una historia de un amor con alguien a la cual solo le significa un trabajo a cambio de unos billetes.

Esto es parte de este disco, el mejor de Héroes del Silencio, el que permitió su internacionalización, el que llevo al estudio varios de sus éxitos que ya sonaban en sus conciertos, un álbum con letras que dan para pensar en muchas cosas, parte de la genialidad encontrada en estos 45 minutos de música rock en tu idioma.

10 9 8 7 6 5 4 3 2 1

LOS MEJORES DISCOS DE 1990. Posición número 6. Rust In Peace (Megadeth)

2009-02-21T12:55:00.005-04:30

6. RUST IN PEACE (Megadeth)

El Thrash Metal se hace presente en esta lista, y lo hace de una forma explosiva, con una producción cargada de velocidad y llena de gritos de paz, hablamos de Rust In Peace de Megadeth.

Muchos seguidores de esta banda consideran que este álbum, el cuarto del grupo que lidera Dave Mustaine, es el mejor de Megadeth. Algunos llegan a decir que es comparable con el Master Of Puppets de Metallica (en lo personal no comparto esta afirmación), lo que hace de este disco uno de los más reconocidos dentro del thrash metal.

Rust In Peace significó el inicio del mejor cuarteto que tuvo Megadeth en su historia, hablamos de Nick Menza en la batería, Marty Friedman en la guitarra, el hasta entonces su siempre bajista David Ellefson, y en la voz y guitarra el creador polémico de la agrupación, Dave Mustaine.

El álbum comienza con un tema que lleva por título Holy Wars...The Punishment Due, Mustaine expresa aquí nuevamente su mayor preocupación, las guerras y sus consecuencias, ahora se enfoca en como la religión es utilizada para llamar a la guerra, con mención especial sobre Israel (tan vigente como antes, lamentablemente), una pieza donde las guitarras suenan como nunca se escucharon antes en Megadeth.

Hangar 18 es el segundo track, una referencia al mito de Roswell, donde miembros de la aviación estadounidense llevaron partes de un OVNI que impacto en esa zona, así como los cuerpos de algunos alienígenas. Lo mejor de la pieza son los constantes solos de guitarra que intercalan Mustaine Y Friedman.

Take No Prisoners es otro de los buenos temas del disco, una letra que habla de cómo se justifica la guerra, el honor de la patria, la lucha que garantiza la paz, y la captura de prisioneros para pagar sobre ellos la rabia de lo sufrido por ir tan lejos a pelear por causas casi siempre incomprendidas por el individuo. Excelente reflexión.

Es bueno mencionar que Rust In Peace llego alcanzar ventas importante que se transformaron en su primer disco de platino, así como en dos nominaciones a los Grammys de 1991 y 1992.

10 9 8 7 6 5 4 3 2 1

LOS MEJORES DISCOS DE 1990. Posición 7. Bachata Rosa (Juan Luis Guerra y 4.40) Mensión Especial

2009-02-19T23:28:00.004-04:30

7. BACHATA ROSA (Juan Luis Guerra & 4.40) Mención Especial.

La música que está escrita en nuestro hermoso idioma castellano tiene olor a cacao tostado, sabe a dulce papelón y suena a percusión caribeña, o al menos aquella que es llevada al pentagrama por el gran Juan Luis Guerra. Este dominicano que paso por el Berklee College of Music de Boston creo su mayor genialidad y su mayor éxito comercial en 1990, que fue bautizado con el nombre de Bachata Rosa.

Desde el momento en que salió el quinto álbum de Guerra y su 4.40 no dejo de sonar en la radio temas como Estrellitas y Duendes, A pedir su mano, La Bilirrubina, Como Abeja al Panal, y la más exitosa de todas: Burbujas de Amor.

Fue Burbujas de Amor una pieza bailable la cual en su delicada letra se va llegando a un erotismo muy bien tratado, aquella insinuación delicada de Juan Luis Guerra de ser un pez para meter su nariz en la pecera, pero, ¿cómo para qué? Sencillo, para hacer burbujas de amor por donde quiera. Vaya que esta metáfora tan poética levo a las estaciones de radios un tema bastante atrevido, de seguro en años atrás la habrían censurado, sino que lo diga Henry Stephen con su “Limón Limonero”.

De una canción sobre peces se llega a una dedicada a las abejas, un amor prohibido, que al final se resume en que el aguijón llega al panal, para tomar la miel de su vida ¿Otra metáfora? De ser así, un poco más discreta. Definitivamente la sensualidad se respira en gran parte del disco, porque hasta la Bilirrubina sube, y sigue subiendo, con simplemente mirarla.

El disco va presentando sus dos grandes temáticas, el amor y la sensualidad; un “larga duración” atrevido y muy contagioso, pero Guerra aprovecha esta oportunidad para presentar un ritmo propio de su tierra natal y que hasta ese momento no se había internacionalizado: La Bachata. El nombre aparece en la caratula del LP y el CD, y a un tema que sonó por todo lo alto en las radios latinoamericanas, e incluso en España. Dominicana ya no es solo Merengue, ahora también es Bachata, más si en Rosa.

Las dos últimas piezas tienen un toque más crítico, la primera, Reforéstame, a pesar de estar cargado de pasión, dirigido nuevamente al amor, usa como metáfora la necesidad de devolver a la tierra el cariño necesario para reverdecer el mundo; la segunda, Acompáñeme Civil, de una manera jocosa habla sobre el encuentro con el policía ó fiscal que lo detiene por tener la licencia de conducir vencida, pero que al final por unos cuantos billetes el asunto se olvida de manera definitiva.

Por su más de cinco millones de copias vendidas, por el primer Grammy para Guerra, por la internacionalización del merengue y la bachata hasta tierras europeas, por hacer bailar a tantas personas al inicio de una década, Bachata Rosa merece estar en esta lista.

10 9 8 7 6 5 4 3 2 1

LOS MEJORES DISCOS DE 1990. Posición número 8. Crazy World (Scorpions)

2009-02-19T12:02:00.004-04:30

8. CRAZY WORLD (Scorpions)

Llego el momento de hablar de un álbum que aparece en el momento adecuado, que tiene ese sonido Hard Rock de los 80’, pero con matices de evolución que le dan el sabor del inicio de los 90’; además que mucha de sus letras están relacionadas con los cambios que se vienen dando en el mundo durante esos años, hablamos de Crazy World de la banda germana Scorpions.

Este disco de seguro tiene la misma característica del que mencionamos en el puesto 9 de este conteo, ya que no es considerado el mejor disco de la banda, pero si tiene un significado importante para ellos y más aun para el momento histórico en el cual apareció Crazy World.

Las bases de este álbum están inspiradas en las visitas realizadas por Scorpions a la Unión Soviética, fue el primer grupo de rock que rompió con la barrera del bloque socialista del este, realizando varios conciertos en diferentes ciudades de la desaparecida URSS. Para 1989 el líder del grupo, Klaus Meine, organizo el concierto por la paz en Moscú donde invito a bandas como Bon Jovi, Môtley Crûe, Ozzy Osbourne, entre otras, para que tocaran junto a ellos en este festival, logrando así acentuar el rock occidental en la difícil capital soviética.

El tema Wind Of Change es el sencillo más importante del disco, una letra que habla de la Caída del Muro de Berlín, la unificación alemana y los cambios en el resto de los países de la Europa del Este, incluida la Unión Soviética. El single alcanzó el primer lugar en varias carteleras musicales del mundo, un éxito que significo que este tema fuera grabado por la banda en ruso y en español.

Hit Between the Eyes fue otro de los sencillos del álbum, formo parte del sound track de la película Free Jack, tema que da para pensar en muchas cosas, pero con una simple conclusión “soy muy joven para morir por una causa que no es mía”. Send Me an Angel es la gran balada de este disco, una canción que habla sobre el ángel que ha de ser enviado para enseñarle el camino al hombre desesperado. Crazy World es la letra que resume toda esta producción, un mundo corrupto que gasta su dinero para armar la guerra; los misiles ya están en el patio trasero ¿y ahora qué? En lo personal disfruto mucho de To Be With You in Heaven, la letra que habla de estar bien acompañado en el cielo guiado por el ritmo de unas guitarras que roncan, haciendo que la letra sea dulcemente acida, recuerda, no hay cura para el amor que mata.

Un disco que realmente se disfruto en su momento y que tiene tanta vigencia como aquel entonces. Además, ¿Quien diría que sería un grupo de rock alemán que penetraría a la Unión Soviética con la fuerza del Heavy Metal?

10 9 8 7 6 5 4 3 2 1

LOS MEJORES DISCOS DE 1990. Posición número 9. X (INXS)

2009-02-18T19:22:00.004-04:30

9. X (INXS)

El año de 1990 no se destaco por contar con producciones discográficas que hicieran historia, a veces uno piensa si tendría algo que ver el paso del LP al CD, o si lo vemos como algo más bien anecdótico, si es una forma de reflejar el fin de una época y el inicio de otra.

Después de ese breve comentario aquí tenemos el álbum que se ubica en el puesto número 9 de las lista los 10 de 1990: X de los australianos INXS.

Es con toda seguridad una visión de los críticos de la música, así como de los seguidores de INXS, que este disco, su séptimo en estudio, no es lo mejor realizado por la banda en su larga trayectoria, entre Kick y Welcome to Wherever You Are se debate los mejores álbumes de la banda, pero resulta que X logro ser uno de los más reconocidos durante el año del cual hacemos este listado.

El nombre de X se debe a los 10 años que celebraban los australianos comandados por su líder Michael Hutchence (†), desde el lanzamiento de su primer disco, ese que presentaba al mundo el nombre de la banda.

X no llego ni siquiera alcanzar la mitad de las ventas logradas con su anterior disco Kick, a penas vendieron 4 millones en los Estados Unidos, un número que al final les permitió destacar como uno de los “Larga Duración” más vendidos ese año; mientras que en el Reino Unido se ubico en el primer lugar de las listas al momento de su lanzamiento.

De aquí se desprende su primer single y único gran éxito en las radios comerciales del planeta “Suicide Blonde”, tema que tiene un tono a crítica hacia la imagen de las mujeres plásticas que se mostraban con tanta insistencia en el cine y la televisión de aquel entonces.

Si bien es cierto este disco no alcanzo unos números astronómicos, el mismo represento un impulso importante para la banda al lograr su más exitosa gira a nivel mundial, conciertos multitudinarios que culminaron con el Summer XS en julio de 1991 en el stadio de Wembley de Londres, del cual se saca el “en vivo” que lleva por nombre Live Baby Live. X es el último disco clásico de INXS, el menos exitoso también, pero tiene una calidad tan grande como cualquiera de los anteriores.

10 9 8 7 6 5 4 3 2 1

LOS MEJORES DISCOS DE 1990. Posición 10. Empire (Queensrÿche)

2009-02-12T00:09:00.006-04:30

10. EMPIRE (Queensrÿche)

Llegamos al año de 1990, el inicio de una década que a su vez nos encaminaba a los últimos diez años del siglo XX, con este ambiente del principio del fin, donde los Discos Compactos (CD) comienzan a desplazar a los discos de acetato (LP), y la música alternativa empieza a desplazar a los grandes monstruos comerciales.

Para arrancar la cuenta regresiva de 1990 lo haremos con un álbum de una banda de Metal Progresivo formada en el Estado de Washington, específicamente de Formed Seattle, que lleva por nombre Queensrÿche.

Esta agrupación lanzo su cuarto álbum de estudio en agosto del noventa, al cual le dieron el nombre de Empire, convirtiéndose en su disco más exitoso ya que logro ventas que superaron los tres millones solo en los Estados Unidos, más que la suma de las grabaciones anteriores.

Quien escucha con detenimiento las letras de Queensrÿche sabe que las mismas van dirigidas a criticar las políticas desacertadas de su país en el mundo, la necesidad del desarme, así como la necesidad de una mayor atención social; temas presentes en Empire, canción que le da nombre al disco.

Aquí también se encuentra su power ballad Silent Lucidity, de seguro la canción más conocida de la banda, ya que esta mágica pieza que se encuentra acompañada por un suave de orquesta, le permitió a la agrupación alcanzar el top ten de la cartelera Billboard por primera y única vez. El tema Jet City Woman fue el otro track que gano gran aceptación en las estaciones de radio norteamericanas, con una letra sencilla, con mucho sentido comercial.

Si bien es cierto los críticos consideran que el mejor disco de Queensrÿche es el álbum Operation: Mindcrime , producido anteriormente a Empire, no dejan de reconocer que los metal progresistas lograron mantener la calidad y su esencia musical dando el toque comercial que siempre necesita un buen disco de una banda de rock que aspira trascender.

En un año que los cambios se comienzan a evidenciar es Empire el que abre los fuegos del top ten de los diez mejores discos de 1990.

10 9 8 7 6 5 4 3 2 1

CONFIRMADO: KISS EL 17 DE ABRIL EN CARACAS

2009-02-10T22:10:00.003-04:30

Definitivamente este año 2009 se presenta como el año de los conciertos más esperados en Venezuela, sobre todo en el amplio mundo del rock donde ya se está a la espera de Iron Maiden, Santana, Peter Gabriel, Aerosmith (anunciado para octubre), y ahora ya de manera oficial aparece en su página web que Kiss estará por primera vez en Caracas.

Aquella banda que lleno de espectáculo acompañado de efectos especiales y muchos juegos pirotécnicos en los años 70’ y 80’ traerá a Caracas lo mejor de sus extravagantes conciertos, al menos eso es lo que se espera los amantes del rock, y más aun, de los miles de seguidores de Kiss en Venezuela.

El Hipódromo La Rinconada será el lugar donde se montará toda la estructura que requiere el espectáculo que la banda de glam rock estadounidense Kiss traerá para su gira en Latinoamérica, para que el viernes 17 de abril se monten los cuatro integrantes acompañados de sus trajes y máscaras que son todo un icono de la historia de la música.

Las entradas ya están en la venta para los fans club de Kiss en Venezuela a través de su página www.kissonline.com/, y a partir del 16 de este mes ya se deberá comenzar a ofrecer al público en general.

Si quieren saber algo más de Kiss los invitamos a leer un post publicado años atrás donde expresamos nuestra humilde opinión sobre la banda, un poco de historia de la banda espectáculo: http://musicaviajera.blogspot.com/2007/04/kiss-duros-en-el-escenario-suaves-en.html .

EL PRÓXIMO 2 DE MARZO: UN TRIBUTO A SANTANA, CON LOS MEJORES GUITARRISTAS DE VENEZUELA

2009-02-09T12:02:00.006-04:30

La FUNDACIÓN DE APOYO AL TALENTO NACIONAL, siempre presente en espectáculos que promuevan al talento venezolano, conjuntamente con la banda Karmapa anuncian el espectáculo musical “UN TRIBUTO A CARLOS SANTANA” con la participación de los mejores guitarristas del país: Eddy Pérez, Roldan Peña, Juan Ángel Esquivel, Hugo Fuguet y Álvaro Falcón.

Este tributo dedicado al máximo exponente de la fusión de la guitarra rock con la música latina, se presentará el próximo 02 de marzo, en El Teatro, ubicado en la calle Orinoco de Las Mercedes, Caracas.

Vale destacar, es la primera vez que un evento como éste reunirá en un mismo escenario a los cinco reconocidos guitarristas de Venezuela, en el que además participarán músicos invitados de la talla de Nene Quintero y Leo Córdova junto a la banda representante del Free Rock, Karmapa; Así como los cantantes invitados: Jorge Spiteri, Delia, Pedro Rodríguez (Conan), Deborah Andrade (Coros) y Giselle Sabarich (Coros). Todo esto y mucho más para ofrecerle al público una noche inolvidable, bajo el patrocinio de Rock & Folk, Tucarro.com, Ferre Graphics, Style, Xcess, Rumberos.net.

Los músicos interpretarán los éxitos del legendario guitarrista y compositor Carlos Santana, a pocos días para que el ganador de diez premios Grammy aterrice en el país para presentar su Tour Latín América 2009 "Live Your Light".

Renato Tradardi, director de la Fundación de Apoyo al Talento Nacional y músico de Karmapa, afirma que están muy agradecidos con el público por la aceptación y apoyo que le han dado al talento nacional a través de este tipo de espectáculos, al igual que agradece al talento por la disposición que tienen de demostrar que juntos pueden lograr eventos maravillosos.

“Comenzamos el 2009 con “Un tributo a John Lennon” el pasado 19 de enero, en el que participaron artistas de la talla de: Elisa Rego, Eddy Pérez, Nene Quintero, Pedro Rodríguez, Carlos Quintero (Los Beat3) y Karmapa. Realmente el tributo fue todo un éxito. Seguiremos promoviendo este tipo de eventos a fin de llegarles a todas aquellas personas que extrañan la movida musical nocturna de calidad” –destacó Tradardi.

Asimismo, señala: “Una vez más el público disfrutará de una gran producción llena de efectos, buena música, iluminación, sonido de primera y mucho más”. El objetivo central de la Fundación es la de promocionar, fomentar y difundir la producción de nuestra música popular contemporánea, de corte urbano, que se realiza a nivel nacional, que pueda desarrollarse a través de: conciertos, eventos, giras, festivales, encuentros, difusión en programas de radio, televisión y cualquier otro medio posible al alcance de los venezolanos.

Las puertas del Teatro en Las Mercedes se abrirán al público para disfrutar del Tributo a Santana, a partir de las 10:00 p.m. Las entradas se venderán directamente en El Teatro. Será un espectáculo exclusivo para 500 personas.

Para mayor información visitar la página http://www.fundatalento.org.ve/ o llamar al (0212) 720.0038.

Texto redactato y enviado junto con imagenes: Baudy Dávila (PROTIME COMUNICACIONES)

LOS MEJORES DISCOS DE 1989. Posición número 1. Passion (Peter Gabriel)

2009-02-06T15:21:00.004-04:30

1. PASSION (Peter Gabriel)

De seguro muchos esperaban que el mejor disco de 1989 fuera el más vendido durante le año, el que pego más éxitos en las estaciones de radio de todo el mundo, ó que simplemente catapultara a un gran artista del pop. Resulta que ha sido todo lo contrario, el álbum que a mi humilde opinión ocupa el primer lugar de esta lista no tiene record en ventas, ni siquiera un tema en el top ten, y además no es pop ni rock. Se trata de Passion de Peter Gabriel.

Este disco fue producido con el objeto de ser la banda sonora de La Última Tentación de Cristo de Martin Scorsese. Peter Gabriel uso todo su talento, su amplio conocimiento musical para hacer un trabajo que esta más allá de lo esperado, alcanzo unos niveles de composición y grabación que permitió que esta obra melódica se ajustara a la perfección a la película de Scorsese, e incluso, que se pueda sentir con solo escuchar las 21 piezas.

La grandeza de este disco no esta en la partitura adaptada a una película, sino la capacidad de mezclar sonidos de lugares tan distintos del mundo, Gabriel busco ritmos del Norte de África y Asia, notas que dieran realismo al film. Para la realización del álbum trajo de Turquía, Pakistán, India, Costa de Marfil, Arabia Saudita, Bahrein, Egipto, Papua Nueva Guinea, Marruecos, Senegal y Ghana los ingredientes necesarios para poder hacer esta joya. Participan destacados cantantes como Youssou N'Dour y Baaba Maal de Senegal, así como el paquistaní Nusrat Fateh Ali Khan, combinando con los gustos de Hossam Ramzy y David Rodas para crear los mejores efectos de sonido.

Peter Gabriel logro crear sonidos complejos con los colores de la universalidad de la música, justo en un año donde tantos cambios importantes se dieron en el planeta, donde se rompió el muro que separo por tantos años a occidente de oriente.

No hay más que decir, solo invitarlos a escuchar este disco, música que no puede ser tomada como el New Age, más bien como el intento de aproximarnos al momento más importante de la vida de Jesucristo.

Los 10 discos de 1989: 10 9 8 7 6 5 4 3 2

LOS MEJORES DISCOS DE 1989. Posición número 2. Disintegration (The Cure)

2009-02-05T12:12:00.004-04:30

2. DISINTEGRATION (The Cure)

Las grandes bandas de rock nacen, desarrollan su estilo, después buscan pegar algún disco para pasar al lado de las ventas, los éxitos y la popularidad; y al final regresan a su origen, aquello que le gusta a ellos y a sus primeros seguidores. Esto es precisamente lo que encontramos en Disintegration, el regreso al lado oscuro, melancólico, sombrío, que destaco y se convirtió en la imagen de la banda inglesa The Cure en sus primeros años, luego de experimentar con lo gustosamente comercial.

Disintegration es el octavo disco grabado en estudio de la agrupación que lidera Robert Smith, quien dijo en su momento que “las personas cuyos álbumes preferidos son este y Pornography, están, por lo general, más alerta y piensan las cosas. Conviene dejar de lado esa clase de elitismo peno no así la música”. Smith siempre aseguro que esta producción no seria para vender, para llegar a los primeros lugares de las listas, y resulto todo lo contrario, ya que es, a la fecha, el álbum más vendido de The Cure.

Lubally es uno de los tres sencillos que alcanzaron el éxito, un tema que tiene un matiz a Led Zepellin, que en los primeros segundos uno cree que se va a disfrutar alguna pieza que viene del lejano oriente. Pictures Of You tiene ese sonido característico del álbum, sombrío, pero con ese toque pop que lo permitió meterse en los primeros lugares de las carteleras europeas y estadounidense.

Lovesong es el tema más exitoso del álbum, una canción de amor al estilo The Cure, una letra que Smith escribió como regalo de boda para su gran amor Mary. Fascination Street es en mi humilde entender el mejor track del álbum, es caminar en el medio del lado oscuro, acompañado por la fuerza marcada por el bajo de Gallup, no te desespera el que no llegue la voz de Smith, solo quieres que siga sonando ese delirio que llama a la locura.

Si la idea es seguir sumergiéndose en las profundidades de la melancolía, la tormenta de The Same Deep Water As You nos lleva a un adiós escalofriante, un irse del aquí pero antes se debe esperar el beso de despedida.

El tema que da nombre al disco tiene una carga violenta, se esta aproximando el final, ya es hora de apretar. Sin embargo la intensidad vuelve a bajar cuando se llega a Homesick y Untitled, con la marca que caracteriza una producción musical genial. La revista Q refiriéndose a Disintegration publico en 1989 “escuchar este álbum es sentirse envuelto en un abrigo empapado y extremadamente holgado”.

Los 10 discos de 1989: 10 9 8 7 6 5 4 3 ... 1

LOS MEJORES DISCOS DE 1989. Posición número 3. Sin Sombra No Hay Luz (Sentimiento Muerto)

2009-02-04T13:26:00.004-04:30

3. SIN SOMBRA NO HAY LUZ (Sentimiento Muerto)

Cuando comencé a revisar exhaustivamente varios de los discos que fueron lanzados en 1989 encontré uno que no tenia que oírlo para saber que lo colocaría en esta lista, ya que el mismo significo el vivir con fuerza el rock nacional, el vibrar con música escrita en tu país, con letras que dicen lo que vives cada día, con un sentimiento que esta presente, con gritos que llaman a la reflexión que afirman que también somos parte del mundo, esto es parte de lo que dejo Sin Sombra No Hay Luz de la banda Sentimiento Muerto.

Para muchos es el mejor disco de esta banda que catalogan dentro del Punk Rock, la cual se formo en Caracas desde 1981. Sin Sombra No Hay Luz recoge diez temas donde la calidad lírica y musical se va descubriendo en la medida que van pasando los segundos de la aguja sobre el LP.

El Payaso abre los fuegos de este álbum, un tema que sonó sin parar en las estaciones de radio, donde la letra refleja la realidad de las apariencias, el estar detrás de mascaras para olvidar, para poder estar donde muchas veces no se quiere uno encontrar, recordando, distraído disfrazándome. Esta pieza contó con un video, el primero de una banda de rock venezolano transmitido por la señal de MTV.

Nada Sigue Igual es el segundo tema, una llamada a la reflexión sobre el mundo en que se esta viviendo, entre materialismo, consumismo, destrucción del medio ambiente, y pobreza, ese llamado de desespero creo que no te ayudo sino te entiendo.

Ganas es la descripción de un momento de pasión que no sencillamente es amor. Seguidamente llega Resiste y después la canción que le da nombre al disco, un título oscuro que habla de ese lado del corazón que se siente solo a pesar de estar posiblemente acompañado, porque en definitiva Sin Sombra No Hay Luz.

Ayug Payé es la letra que nos lleva a nuestros orígenes, aquel lado del pueblo que por aquellos años estaba tan olvidado como son las comunidades indígenas. ¿Cuántos se atrevían hablar por aquellos tiempos de esto en Venezuela? Sentimiento lo hizo y se recoge en esta canción.

Ojos Chinos, El Barco, Transparente y Mi Bemol cierran este completo disco, y es la penúltima canción la que posiblemente tiene la letra más desgarradora, de cómo se puede estar como un ser vació, como consecuencia de los excesos.

Así es Sentimiento Muerto, y plasmaron en este álbum toda su genialidad, por cierto producido por Guillermo Carrasco, el mismo quien nombramos en el post del disco de Melissa, Perdiendo el Control, que hemos colocado en el puesto 8 de este conteo. Ahora los dejamos con el video de El Payaso, orgullo para todos los venezolanos amantes del rock.

Los 10 discos de 1989: 10 9 8 7 6 5 4 ... 2 1

LOS MEJORES DISCOS DE 1989. Posición número 4. Storm Front (Billy Joel)

2009-02-03T13:10:00.004-04:30

4. STORM FRONT (Billy Joel)

El cuarto lugar de la lista de los 10 mejores discos de 1989 pertenece al undécimo álbum del gran músico Billy Joel: Storm Front.

En ningún libro que desarrolla la temática de los mejores discos de la historia menciona en algún lado esta producción tan interesante lanzada en octubre de 1989, pero en lo personal puedo decir que este álbum significo mucho, sobre todo por algunas piezas musicales que acompañaron a este servidor a pasar de niño a joven.

We Didn’t Start The Fire fue el primer sencillo extraído del álbum, la letra expresa los acontecimientos que han ocurrido en la historia y que de alguna manera la vivió Billy Joel desde marzo de 1949 hasta principios de 1989. Menciona desde presidentes como Kennedy, hasta guerras como la de las dos Coreas, la aparición de la televisión, el movimiento Punk, incluso el SIDA. El video de este tema así como la letra refleja una respuesta a las críticas hacia la generación a la cual pertenece Joel: los Baby Boom. Este sencillo ocupo el primer lugar de la lista norteamericana, y lugares muy altos en el Reino Unido y el resto de Europa. Algunos se han atrevido a decir que esta es una de las peores canciones de la historia, así lo reflejó la revista Blender así como la planta de televisión VH1. La verdad no comparto esto, pero no esta de más mencionarlo.

I Go to Extremes es otro de los temas del álbum, toda una joya que habla de cómo en un momento se puede sentir que estas en lo más alto, y seguidamente vivir en lo más profundo del abismo, como sentir que estas en dos extremos sin intermedios, una canción que me acompaño en el año de 1990 cuando viví mi primer amor.

Leningrad fue su segundo sencillo, un tema que caía como anillo al dedo en aquellos tiempos que comenzó el fin de la caída del bloque socialista de la Europa del Este, incluida la desaparecida Unión Soviética. Aquí Billy Joel relata como fueron sus días en Leningrado.

The Downeaster "Alexa" es otro de los grandes temas de este álbum, donde se puede viajar con la letra en el azul mar. Esto solo para mostrar que Storm Front es una joya que debe estar presente de cualquier melómano.

Ahora los dejamos con el video de We Didn’t Start The Fire, la Forrest Gump de la música.

Los 10 discos de 1989: 10 9 8 7 6 5 ... 3 2 1

LOS MEJORES DISCOS DE 1989. Posición número 5. The Seeds Of Love (Tears For Fears)

2009-01-31T12:31:00.003-04:30

5. THE SEEDS OF LOVE (Tears For Fears).

Cuando se analiza la música de la década de los 80’siempre se debe incluir a un dúo británico que logro hacer melodías con letras profundas, en su mayoría basadas en los problemas sociales y políticos, en las maravillas de la vida y a la esperanza, acompañadas con ritmos que van desde el new wave, el soft rock, lo progresivo e incluso el jazz; estamos hablando de Tears For Fears.

Después de alcanzar un gran éxito con su álbum Songs from the Big Chair de 1985 muchos pensaron que al dúo conformado por Curt Smith y Roland Orzabal se les haría muy difícil producir otro disco de calidad y que volviera alcanzar los primeros lugares de la cartelera; pero fue como en 1989 cuando sorprendieron al mundo con The Seeds Of Love.

Este álbum llego compuesto de ocho piezas musicales que sobrepasan las expectativas de cualquiera que escucha sus 47 minutos y 52 segundos de duración. El disco comienza con una pieza épica, Woman In Chains, además de ser el primer single extraído de esté larga duración. Muchos pueden tomar esta canción como una balada, pero suena más a una crítica sobre el abuso hacia la mujer.

Seguidamente se puede disfrutar de Badman's Song, una pieza muchos más alegre, cargada de gran optimismo, y con ese son de jazz que hace a este tema interesante.

El tercer track del álbum, es en lo personal la mejor pieza, incluso me atrevo a decir que una de las más grandes canciones de ese año: Sowing the Seeds Of Love. La letra tiene más vigencia hoy que incluso hace veinte años atrás cuando fue escrita, basada en la realidad de la manipulación de la sociedad sin importar su felicidad, porque al final lo que quiere y necesita todo ser humano es sembrar la semilla del amor.

Advice For The Young At Heart, es el cuarto track y su tercer sencillo, la pieza que muestra la profundidad musical de lo que esta por venir en los siguientes cuatro temas.

“Y los titulares dicen que eres libre de elegir, hay huevo en tu cabeza y fango en tus zapatos. Uno de estos días van a llamarlo la depresión, y todo es posible cuando tu estássembrando las semillas del amor…Veo lágrimas en sus ojos, miran a los cielos por alguna clase de intervención Divina… Los políticos se benefician de tus grandes ideales¿No tienen una idea de cómo se siente la mayoría?...” Así se expresa Tears for Fears en este álbum que esta en el puesto cinco de los mejores discos de 1989, es parte de la letra que podremos disfrutar en el siguiente video del tema Sowing the Seeds Of Love, tocada por vivo en 2007, realmente excelente.

Los 10 discos de 1989: 10 9 8 7 6 ... 4 3 2 1

LOS MEJORES DISCOS DE 1989. Posición número 6. Pump (Aerosmith)

2009-01-30T14:04:00.004-04:30

6. PUMP (Aerosmith).

En al entrega anterior mencionamos que el disco que ubica el puesto número seis tiene mucho en común con su antecesor en la lista, Dr. Feelgood de Mötley Crüe; estamos hablando del álbum Pump de Aerosmith.

Entre las cosas comunes están en que ambas bandas se destacaron en el movimiento Glam Metal durante la década de los 80`; además, el vocalista de Aerosmith, Steven Tayler, participó en la grabación del ya mencionado disco de los Mötley Crüe; y es de destacar que ambas grabaciones realizadas en el año 1989, fueron las más exitosas en ventas dentro del amplio mundo del rock estadounidense.

Para muchos críticos este es, sin duda, el mejor disco de Aerosmith, otros solo se atreven a decir que es el mejor álbum de la banda en los 80`, pocos prefieren decir que fue un buen disco que vendió más de siete millones de copias solo en los Estados Unidos.

Pump se convirtió en el álbum de rock más exitoso de ese año en Norteamérica, su formula pasa por tomar nuevamente la inspiración de bandas como Led Zeppelin, la cual se puede percibir en el riff de su éxito Love In An Elevator, o en componer temas como Janie`s Got a Gun, canción con la cual logran alcanzar el puesto dos de la cartelera Billboard, así como ganar un premio Grammy a mejor interpretación de Rock Duro.

Desde Pump comenzó una nueva etapa en Aerosmith, un renacer que los llevo a colocar nuevamente en lo más alto de los escenarios, lugar donde bandas como los Guns N` Roses y Bon Jovi ya los hacia olvidar de la escena del Glam Metal.

Lamentablemente no será ahora que podamos escuchar varios de estos temas en vivo aquí en Caracas, después de que la banda anunciara la cancelación del concierto que se realizaría el próximo 01 de febrero, debido al estado de salud del guitarrista Joe Perry. Se espera que próximamente se anuncie una nueva fecha para el tan esperado toque de Aerosmith en la capital de Venezuela.

Sin más que decir los dejamos con el video de Love In An Elevator, parte de este disco Pump que toma el puesto 6 de la lista de los mejores discos de 1989.

Los 10 discos de 1989: 10 9 8 7 ... 5 4 3 2 1

LOS MEJORES DISCOS DE 1989. Posición número 7. Dr. Feelgood (Mötley Crüe)

2009-01-29T10:00:00.004-04:30

7. DR. FEELGOOD (Mötley Crüe)

Llego el momento para el rock, y en especial para el Glam Metal, porque en el puesto siete de los mejores discos de 1989 aparece el quinto álbum de Mötley Crüe: Dr. Feelgood.

Para la mayoría de los críticos de la música, y aquí me uno a ellos, consideran que esta es la mejor producción de la banda californiana. Es en Dr. Feelgood que se puede sentir la aparente sobriedad conseguida para ese momento por los cuatro miembros de Mötley Crüe, así como, en mi humilde opinión, su mejor canción: Kickstart My Heart.

Fue el único álbum de la banda que llego al primer lugar en ventas en los Estados Unidos, lo que en definitiva los catapulto a la fama mundial. El productor de este disco es el canadiense Bob Rock, el mismo que dos años después trabajaría con Metallica en su famoso “Black Álbum”.

Dentro de los temas musicales más destacados se encuentra la balada Without You la cual alcanzo el puesto ocho de la cartelera Billboard; Sticky Sweet donde participaron Bryan Adams y Steven Tayler como voces de fondo, aunque nuevamente el vocalista de Aerosmith hace su aparición en la introducción de Slice of Your Pie; por supuesto no se pueden dejar de mencionar a Dr. Feelgood y Kickstart My Heart, ambas son las canciones más poderosas del disco, por alguna razón fueron seleccionadas como sus dos primeros sencillos, y los cuales contaron con sus respectivos videos.

En lo personal hubiese colocado este álbum unos puestos más arriba, pero es que delante de el aparecerá otro banda del Glam Metal norteamericano que saco un disco el mismo año, y que tiene mucho en común con el Dr. Feelgood de los Mötley Crüe, el cual conocerán en la próxima entrega. Ahora los dejamos con el video del mejor track del disco:

Los 10 discos de 1989: 10 9 8 ...6 5 4 3 2 1

LOS MEJORES DISCOS DE 1989. Posición número 8. Perdiendo el Control (Melissa) (mención especial).

2009-01-28T07:25:00.006-04:30

08. PERDIENDO EL CONTROL (Melissa)

Llego el momento de las polémicas, si bien es cierto los 02 primeros discos que aparecen en el conteo pueden ser aceptados por la mayoría, aquí aparece uno que solo será reconocido por el gusto muy particular de los venezolanos, y de seguro de uno que otro hermano latinoamericano que disfrutó en los 80’ de la música de Melissa.

Esta magnífica voz que nació en Lima Perú, pero que desarrollo toda su carrera artística en Venezuela, es considerada por muchos la mejor cantante femenina pop – rock de este país caribeño.

La razón por la cual se coloca el álbum Perdiendo el Control (el quinto álbum de Melissa en estudio) se debe a lo complejo de su grabación, a lo interesante de varias de sus letras, a los músicos que participaron, así como la calidad que se puede percibir en los 34 minutos y 17 segundos que dura el LP.

Este no fue precisamente el disco más vendido de Melissa, pero si el mejor elaborado, grabado en directo desde la cabina de los estudios Record Plant Studios, Electric Lady Studios y Backed Potatoe Recording, todos en New York; acompañado por todos los músicos, instrumentos y voces pasando todos por un mismo canal como se grababa antiguamente, lo que hace el proceso más complejo. Hacer un album como este en Venezuela o en la mayoría de los países de la región es bien difícil, por eso se ve tan grande el mismo.

Entre los músicos que participaron en este álbum se encuentran varios de los que tocaron para bandas como Duran Duran, Chick Corea, así como los de Sangre Sudor y Lágrimas. Las letras pertenecen a grandes compositores como Frank Quintero, Guillermo Carrasco, Miguel Mateos, por nombrar algunos.

La canción que llego más alto en las carteleras fue Perdiendo el Control, pero también sonó con fuerza Abeja Reina y Despacio.

En reconocimiento a la mejor cantante pop rock femenina de Venezuela y posiblemente su mejor disco, aquí colocamos en el puesto ocho, como mención especial, a este álbum de Melissa. Ahora los dejaremos con un video que forma parte de una de las últimas presentaciones de la Madonna venezolana en Caracas, gracias a una buena grabación que se encuentra en youtube, de este popurrí las dos primeras canciones son de este álbum Despacio y Perdiendo el Control.

Los 10 discos de 1989: 10 9 ... 7 6 5 4 3 2 1

LOS MEJORES DISCOS DE 1989. Posición número 9. Like A Prayer (Madonna)

2009-01-27T10:16:00.006-04:30

09. LIKE A PRAYER (Madonna).

Dentro de los 10 mejores discos de 1989 tiene que ubicarse Like a Prayer, para muchos la mejor grabación de la mayor exponente femenina del Pop: Madonna.

A pesar de no tener este álbum dentro de mi discoteca particular, ya que Louise Veronica Ciccone no es precisamente lo que busco en la música, reconozco la importancia que tuvo esta grabación al final de una década y al inicio de otra. Entre Thriller de Michael Jackson y Like a Prayer se disputa el trono del mejor disco del pop de los ochenta, aunque al final la joya de Jackson es la que se impone.

La canción homónima al álbum y que fue su primer sencillo, estuvo acompañado de un video el cual su fama estuvo soportado en una fuerte polémica y críticas, el mismo Vaticano protesto aquellas imágenes donde Madonna se insinúa ante la imagen de un Santo Católico, lo que a la larga más que detractores consiguió mayor publicidad para el video y el disco.

Al revisar la mayoría de las canciones de este larga duración, las letras se debaten entre el sexo y la religión, dos ingredientes que juntos se vuelven explosivos, eso fue lo que busco Madonna una vez más y definitivamente lo logro, sin importar que la misma le llevara a perder un jugoso contrato de publicidad con Pepsi.

Like a Prayer es para muchos el mejor disco de Madonna, hasta el propio Peter Gabriel lo catalogo de armonioso, es por esto y mucho más que colocamos en el 9no lugar de los mejores discos de 1989 a esta joya del pop.

Aquí los dejamos con el polémico video:

Los 10 discos de 1989: 10 ... 8 7 6 5 4 3 2 1

LOS MEJORES DISCOS DE 1989. Posición número 10. But Seriously (Phil Collins)

2009-01-26T12:03:00.004-04:30

Hoy daremos inicio a un recorrido por los mejores discos y canciones que dejaron una huella musical en el año de 1989, un año donde varios cambios se dieron en el mundo, y con ellos las melodías pasaron a nuevos estilos, con letras dirigidas a temas de finales de siglo, y por supuesto, pasar del LP al CD.

Siempre es bueno mencionar que la clasificación que se va a colocar en este blog es basado en criterios personales de quien escribe estas líneas, basado en una serie de variables que pueden reforzar desde un supuesto más objetivo esta selección de discos. Cualquier crítica o comentario es bienvenida, en especial cuando estas puedan enriquecer estas propuestas.

Daremos inicio entonces con el album que fue seleccionado como décimo para esta lista de los mejores discos de 1989:

10. ... BUT SERIOUSLY (Phil Collins)

Este es el cuarto album de estudio realizado por el ingles Phil Collins en su carrera como solista.

Es quizás el disco que busca ser menos comercial de Collins, se atrevió a presentar letras con más contenido social y político que en cualquier otro de sus anteriores albums. Su primer sencillo fue “Another Day in Paradise”, el cual llego a colocarse en el 1er lugar de la cartelera norteamericana el 23 de diciembre de 1989.

Algunos críticos consideran que este disco es exageradamente serio, hasta el punto que llega a perder lo que realmente Collins buscaba con este disco. En lo personal, creo que esta bien dirigido al objetivo, hasta el punto que es la grabación que lo lleva al ultimo punto alto de la curva ascendente del cantante en su carrera, claro esta, en su rol de solista.

Hay canciones muy interesantes como Colours y Heat on the street, pero es sin duda mi favorita I Wish It Would Rain Down, un magnifico tema que cuenta con la colaboración de Eric Clapton en la guitarra.

Aquí los dejamos con el video de su primer sencillo Another Day in Paradise, mañana hablaremos del disco número 09 de la lista de los mejores albums de 1989.

Los 10 discos de 1989: 9 8 7 6 5 4 3 2 1

LOS MEJORES DISCOS DE 1989

2009-01-08T13:13:00.006-04:30

En las próximas horas aparecera el primer album de la lista... por los momentos lo dejamos con este video de uno de los temas más sonados en 1989...

Video subido por kavsps en 22/09/2008.

I/O: EL SONIDO Y EL SILENCIO QUE SE HACE SENTIR EN EL NUEVO DISCO DE GAÉLICA

2008-01-09T00:15:00.000-04:30

El pasado 8 de diciembre se dio a conocer algo que los amantes de la buena música estábamos esperando, desde aquel día se podía ver con mucha alegría en las tiendas de disco Esperanto las primeras copias de la segunda producción de una banda venezolana que se está convirtiendo en la gran sensación de este nuevo milenio, hablamos de Gaélica y su joya melódica que lleva por nombre I/O.

Tenemos 2 años deleitándonos con el maravilloso sonido que se encuentra grabado en “Ibérica & Latina”, el primer álbum de este grupo criollo que ha sabido fusionar los más diversos ritmos, apoyados por su columna vertebral que es el sonido celta que viene de las viejas tierras escocesas y las cuales llegaron penetrar el norte de la Península Ibérica, de donde estas melodías saltan a estos lares y la sangre de estos viajeros de la música.

Con I/O se vive algo distinto, y todo pasa por una rápida madurez que se siente en cada una de las 14 piezas que componen este disco. “Templarios” es el primer tema y en el muestran su huella celta, una gaita que va introduciendo a un mundo de sonidos que nacen de instrumentos y voces, que se hacen poema sin dejar en ella ningún verso, solo el sonido del tiempo que viaja hasta el oriente medio y toda la fascinación de la cultura del norte del Sáhara.

“Las Calles de la Esperanza” es la incursión del grupo a una fusión de ritmos latinos destacado por una Salsa que tiene la genialidad de Alfredo Naranjo que le da un toque jazzístico al tema. “Chinita de Dublín” es la pieza que nace de lo nostálgico para llegar a la mezcla de ritmos irlandeses con sabor venezolano marcado por el cuatro.

“Altiplano” es un vuelo a las alturas de los andes peruanos y bolivianos que muestra que Gaélica definitivamente no tiene fronteras. Y de la región andina se trasladan a la montaña de “Ararat” para hacernos sentir con “Homa”.

“The Glass of Beer” es el tema fuerte del disco, como lo describió el guitarrista de la agrupación Rubén Gutiérrez durante su participación en el programa Espacio Viajero por Jazz 95.5 FM “este es la pieza de fuerza de I/O, el que descarga con guitarras y le da ese toque roquero a un grupo que le rinde culto a la música”. “Cançao do Mar” es la nota de paz con una marcada nostalgia que se hace sentir a lo largo de la pieza. “Bahía Saudade” tiene el sabor del la Bossa con destellos de guitarra flamenca que la hace un tema único.

“Haraam BocaRoja” es el piano que se vuelve arábigo para después moverse por el tango rioplatense, como para no dejar de escucharlo. “Mouras” que tiene mucho del country de los Estados Unidos, que a su vez tiene sus raíces irlandesas. “Morrison’s Jig” es un tema con una marcada tendencia dance, donde el sabor latino y brasilero resalta en lo largo de las melodías.

Sus últimos tres temas son el reflejo de lo grande de este disco, pero es “Carolan’s Farewell” la que permite cerrar con un toque de lujo tan brillante joya, acompañado en el piano por el maestro Gerry Weil hace que uno sienta que la satisfacción fue total.

Para los integrantes de Gaélica uno de los grandes reconocimientos por la calidad de este disco es para Michael Barbiero, quien fue el responsable de mezclar el album, un hombre que logró darle personalidad a grabaciones de artistas como Metallica, Guns N’ Roses, Alice Cooper, Cypress Hill, Sorpions, Ziggy Marley, por solo nombrar algunos; y que al final solo dijo –“Este es el mejor regalo que puedo dar esta navidad, buena música para familiares y amigos”, unas palabras que demuestran que en I/O esta los sonidos ideales para disfrutar.

Fotografías:

1. Caratula de I/O.

2. Gabriel Figueira de Gaélica. Foto de www.rumbacaracas.com.

¡YA ESTAMOS DE VUELTA EN ESTE 2008!

2008-01-03T15:37:00.000-04:30

Sí, estamos de vuelta, después de varios meses fuera de la red y alejarnos de nuestros blogs hemos regresado para dar lo mejor durante todo este año 2008, donde además aprovecho la ocasión para desearles a todos nuestro lectores el mejor de los éxitos, que la salud y la prosperidad los arrope en estos 366 días que acaban de comenzar.

Para dar inicio a este 2008 con todos los hierros, haremos un viaje en el tiempo, nos ubicaremos exactamente hace 20 años atrás y recordaremos aquellos temas musicales que llenaron de alegría, de nostalgia o de rebeldía durante esos días de 1988.

Aun llegan los recuerdos de aquellos días en los cuales uno usaba la camisa blanca que identifica a los estudiantes que cursan del primero al sexto grado, y que lo único que desean es dejar la prenda sin color para colocarse una azul, la que dice que ya eres un adolescente que estudia su bachillerato.

En esos días donde el recreo es la hora más esperada, y las tardes en casa pasan entre tareas y juegos, la música también hacia de las suyas en momentos donde era necesario escuchar esas letras y esos ritmos saliendo de las cornetas de tu radio.

Para nosotros los venezolanos, 1988 fue el año donde la Frecuencia Modulada consolidaba su espacio con la aparición de nuevas emisoras, donde el sonido cada vez era superior y capturaba a las nuevas generaciones, es así como un sin fin de temas comenzaron hacer parte de la historia de nuestras vidas.

Aquí les doy los 10 temas que en mi humilde entender dejaron marcado los días donde se realizaron los juegos olímpicos de Seúl, en Venezuela se da una la campaña electoral muy pintoresca previa a las elecciones presidenciales en Venezuela, donde a la postre gana el Sr. Carlos Andrés Pérez; más al norte, en Estados Unidos lo hace George Bush, y como una de las noticias más importantes fue la firma de paz después de casi ocho años de guerra entre Irán e Irak:

10. Is This Love – Whitesnake. Una de las bandas de rock del momento, cortado con las mismas tijeras de Bon Jovi, pero fueron un culto, y este tema muy sonado.

9. Could've Been – Tiffany. Una de las voces más angelicales de los 80’, un tema que remueve los sentimientos, vale la pena que este en el conteo.

8. Faith - George Michael. Se volvio uno de los fenomenos de ese año, es obligatorio mencionarlo en este año, fue el suceso pop del momento, el tema es escuchable.

7. Never Gonna Give You Up - Rick Astley. Este tema es uno de esos himnos de los 80’ que debe estar en todo repertorio, un ritmo interesante que sonó hasta el cansancio en todas las radios.

6. Man In The Mirror - Michael Jackson. El Album “Bad” no pudo alcanzar a su antecesor “Thriller”, pero la verdad es que el disco es bueno, me atrevo a decir que después de esto muy poco es el aporte del autonombrado Rey del Pop.

5. Pour Some Sugar On Me - Def Leppard. La Banda Británica que la pego en el techo durante estos años, fue sin duda una de las agrupaciones más exitosas de la década. Es necesario reconocerle su lugar.

4. Sweet Child O' Mine - Guns N' Roses. Siempre habrá una antes y un después de Sweet Child O´ Mine, la entrada de Slash hace que el rock vuelva al lugar que se merece, este tema estará siempre en lo más alto.

3. Got My Mind Set On You - George Harrison. Un año fantástico para uno de los mejores guitarristas y compositores de todos los tiempos, el tercer “Beatle” como alguna vez se le llamó. No es uno de sus mejores temas, pero llego a estar entre las mas sonadas, eso sí, el video es muy bueno.

2. Need You Tonight – INXS. La gran banda de Australia, todo un suceso, fueron considerado los mejores de la segunda mitad de la década de los 80’. Este tema y su video fueron toda una sensación que aun se escucha en las radios.

1. Kokomo - Beach Boys. Son una leyenda, una referencia de la historia musical, los representantes del movimiento californiano del rock and roll, y después de veintidós años este grupo vuelve a colocar un tema en el primer lugar de las carteleras, un record difícil de superar.

Este orden puede variar según el gusto o dependiendo de las variables que se usen para la clasificación, pero de algo se puede estar seguro, que estas fueron las 10 más grandes de un año que hoy recordamos 2 décadas después.

Snakes & Arrows: El Retorno al Más Puro Rock de Rush

2007-08-13T17:53:00.000-04:00

Hace unos días atrás llego a las manos de este melómano el último trabajo en estudio de la banda canadiense de rock progresivo Rush que lleva por título Snakes & Arrows, que salio a la venta desde el pasado mes de mayo.

Esta agrupación que cumplirá 40 años el año venidero, aun sigue haciendo de las suyas con la guitarra, el bajo y la batería, dejando de lado aquellos teclados que acompaño a la banda por mucho tiempo; porque en este nuevo álbum “Snakes & Arrows” el poder del rock es más latente que en trabajos anteriores, recobrando la fuerza que se pueden escuchar en varios de sus discos de los años 70’.

En este su álbum número 18 comienza con un tema llamado “Far Cry” marcado por la fuerza de la guitarra que se siente desde que arranca hasta que termina, esta muy bien elaborada esta pieza, la cual presenta el toque rockero que caracteriza el CD.

“Armord and Sword” es una pieza profunda marcada por el ritmo de una batería suave de Neil Peart, que después va cambiando de fuerza dependiendo de la presencia de una guitarra acústica ó una eléctrica. “Workin’ Them Angels” es la combinación de una letra oscuramente celestial con la fuerza del rock que hace mover las columnas de los cimientos de lo eterno.

“The Larger Bowl” y “Sprindrift” son dos piezas que hay que tomarlas con mucho más calma para digerirlas de la forma en como lo desean los miembros de Rush. “The Main Monkey Business” tiene ese toque de música nativa de Norteamérica que lo hace mucho más rica en sonido, pero la misma se va transformando en toda una pieza de hard rock que se acerca y se separa a la vez de aquella música de los 70’.

“The Way the Wind Blows” arranca con un solo de batería que le va dando cuerpo a un tema que va cambiando de velocidad para el deleite de quienes escuchan sus melodías. “Hope”, con aquellas guitarras con cierto sabor a música celta que se transforma en un tema de dos minutos de puro ritmo propiciado por Alex Lifeson.

“Fiathless” y “Bravest Face” son temas que pueden pasar desapercibido pero “Good News Firts” tiene un comienzo oscuro que se vuelve luz en la medida que va pasando los casi 5 minutos del tema.

“Malignant Narcissism” y “We Hold On” son la forma correcta de cerrar un álbum cargado de rock gracias a la fuerza de su productor Nick Raskulinecz famoso por su trabajo realizado anteriormente con la banda Foo Fighters, como se puede apreciar en el magnifico disco “In Your Honor”.

Sin duda que este CD de la banda canadiense Rush debe estar dentro de la lista de discos a comprar este año 2007, ya que tiene un sonido muy potente y melodioso a la vez.

CRYPTICW RITINGS: EL ÚLTIMO ALBUM DEL CUARTETO EXITOSO DE MEGADETH

2007-07-30T21:57:00.000-04:00

El Speed Metal tiene una banda que hizo de su ira una velocidad electrizante en sus guitarras acompañado de la rudeza de su batería, y las letras cargadas de una preocupación latente sobre una guerra letal, es así como se puede describir brevemente a una de las bandas cuya historia pasa por su líder David Mustaine: Megadeth.

Megadeth nació de la salida de David Mustaine de Metallica, este fue expulsado de la banda por su actitud perturbadora producto del alto consumo de alcohol. Mientras viajaba de regreso en el autobús pensó formar una nueva agrupación que mostrará toda su fuerza, la cual le dio el nombre de Mega Muerte (Megadeth), una medida aplicada por el ejército norteamericano para medir un millón de humanos muertos.

En esta oportunidad no hablaremos de la historia de Megadeth, sino más bien de un álbum que apareció hace 10 años con el nombre de “Crypticw Ritings”, el cual vendría hacer el último con la conformación del cuarteto más exitoso de esta banda que permaneció junto desde 1989 hasta 1998, donde David Mustaine estaba como siempre en la voz y guitarra, Marty Friedman en la otra guitarra, David Ellefson en el bajo, y la fuerza extrema de la batería en las manos y pies de Nick Menza.

El álbum del cual estamos hablando “Crypticw Ritings” significo el octavo en la historia de Megadeth, y vino hacer la recuperación de la fuerza presente en sus primero trabajos, los cuales cambiaron en su disco anterior “Youthanasia” el cual en una modesta opinión es el mejor trabajo realizado por Mustaine y el resto de los integrantes de la banda.

Al escuchar este trabajo publicado en 1997 uno se encuentra con piezas bien interesantes que van desde “Trust” un tema que comienza con un solo de batería algo lento que va tomando fuerza con el pasar de los segundos, hasta llegar el sonido de las guitarras que terminan cambiando su ritmo. “Almost Honest” es el siguiente track, el cual hasta un video se realizo del mismo con imágenes de deportes extremos, nadie puede negar que tiene un ritmo bueno, pero realmente separada de lo que es Megadeth.

“Use The Man” comienza con un intro de un tema al estilo de los 60’ como si se escuchara en una radio de la época, hasta llegar con una pieza que va de lo lento a lo rudamente rápido. “Mastermind” nos recuerda muchos a los temas del álbum “Countdown to Extinction”, para varios críticos el CD más exitoso de su carrera.

“The Disintegrators” es velocidad pura, remontando la banda en sus inicios a finales de los años 80’, al puro estilo Thrash Metal. “I’ll Get Even” y “Sin” son piezas que pasan desapercibidas en este álbum, solo es con la llegada de “A Secret Place” que se siente algo diferente pero interesante en el disco, todo un tema oscuro que te deja enganchado en sus guitarras.

“Have Cool, Will Travel” es otra pieza que puede saltarse al escuchar el disco, pero al llegar a “She-Wolf” uno se encuentra con el puro estilo de “Rust In Peace”, con esa velocidad muy propia de esta banda, que se repite con mucha fuerza en “Vortex” y “FFF” que son las que devuelven a Megadeth al puro estilo Speed Metal.

La verdad es que vale la pena pasearse por este albúm que ya tiene 10 años y que permite viajar por el sonido de una banda que tiene un aporte importante al movimiento del Thrash Metal que se inicio en los 80’. Megadeth es la rebeldía de un hombre que quiso demostrar que tenia las condiciones para ser el protagonista de una gran banda de rock.

Ensamble Kabimbú Llevara a la Cima al Público Europeo con la Música Venezolana

2007-06-30T00:30:00.000-04:00

La música es poesía, es magia transformada en melodía, es viajar por el mundo con solo escuchar las piezas que suenan a vida y libertad; esto fue parte de lo que pudimos sentir el pasado domingo en el programa radial de Espacio Viajero cuando escuchamos en vivo en el estudio de Jazz 95.5 FM a la joven agrupación venezolana Ensamble Kabimbú.

Tienen un poco más de dos años tocando juntos estos cuatro jóvenes estudiantes universitarios de la casa que vence la sombras, la UCV, quienes se unieron para hacer de la música una fiesta, y ahora esa fiesta la volvieron poesía para llevarla al escenario y a la discografía.

Así como está elevado el Páramo Cabimbú en el Estado Trujillo, de la misma forma se levanta la música interpretada por este Ensamble conformado por Héctor Rattia, un caraqueño que toca la flauta de manera armoniosa, alumno del gran Eduardo Soto, además de ser fotógrafo y conductor del programa radial Fragmentos de Ciudad en una emisora comunitaria. Valentín Fina, percusionista caraqueño, un amante del deporte que ha tenido la oportunidad de tocar con Saxuslabababssu, Notas para la Sbornia, así como para el último disco de Andy Montañez grabado en Puerto Rico. Miguel Márquez, un poeta nacido en Valera, Estado Trujillo, el cual además de ser ganador del Concurso de Jóvenes Escritores de Monte Ávila, es el guitarrista y voz del grupo, además de pianista y compositor. Por último, Fernando Bencomo, violinista y violista de Trujillo, perteneciente a la Orquesta Filarmónica Nacional de Venezuela, músico de fila de la Orquesta Mundial de Juventudes con numerosas presentaciones en Venezuela, Polonia, Alemania, China y España.

Uno puede ver que Kabimbú es una pequeña muestra de la gran cantidad de músicos formados desde muy niños en los conservatorios, quienes nos representan dignamente en el mundo entero al tocar en Orquestas Sinfónicas y Juveniles en los distintos escenarios del planeta, solo que los cuatro miembros del ensamble le dieron a su formación las alas de volar por la música nacional y continental.

Nacieron en los pasillos de la UCV, tocando en Tierra de Nadie, en el Auditorio de FACES, y ahora fueron invitados para llevar fuera de nuestras fronteras lo mejor de la música venezolana y latinoamericana. El día 5 de julio de este año, en el marco de la celebración de los 196 años de la Independencia de Venezuela, en el Consulado de Venezuela en Frankfurt se hará sentir la percusión, violín, flauta y guitarra de Kabimbú, para que Alemania disfrute de una música de altura con sabor venezolano, con aroma caribeño y con color de Los Andes. Son 30 los temas que tienen montados, de los cuales una parte importante son temas propios, pero que bueno se va a sentir piezas como el Becerrito de Simón Díaz en los tres ritmos que fusionan Kabimbú en el medio de su alegría.

Tal como lo expresa la propia agrupación, este viaje a Europa “es una iniciativa de tal magnitud que requiere del generoso apoyo de colaboradores e instituciones que, bien en el marco de la Responsabilidad Social Empresarial o bien por generosidad propia, que permita recaudar los recursos necesarios para la realización de este ambicioso sueño que hemos querido llamar «Proyecto Kabimbú en Frankfurt». Se están realizando las gestiones de manera que este viaje no se limite únicamente a la presentación en el Consulado, sino que abarque de igual modo instituciones alemanas como la Universidad de Mannheim, museos y sedes diplomáticas de nuestro país en Alemania, así como de España, y el Bolívar Hall en Inglaterra”.

Esperamos que estos cuatro músicos sigan apuntando hacia la cima como lo hace el páramo trujillano, y que el apoyo de las instituciones privadas y publicas lleguen para que los ritmos venezolanos se sientan en otras tierras, así como en la nuestra, porque las melodías de Venezuela son hermosas, tanto o incluso más que una Bossa Nova brasilera o un Son cubano, y merecemos disfrutar de ellas y hacer que el mundo sienta nuestros tres colores en cada una de las notas tocadas por la fuerza armónica de Kabimbú.

"Metallica" El Álbum Más Exitoso del Heavy Metal

2007-06-19T08:22:00.001-04:00

Detenerse para hablar de la importancia de un disco en la historia musical es tomarse el tiempo para disfrutar de una verdadera joya convertida en melodía, es así como hoy daremos inicio a una serie de entregas sobre lo que consideramos como las mejores grabaciones de la historia, y queremos comenzar con un álbum que sin duda marco la vida de quien escribe estas líneas, nos referimos a un trabajo discográfico que lleva el mismo nombre de su banda: Metallica.

Seguramente no fueron muchos los que imaginaron que una banda de Heavy Metal llegaría a vender más de 10 millones de ejemplares de un disco en diez años (y lo más interesante es que el número sigue creciendo con el pasar del tiempo), pero esto ocurrió con un álbum que rompió todos los esquemas conocidos hasta ese momento, al trabajo discográfico llamado “Metallica” que es mejor conocido como “Black Album” estableció marcas difíciles de superar, es por eso que repasaremos la historia de esta grabación que apareció en agosto de 1991.

Para la banda de “Thrash Metal” este disco significaba un giro en sus vidas, primero porque era el álbum que se llevo más tiempo para su grabación hasta ese momento; segundo, dejaron a un lado temas largos que pasaban de los siete minutos, para sustituirlo por piezas que estuvieran en un promedio de cinco a seis minutos; además de ser el trabajo donde se bajo un poco la velocidad que caracterizo los cuatro discos anteriores para sustituirla por más melodía, así como la que se puede sentir en su primera canción de amor “Nothing Else Matters”.

Aparece un album con su imagen negra, con aquella serpiente que casi se puede ver, era un toque sobrio y a la vez oscuro, era solo el envoltorio de lo que esta en el LP ó CD que sonaría sin cesar en los equipos de sonido de quienes compraron el disco, para escuchar piezas como “Enter Sandman” la cual despierta la mente, el corazón y el alma de quienes disfrutan del “Metal”.

“Metallica” significo el éxito de al menos seis de los doce temas encontrados en este trabajo, su primer sencillo “Enter Sandman” no solo significo que la banda se ubicaría en las principales carteleras musicales y en puestos muy altos, sino que llevo a vender más de quinientos mil ejemplares en una semana, todo un record para un album de este genero. “Sad But True”, se le considera la pieza maestra del disco, es un viaje por lo misterioso, donde luchan diferentes personalidades dentro de tu cabeza. “The Unforgiven”, es una muestra de los temores que se encuentran en James Hetfield, el de cómo una religión te puede llevar a los extremos más terribles. “Wherever I May Roam”, un tema para viajeros, el recorrido por las carreteras, para ellos su tiempo rodando por el mundo mientras están de gira. “Through The Never”, es la muestra de que bajaron el ritmo aun tocan velozmente, es la mejor pieza “Trash” del disco. “Nothing Else Matters”, la canción suave, la ideal para cantarla a un amor con la fuerza de “Metallica”; a pesar de ser tan criticada en su momento, es hoy pieza obligada para cualquiera que disfruta de esta gran banda.

Como dice el libro “Metallica” de Malcolm Dome y Mick Wall “The Black Album” es el “Thriller” del “Heavy Metal”, si nadie volviese a comprar un disco de esta banda en su vida, las futuras generaciones seguirían comprando copias de “Metallica”, ya es todo un clásico, y como dato que de seguro callará a sus detractores, es el grupo que sigue vendiendo más discos en el mundo del Heavy Metal, algo bueno tiene que tener estos albums para ser tan adquiridos ¿no lo creen?.

Justamente este miércoles 20 de junio a partir de las 10:00 p.m. (hora de Venezuela) el canal History Channel va a transmitir en su programa “Disco Clásicos” como se elaboró esta joya musical que sin duda no puede faltar en la colección de todo amante de la buena música, que simplemente se llama “Metallica”. Descubran ustedes mismos si en verdad estamos equivocados.

Fotografías: www.metallica.com

Ver también: http://musicaviajera.blogspot.com/2007/04/los-albums-ms-vendidos-de-la-decada-de.html

LOS MEJORES DISCOS RECOPILATORIOS DE ROCK Y POP DE TODOS LOS TIEMPOS: LOS DIEZ PRIMEROS

2007-06-09T17:20:00.000-04:00

Aquí estamos de regreso amigos viajeros para entregar lo que son los diez albums recopilatorios que se ubican en el primer lugar de los treinta que este humilde servidor basado en una serie de variables considera como los mejores, donde cantantes y grupos de rock y pop colocaron en un mismo disco sus mayores éxitos.

Para dar inicio a este conteo final, aquí los dejamos con el album ubicado en el puesto número diez:

10. U218 SINGLES
Estamos frente a la banda irlandesa que sigue otorgando a los amantes de la buena música melodías que superan las expectativas y permiten que viajemos por un mundo maravilloso, ese en el cual la paz debe reinar en cada uno de los rincones del planeta. U2 saca este album en el año 2006 en el cual presenta lo que para ellos son sus mejores éxitos, comenzando con “Beautiful Day” pasando por éxitos de sus mejores discos como “Pride (In The Name Of Love”, “With Or Without You”, “New Year’s Day”, “One”, “Sunday Bloody Sunday”, “Walk On”, por solo nombrar algunas. Además se encontrarán dos nuevos temas, ambos grabados en Abbey Road Studios, “Window In The Skies” y “The Saints Are Coming”, este ultimo interpretado conjuntamente con la banda Green Day. Es bueno recalcar que antes de este recopilatorio U2 había sacado al mercado los discos “The Best Of 1980 – 1990” y “The Best Of 1990 – 2000”, que entre los dos tendrás sin duda lo mejor de este grupo, solo que no incluye temas de su último CD “How To Dismantle An Atomic Bomb” del año 2004.

9. BRYAN ADAMS ANTHOLOGY
Seguramente muchos consideran que la ubicación de este recopilatorio es que esta muy alto, pero después de revisar con detalle este último trabajo de Bryan Adams uno se puede encontrar con un album doble que contiene lo mejor de uno de los mejores músicos de la década de los ’80 y ’90. Comienza con un tema de 1980 que era muy difícil de encontrar, “Remember”, después ya se llega a temas como “Somebody”, “Heaven” y “Summer of ‘69”. En este compilatorio tienes las siempre eternas “(Everything I Do) I Do It For You”, “Thought I’d Died and Gone To Heaven”, “Please Forgive Me”, “All For Love” (con Sting y Rod Stewart), “Have You Ever Really Loved a Woman?”, y muchas más. A pesar de que ya el cantante canadiense había sacado anteriormente dos albums con varios de sus éxitos, este recoge lo que uno puede escuchar en ambos y muchas más.

8. NIRVANA

En el año 2002 sale al mercado un album que recoge lo mejor de Nirvana, la banda que cambio la década de los ’90, y que lamentablemente su carrera quedó corta con la terrible desaparición física de su voz líder en el año de 1994. Este disco homónimo cuenta con quince piezas, de las cuales la primera de ellas “You Know You’re Right” es una canción inédita, la cual recoge una grabación de Kurt Cobain, la cual no había salido anteriormente. Desde ahí uno se montará en cada una de los temas que inmortalizaron a esta banda de Seattle, desde “Smells Like Teen Spirit” hasta llegar a “Heart-Shaped Box”. Este es un album que no puede faltar a ningún melómano.

7. ROLLING STONES FORTY LICKS
Ni los Rolling Stones escaparon de los discos recopilatorios. En el año 2002 sacaron al mercado este album doble que contiene 40 temas, los que ellos consideran sus mejores piezas. La verdad es que uno se sorprende como uno viaja desde la década de los ’60 hasta llegar hasta el siglo XXI, dando a este compilatorio un valor agregado como ningún otro. Se convirtió en uno de los discos más buscados en el mundo entero, para poder disfrutar de la mítica voz de Mick Jagger en piezas como “Not Fade Away”, “Sympathy For The Devil”, “Paint It, Black”, “Star Me Up”, “(I Can’t Get No) Satisfaction”, “Angie”, “Anybody Seen My Baby?”, por nombrar solo algunos.

6. APOCALYPTICA AMPLIFIED // A DECADE OF REINVENTING THE CELLO
Sorprendente hemos decido colocar este album en este lugar, primero, por ser uno de las mejores recopilaciones de una agrupación innovadora y con una muestra magistral de buena música; segundo, porque es uno de los discos más vendidos en Europa; y tercero, es increíble escuchar en este CD doble lo que hizo un grupo de músicos que tocan el cello, en solo diez años de carrera. Apocallyptica, una banda de las tierras de Finlandia que llevaron la música de Metallica a un sonido más agudo, para después hacer versiones de otras agrupaciones como Pantera, Sepultura, Rammstein, por solo nombrar algunos; y así llegar a piezas propias de un valor realmente sorprendente como “Farewell”. En el primer disco encontraras 15 interpretaciones instrumentales; y en el segundo, son 8 canciones donde participan voces como Max Calavera, Sandra Nasic, Lauri Ylönen, Linda Sundbland, por solo nombrar algunos.

5. LEGEND THE BEST OF BOB MARLEY ANT THE WAILERS
No podía estar completo este conteo si no se incluía este recopilatorio que muestra lo mejor del gran maestro del Reggae, el jamaicano Bob Marley. Uno coloca este disco y el mar junto a la arena viene a nuestra mente mientras se escucha “Is This Love”, “No Woman No Cry”, “Could You Be Love”, “Jamming”, por solo nombrar 4 de los 16 temas que uno tiene en sus manos al contar con esta joya musical transformada en CD. Este fue uno de los discos más vendidos en la década de los ’90, y aun sigue estando en lo más alto, por lo que es una pieza obligada a tener por cualquier amante de la buena música.

4. THE VERY BEST OF… STING & THE POLICE
Existen recopilatorios de la agrupación británica The Police, así como también hay uno de Sting, pero que maravillosa idea fue colocar en un mismo disco 18 piezas que recogiera la historia de esta banda que hizo historia en los ’80 y de su voz líder en su carrera como solista. En el año de 1997 sale este CD que comienza con “Message In A Bottle” para después dejarse llevar por “Englishman In New York”, y así se van intercalando los temas de estos dos momentos, uno de la gran banda, y el otro del hombre solo con su música. Esta es una joya que no puede faltar en la discoteca de un melómano, porque además no existe ningún otro ejemplar que recoja en un mismo album lo mejor de una banda y lo realizado después por su vocalista como solista.

3. THE BEATLES 1
Es uno de los discos más vendidos en los últimos años, fue el que abrió los discos compilatorios de las canciones que alcanzaron el primer lugar de las carteleras, y es el album que recoge lo mejor de la banda más famosa de todos los tiempos: The Beatles. Este CD presenta los 27 temas que llegaron a lo más alto de la cima compuestos e interpretados por los chicos de Liverpool, desde “Love Me Do”, pasando por “She Loves You”, oír “All You Need Is Love”, sentir a “Eleanor Rigby”, hasta terminar con “The Long And Winding Road”, para despedir la hora, diecinueve minutos con ocho segundos de música real.

2. QUEEN GREATEST HITS I, II & III THE PLATINUM COLLECTION
Quizás fue este compilatorio el que llevo a que muchos otros grupos realizaran después los suyos, pero la verdad es que Queen logro regalarle a sus seguidores y a los amantes de la buena música un paquete que contiene tres discos recopilatorios que muestran lo mejor de una carrera brillante, la cual se detuvo en el año de 1991 con la muerte de su gran voz líder, Freddie Mercury. A partir de la desaparición física de Mercury bajo la terrible enfermedad del SIDA la banda llego a vender muchos albums, en especial este compilatorio triple, el cual consiste en un primer CD que tiene lo mejor de la banda en la década de los ’70 hasta el año de 1980; el segundo presenta los mayores éxitos desde 1981 hasta 1991; y el tercero contiene varias rarezas, piezas que dejo grabado Freedie y que solo se dieron a conocer después de su muerte, así como varios temas tributos y canciones grabadas como solista.

1. ABBA GOLD GREATEST HITS
La verdad es que fue el recopilatorio de ABBA a principios de la década de los ’90 lo que llevo este formato a lo más alto de las carteleras, fue así como muchos grupos y cantantes decidieron seguir este ejemplo. Era el momento de digitalizar aquellos temas que estaban en discos de acetato para llevarlos a la nueva tecnología del CD. En el caso del disco de ABBA, no solo fue pasar a la nueva tecnología, sino que aprovecharon para colocar las mejores piezas del cuarteto sueco, que a pesar de tener más de dos décadas de no tocar juntos, siguen vendiendo como si fueran lo más reciente en sonar en las radios del mundo. En el caso de “Gold Greatest Hits” uno encuentra 19 melodías que ya son eternas, aquellas como “Dancing Queen”, “Knowing Me, Knowing You”, “Mamma Mia”, “Super Trouper”, “S.O.S.”, “Chiquitita” y muchas más que seguramente ya están recordando en este momento. Sin duda que este CD es el número 1 dentro de los recopilatorios, como este no a vendido ningún otro, y fue el que marco el ritmo en esto de discos que contengan los más grandes éxitos.

Así llegamos al final de la lista de los 30 Mejores Discos Recopilatorios de Pop y Rock de todos los tiempos, las opiniones están abiertas, la ideas de ustedes quieren se escuchadas, digan si están de acuerdo con este conteo ó si consideran que se debe cambiar algo de ella. Mientras tanto, como regalo hemos subido un reproductor para que oigan al menos un tema de cada uno de los compilatorios que hemos brindado a todos ustedes a través de música viajera.

Los Mejores Discos Recopilatorios del Rock y el Pop: Segunda Entrega

2007-06-06T08:00:00.000-04:00

Los discos recopilatorios de bandas y cantantes se convirtieron en una constante de la década de los ’90, y que aun hoy en día, continúan saliendo por cantidades, por eso es que consideramos conveniente mencionar lo que para nuestra humilde opinión son los 30 mejores albums que contienen los mayores éxitos de cada uno de los grupos o voces inolvidables.

Hoy presentaremos los lugares que van del 20 al 11, para dejarles en la próxima entrega con los diez mejores. Queremos pedirle disculpas por solo publicar esta parte una semana después de lo previsto, lo importante es que ya estamos de vuelta.

20. THE VERY BEST OF THE BEACH BOYS
Existen varios albums recopilatorios de los chicos de las playas californianas, pero este en particular recoge sus 30 mejores éxitos, que van desde “Good Vibrations”, hasta el ultimo tema que pego en las estaciones de radio, “Kokomo”. Nadie se puede dar el lujo de no tener en su discoteca al menos un disco de The Beach Boys, y si en un principio se te hace difícil escoger cual o cuales de sus largas duraciones debes adquirir, lo ideal es tomar esta grabación que lo tiene todo.

19. ALANIS MORISETTE THE COLLECTION
La voz de esta canadiense es única, su forma de interpretar es especial, y si no tienes claro cual disco de ella debes comprar, quizás este album es la mejor decisión que se puede tomar, ya que recoge lo mejor de Alanis Morisette, desde la desgarradora “Thank You” hasta la famosa “Ironic”. Una de las cosas interesantes de este recopilatorio es que contiene tres temas muy valiosos como “Princes Familiar”, grabado en su album Unplugged, “Let’s Do It, Let’s Fall In Love” perteneciente a la banda sonora de “De-Lovely”, y "Crazy", un cover del tema que inmortalizo Seal en 1990.

18. BEE GEES NUMBER ONES
Este es uno de los albums que entran en el formato de aquellos éxitos que lograron ser número 1 para un cantante o grupo. Los Bee Gees fueron capaces de colocar 18 temas en la cima de las carteleras de distintas partes del mundo. Los hermanos Gibbs consiguieron que canciones como “Massachussets” “Words” “Lonely Days” y los famosos temas de la banda sonora de “Fiebre del Sábado por la Noche” como “Night Fever” ó “Stayin’ Alive”. Este recopilatorio lo disfrutaras de principio a final.

17. MICHAEL JACKSON NUMBER ONES
La estrella del pop, el que hizo cambiar la década de los ’80 con su música, sus videos y su forma de vestir, hablamos de Michael Jackson, el que logro romper varios records con “Thriller”. Aquí encontraremos temas de finales de los ’70 como “Don’t Stop ‘Til You Get Enough”, así como los éxitos de los ochenta como “Billie Jean” “Beat It” y “Bad”; hasta llegar a aquellas piezas que sonaron en los noventa y principios del siglo XXI, además de un tema nuevo llamado “One More Chance”.

16. ELVIS 30 # 1 HITS
Todo un éxito este recopilatorio, colocar en un mismo disco los 30 temas que Elvis Presley llevo a lo más alto de la cima. Uno se puede deleitar con canciones sencillos perteneciente a sus inicios como “Don’t Be Cruel” hasta llegar a las más conocidas como “Jallhouse Rock”, pasando por las que tienen una influencia Country como “(Marie’s the Name) His Latest Flame”, hasta llegar a las más melancólicas como “Suspicious Minds”. Este album además incluye un remix de “Little Less Conversation” realizado por JXL Radio, permitiendo que el mismo se colocara en un puesto muy alto en el año 2002. Por ser tan exitoso este compendio sacaron un segundo CD “Elvis 2nd To None”, este si no logro la misma respuesta de los melómanos como paso con el primero.

15. THE CARS THE DEFINITIVE
Esta banda de los Estados Unidos llevo al movimiento New Wave a un lugar importante, consiguiendo un respeto y un reconocimiento, incluso por aquellos que no estaban de acuerdo con este estilo muy particular de los ochenta. Previo a este disco ya existía un recopilatoria del grupo, “The Cars Greatest Hits”, que recoge lo mejor de ellos hasta 1985. Pero para escuchar un éxito como “You Are The Girls” es necesario tener “El definitivo” el cual salio al mercado en el año 2002 con lo mejor de The Cars. Este es un CD para escucharlo mientras se viaja manejando por una carretera.

14. DON’T BORE US – GET TO THE CHORUS ROXETTE’S GREATEST HITS
En el año de 1995 el dúo sueco Roxette nos dio esta gran sorpresa, un disco compilatorio de sus mayores éxitos hasta ese momento, donde incluía varios temas no registrados en albums anteriores, como su mejor pieza en toda su carrera “It Must Have Been Love”, grabada para el Soundtrack de “Pretty Woman”; le versión single de “Dangerous”; así como “Almost Unreal" del Soundtrack de “The Super Mario Bros". A estas canciones y muchas más hay que sumarle cuatro nuevas grabaciones donde destacan “June Afternoon” y “You Don’t Understand Me”. A pesar de que posteriormente sacaron nuevos recopilatorios, ninguno logro un éxito como este.

13. GUNS N’ ROSES GREATEST HITS
Más de uno esperaba que un disco como este saliera al mercado, muchos querían en un mismo CD lo mejor de la banda que coloco al rock en un lugar alto a finales de la década de los ’80, los Guns N’ Roses. Contiene 14 temas que van desde su “Welcome To The Jungle”, pasando por la suave “Patience”, para llegar a cada uno de las piezas que apuntaron alto con los Use Your Illusion I y II. Este recopilatorio incluye la versión que ellos grabaron del tema de los “Rolling Stones” “Sympathy For The Devil”, que aparece originalmente en la banda sonora de “Entrevista con Un Vampiro”.

12. WORKING CLASS HERO THE DEFINITIVE LENNON
Un CD Doble que presenta lo mejor de la carrera como solista del legendario miembro de The Beatles “John Lennon”. Disfrutaran de cada una de las piezas que van de las movidas con sabor a la banda que el fundo con los otros 3 chicos de Liverpool, hasta llegar a sus polémicos temas llamando a la paz y la transformación del mundo, y por supuesto, aquellas canciones dedicadas a su gran amor Yoko Ono. De buscar lo mejor de Lennon adquiere este compilatorio, no te vas arrepentir.

11. LENNY KRAVITZ GREATEST HITS
Posiblemente este album se hubiese ubicado más arriba, pero es muy difícil bajar alguno de los que verán en la última entrega de lo “30 Mejores Discos Recopilatorios”; pero la verdad es que Kravitz escogió lo mejor de toda su carrera para ese momento, uno disfruta el disco desde que comienza con “Are You Gonna Go My Way” hasta llegar al track 15 “Black Velveteen”. No hay tema que uno pueda decir “yo lo cambiaria por”, son realmente los que uno quisiera tener en uno solo CD. Además, este compilatorio presento un nuevo tema “Again”, que sin duda es una magistral pieza, que permitio a Kravitz colocarse nuevamente en lo más alto de la cartelera musical. No se pueden dar el lujo de no tenerlo.

Estén muy pendientes, en los próximos días se publicara los 10 mejores discos recopilatorios de todos los tiempos según la humilde percepción de este servidor. Mil gracias por su atención y nos encontramos en la próxima entrega.

Ver también:

http://musicaviajera.blogspot.com/2007/06/los-mejores-discos-recopilatorios-de.html

Los Mejores Discos Recopilatorios: Primera Entrega del 30 al 21

2007-05-29T01:02:00.000-04:00

Son muchos los artículos sobre los mejores discos del mundo basados en los años de producción, estilos musicales, los más vendidos, idiomas, por mencionar las variables más usadas; pero nunca hemos visto que en estas clasificaciones se tomen en cuenta los discos recopilatorios que han realizado grupos y cantantes para llevar en un mismo album sus grandes éxitos.

Es bueno mencionar que en la década de los ’90 y principios del siglo XXI son muchos los discos que han salido al mercado recogiendo lo mejor de cantantes y grupos musicales que han pasado a la historia por sus grandes éxitos, ya sea por una sola canción o por decenas de ellas, es por eso que hemos decidido colocar aquí en Música Viajera los 30 mejores albums recopilatorios que hemos considerado nosotros como los más interesantes, tomando como variables el que se incluya un tema que no estaba en ningún CD anterior, o un track nuevo, por sus ventas, o por la buena selección de temas. Es bueno destacar que este espacio permitirá a muchas personas a participar para que emitan su opinión y puedan votar por los que están aquí incluidos o por alguno que no hemos colocado en la lista.

Comenzaremos hoy publicando los recopilatorios del 30 al 21, mañana publicaremos del 20 al 11, y para el día jueves estará publicado del 10 al primero. Aquí les va la lista:

30. RAMONES MANIA
Cuando se intenta incursionar en la música realizada por Ramones los mejor que uno puede hacer es comenzar por un disco como este, para escuchar cada uno de sus temas cortos y poder decidir cual es el mejor momento de la banda. Existen muchos recopilatorios de esta banda Punk, incluso en nuestro caso contamos con dos, pero hemos considerado que los 30 temas que recoge RAMONES MANIA es el más acertado. Incluso por el éxito de este album, más adelante sacaron RAMONES MANIA II.

29. THE VERY BEST OF UB40 1980 – 2000
La banda británica de reggae que rompió todos los esquemas en los años ochenta y principios de los noventa, decidieron sacar en el año 2000 un recopilatorio con los mejores veinte temas en el marco de su vigésimo año de carrera musical. Al escuchar el album uno se encuentra con su gran éxito Red Red Wine, pasando por Kingston Town, Cherry Oh Baby, I Got You Babe, Bring Me Your Cup, y una pieza nueva que es un cover del famoso Ligt My Fire de The Doors.

28. THE SMASHING PUMPKINS GREATEST HITS
Es el primer CD Doble que presentamos en esta lista, en el disco A se encuentran los mejores éxitos de la banda de rock alternativo de Chicago, y en el disco B varias rarezas hasta ese momento desconocidas. La portada blanca con una fotografía que presenta a la banda en sus primeros días tiene como dato anecdótico una señal de transito que dice “END”, indicando el posible fin de las grabaciones de la agrupación. A parte de sus temas éxitos, también se pueden escuchar canciones nuevas como Real Love y Untitled.

27. THE BEST OF R.E.M. IN TIME 1988 – 2003
Amazon lo coloca como el disco más vendido de la banda en este momento, y recopila lo que para REM son sus mejores 18 temas. Losing My Religión y Everybody Hurts son dos de las piezas que se pueden escuchar, pero desde Man On The Moon hasta Nightswimming uno puede deleitarse con la calidad de la banda de Georgia.

26. PEARL JAM REARVIEWMIRROR (GREATEST HITS 1991 – 2003)
Muchos llegaron a pensar que con este CD Doble recopilatorio estaría desapareciendo una de las grandes bandas Grunge de Seattle, pero resulta que solo era la oportunidad de colocar en un solo empaque sus mejores 33 temas, dando a sus seguidores, y a los que no lo son tanto, la oportunidad de tener lo mejor de Pearl Jam. Es bueno destacar que hay tres temas que han sido remezclados, Once, Alive y Black.

25. RED HOT CHILI PEPPERS GREATEST HITS
En el año 2003 aparece un disco que coloco lo mejor de la trayectoria musical de Red Hot Chile Peppers, desde la siempre recordada Under The Bridge, hasta lo que para ese momento se convertía en su último gran éxito, By The Way. De este recopilatorio salio dos empaques, el que contenía solo el CD, y otro que incluía un DVD con los videos. La verdad es que este recopilatorio se convirtió en la mejor opción para aquellos que no colocan a esta banda dentro de sus favoritas, pero que reconoce el gran valor musical de varios de sus temas.

24. RED, WHITE & CRUE “MÖTLEY CRÜE”
Estoy seguro que muchos cuestionaran la colocación de este recopilatorio, algunos dirán que podría estar pero por debajo de algunos de los mencionados, pero es que resulta que el poder contar con un CD que contenga los mejores temas de una banda que movió el rock en la década de los ‘80 tiene que ser reconocido sin dudarlo. Red, White & Crue es la posibilidad de tener los mejores temas de Mötley Crüe, incluso existe la versión de uno ó el de dos CD’s. Uno puede tener en sus manos a Dr. Feelgood, Kickstart My Herat, Live Wire; Girls, Girls, Girls; Shout At The Devil, Primal Scream, Home Sweet Home y 30 temas más, de los cuales tres son grabados por primera vez.

23. BRUCE SPRINGSTEEN GREATEST HITS
Me sorprendió mucho al descubrir que este es el disco más vendido de Springsteen por Amazon, pero la verdad no tendría que sorprendernos tanto con solo el observar y escuchar los 18 temas que incluye este formidable recopilatorio. Grabado en 1995, recoge lo mejor de este fantástico músico norteamericano. Además que en la medida en que se escucha cada tema, uno se puede pasear por la evolución musical de Springsteen. En el podrán encontrar las infaltables Hungry Heart, Dancing in the Dark, Born in the USA, Glory Days, Human Touch, Streets of Philadelphia, entre otras.

22. NO DOUBT THE SINGLES 1992 – 2003
Son dos las razones por las que se coloca este recopilatoria en este lugar, la primera, por sus altas ventas; y la segunda, es que en verdad recoge lo mejor de una agrupación que rompió con varios de los esquemas conocidos hasta entonces en las agrupaciones norteamericanas. No Doubt presento este CD como una despedida momentánea, ya que siempre se dijo que la separación por parte de Gwen Stefani sería muy corta. Cuenta con 16 temas de los cuales uno es un tema nuevo “It’s My Life”, un cover de la banda Talk Talk, la cual permitió cerrar a la banda californiana con broche de oro.

21. HIGHEST HOPES THE BEST OF NIGHTWISH
Cerraremos esta primera entrega con un CD que nuevamente llamará a la polémica, pero es que este recopilatoria de la banda de Finlandia Nightwish recoge en este disco lo mejor de su música rock gótico sinfónico. Al escuchar su primer tema Wish I Had an Angel uno entra de inmediato en contacto con su música, si no los conoces te atraparan enseguida. El recopilatorio cuenta con 16 temas que permite conocer todo lo realizado por este grupo Fines desde el año 1997 hasta el 2005. Se dice que este CD es la despedida de su voz líder, Tarja Turunen, ya que esta por salir un nuevo album de la banda con nueva vocalista. Para entrar el mundo de Nightwish es el disco perfecto.

Mañana estaremos presentando los próximos discos recopilatorios del 20 al 11, y ustedes pueden sumar, agregar, quitar, mover de este lugar a los ya mencionados con solo su participación.

Ver también:
http://musicaviajera.blogspot.com/2007/06/los-mejores-discos-recopilatorios-de.html

"To Live Is To Die" la Historia del Mejor Bajista del Heavy Metal: Cliff Burton

2007-05-24T12:39:00.000-04:00

“Vivir es Morir” o como dice su nombre real “To Live Is To Die”, aquella canción que se convierte en la última pieza donde se puede escuchar el aporte del que sin duda será por siempre el mejor bajista de todos los tiempos, Cliff Burton.

Hablar de una banda como Metallica es mencionar obligatoriamente sobre el papel que jugo Clifford Lee Burton en la creación del estilo propio de la banda, ya que el bajo golpeado y distorsionado le dio una personalidad única a varias de las piezas grabadas por los maestros del Trash Metal.

Burton nació un 10 de febrero de 1962 en el Eden Hospital de San Francisco, ciudad esta donde creció y comenzó a tomar clases de piano desde los 6 años, para después incursionar en el instrumento del bajo.

Su carrera como bajista comienza en 1980, justo después de terminar sus estudios en la escuela formo parte de la banda Trauma, una de las agrupaciones de mayor influencia de San Francisco en aquel entonces. Sin embargo se conoce que Burton ya había tocado anteriormente en grupos como Agents of Misfortune, A.D. 2 Millón y EZ Street.

Para 1982 la historia de Cliff Burton comienza a tener un giro importante, James Hetfield y Lars Ulrich, creadores de la banda Metallica, tuvieron la oportunidad de verlo tocar con la banda Trauma en el Whiskey A Go Go, es así como deciden convencer a Burton para que entre a Metallica, quien a la postre sustituiría a Ron McGovney, primer bajista del grupo.

El ingreso de Cliff Burton a Metallica se logra en el momento en que el resto de la banda se mudó de Los Ángeles a San Francisco, donde se convirtió en el epicentro de las actividades de la agrupación metalera.

Comienzan aparecer las primeras piezas bajo la marca personal del Cliff, en el primer disco de Metallica “Kill ‘Em All” esta un tema que lleva por nombre (Anesthesia) – Pulling Teeth, son cuatro minutos catorce segundos de un bajo poderoso, distorsionado, que a los dos minutos y medio entra la batería de Ulrich hacerle compañía. Uno puede escuchar como ese bajo es capaz de sacar las más sorprendentes melodías.

En el libro “Guía Musical de Metallica”, escrito por Malcolm Dome & Mick Wall, se refieren a la participación de Burton en la banda: “Cuando Metallica encabezó el concierto en el Lyceum Ballroom, en Lodres, Malcom Dome tuvo la oportunidad de escuchar en unos audífonos lo que Burton tocaba en el escenario. Era irreal y no parecía encajar en el patrón de la canción que estaba tocando los otros. Tocaba en un universo paralelo, pero era uno que hacía que la banda sonará más amenazante y más accesible”.

En el segundo disco “Ride The Lightning” Burton participa en la composición de seis de los ocho temás (menos en Trapped Ander Ice y Escape). Es en "For Whom to The Bell Tolls" donde se siente el bajo con una influencia impresionante, y por supuesto en la instrumental “The Call Of Ktulu”, considerada por muchos la joya instrumental de Metallica.

En el album “Master Of Puppets” Cliff Burton le dio su toque personal al tema homónimo del disco, así como a “Damage Inc.”, así como otra pieza instrumental llamada “Orion”, donde se puede escuchar un bajo diferente, sin exageraciones, uno que no suena como tal, un tema que para Burton –“Era el momento de maravilla que casi brilla, una zona espectral donde los pensamientos tomar forma y a las emociones se le permite encogerse y expandirse para exhalar el oído”.

Lamentablemente esta sería la ultima participación de Cliff Burton en las grabaciones de Metallica, ya que en la gira que realizaba la banda en 1986 por los países Escandinavos, un terrible accidente acabo con la vida de uno de los más grandes bajitas del heavy metal. El 27 de septiembre al terminar su concierto en Sonahallen, Estocolmo; salieron en su camión con destino a Copenhague, ciudad natal del baterista Lars Ulrich, para realizar su próximo toque; pero en la localidad de Ljungby, Suecia, el camión se salio de la carretera al resbalarse en el asfalto congelado, volcándose y dando varias vueltas hasta detenerse al final de una cuneta. Cliff quien dormía en una de las ocho camas, salio por una de las ventanas laterales mientras el camión daba vueltas hasta caer sobre el cuerpo de Burton.

Fue así como el gran bajista de Metallica, y uno de los mejores en la historia del rock desapareció físicamente a los 24 años, dejando una gran carrera por culminar. Para la banda fue un golpe duro, tanto que pensaron en dejar la banda hasta ahí.

Aun hoy la influencia de Cliff Burton en Metallica es muy importante, y sin duda que su fuerza en el bajo ha sido difícil de encontrar en los largos años que ya han pasado desde su muerte, pero aun hoy se pueden escuchar en cada uno de los tres primeros discos de la banda el poder de un hombre que hacia magia sobre las cuatro cuerdas de un bajo normar que se transforma en excepcional.

Aquel Primer Disco de Desorden Púbico

2007-05-20T00:45:00.000-04:00

Siempre se habla del buen momento que vivieron los músicos, cantantes y/o grupos venezolanos en la década de los ’80, y eso en realidad no tiene discusión, solo son unas líneas para introducir un disco que apareció en el año de 1988, el cual a mi parecer fue atrevido, revelador, con letras que parecían profetizar lo que estaba por ocurrir en la historia política venezolano, hablamos del primer album que lleva el mismo nombre de su banda “Desorden Público”.

La verdad es que descubrí este grupo y su disco gracias a unos vecinos que colocaban el LP a sonar a todo volumen, y al escuchar varias de sus letras encontré cosas como “Ponte Tu Condón”, “Políticos Paralíticos”, o que después de la guerra solo se salvaran las “Cuca – Cuca – Cucarachas”. No tardo mucho que en la radio sonara su tema con menos carga de protesta “Zapatos Resbalosos”. Éxitos 107.3 FM (hoy la Mega) se encargo de dar a conocer a través de este tema jocoso a los chicos de Desorden Público.

Pero no paso mucho tiempo para que un primo le regalarán el LP Desorden Publico, una carátula blanca y negra, donde aparece la foto de los entonces seis miembros de la banda, fue así como comenzamos a escuchar el tema “Mal Aliento”, del cual posteriormente salio un video clip, siempre con un fondo blanco, donde se presentaba de manera divertida la historia de una mujer con un terrible problema bucal. Inmediatamente decidimos grabar los diez temas en un cassette para llevarlo con nosotros a cualquier lugar y poder escuchar con gusto “Lo Agarraron”, o un "Skápate" para que no se te olvide nunca ponerte tu condón, y la buena versión del tema de la Familia Monster “Lili Es…”, sin duda un disco con temas para reír, pero con una gran carga de crítica por lo que se vivía en el país y en el mundo durante esos años finales de los ochenta.

Mucho tiempo después, en el 2006, conseguí el CD de esta grabación realizada en 1988, y de inmediato la compre, solo que me lleve unas sorpresas positivas y otras no tanto; la gran mayoría de los temas fueron reeditados, lo que hizo perder parte del valor de su primer disco, hubiese sido muy bueno haber sacado una versión doble donde tuvieran ambos contenidos, por ejemplo, me gustaba mucho la versión primera de “Lili Es…” al igual que la explosión al final del tema “Cucarachas con Suerte”. Pero hay que reconocer que reeditar esta joya musical y que lo sacarán a la venta nuevamente ya es para aplaudirlos fuertemente.

Desorden Público es una banda de Ska venezolana con más de veinte años de carrera, gracias a la iniciativa de Horacio Blanco (guitarrista y voz) y José Luís “Caplís” Chapín (bajo), fueron ellos quienes le dieron vida a esta historia que lograron fusionar exitosamente el reggae, el pop, el underground, e incluso la música latina con el ska británico; y que mostraron desde su primer disco su ingenio para producir buena música con etiqueta nacional.

Mientras hoy aun podemos seguir disfrutando del primer album de Desorden Público, ellos este jueves 24 de mayo a partir de las 7:00 p.m. estarán realizando un concierto en el Centro de Arte la Estancia, en Altamira, en la ciudad de Caracas; para presentar oficialmente su nuevo disco “Estrellas del Caos”, la entrada es completamente gratis. Desde ya que se les multiplique los éxitos con esta nueva producción.

Fotografías: www.desordenpublico.net

El Fin de Una Década el Comienzo de Otra: Roxette

2007-05-18T18:36:00.000-04:00

Vivíamos los últimos años de la década de los ’80, el mundo presenciaba los cambios políticos, sociales y económicos más impactantes desde la culminación de la Segunda Guerra Mundial, y la música también fue impactada por la transformación necesaria para poder ingresar con buen pie en los ’90.

Un día escuchando la radio me encuentro con un tema que inicia con una guitarra atrevida, y la combinación de dos voces, una masculina y otra femenina, era una pieza avanzada, con un ritmo que dejaba atrás al pop que etiquetó a los ochenta, una canción que indicaba el camino de lo que estaba por ocurrir; su nombre The Look y los interpretes era una banda sueca que se llama Roxette.

Sin embargo aun no podía decir que esta agrupación trascendería más allá de esa canción, hasta que escuche “Dangerous”, particularmente pienso que es la mejor canción del disco “Look Sharp!”, que salio al mercado en 1988. Esta pieza algo más suave que The Look, pero sin perder la fuerza de la guitarra de Per Geesle, y con un papel mucho más protagónico por parte de la voz cautivadora voz de Marie Fredriksson. Se trata de alguien que parece ser atraído por una mujer peligrosa, y ante eso tiene una lucha interna entre dejarla entrar en su vida o dejarla por fuera.

A pesar que nosotros aquí solo los conocimos en 1988, Geesle y Fredriksson se unieron en 1986, considerados para ese momento el mejor compositor y la mejor voz de Suecia, respectivamente. Su primer single fue Neverending Love, perteneciente a un disco que lleva por nombre Pearls Of Passion, tema con un color del estilo propio europeo de los ochenta.

Dos años después es que sacan el exitoso Look Sharp!, el cual llega a los Estados Unidos por una casualidad de la vida, un joven norteamericano que estaba estudiando en Suecia, antes de regresar a su país le regalaron este disco, el cual se lo dio a una emisora de radio local, es ahí donde el éxito de Roxette se inicia en tierras americanas.

Pero el tema que los colocó por lo más alto de las carteleras es “It Must Have Been Love”, una pieza melódica, una de esas canciones que son capaces de enamorar o entristecer al corazón más duro. Formo parte de la banda sonora de la exitosa película Pretty Woman, y colocaba en un agradable problema al dúo sueco, el de poder mantenerse en lo más alto de los mercados americanos y europeos después de conseguir la cima.

En 1991 sacan al mercado su album más vendido “Joyride”, donde se destacan las canciones Spending My Time, Fading Like a Flower, y su primer single que lleva el mismo nombre del disco. A penas había pasado un año cuando sacan su cuarto larga duración “Tourism”, grabado durante su grandiosa gira que los llevo por cuatro continentes, con más de 100 conciertos.

De aquí en adelante es la historia de una agrupación que intento llegar tan alto como lo consiguieron durante cinco años, pero el camino ya no fue tan fácil. Sin embargo temas como “Sleeping In My Car”, “Almost Unreal” del sountrack de The Super Mario Bros, “You Don´t Understand Me”, hicieron sentir a Roxette en las estaciones de radio.

Sus últimos discos, sin incluir recopilatorios, “Have A Nice Day” y “Room Service”, son la muestra de un cambio muy pronunciado en el estilo de la banda, pero siguen buscando en sus baladas sus mayores éxitos, “Wish I Could Fly” es una muestra de ello.

Hoy este grupo con más de veinte años de carrera artística cuenta con una trayectoria muy respetada en la historia de la música, y sin duda se convirtieron después de ABBA en la banda más exitosa de este país escandinavo, donde vale la pena destacar el premio BMI que recibió Per Geesle por componer dos de los temas más radiados en los últimos años en los Estados Unidos, “Listen to Your Heart” y “It Must Have Been Love”.

A continuación escucharán una rareza grabada por Roxette en Abbey Road Studios en 1995, una versión del tema Help de The Beatles, en ella podrán sentir la genialidad y calidad musical de estos músicos suecos.

¿Cuál es tu Album Favorito de U2? Tu Tienes la Última Palabra

2007-05-15T11:40:00.001-04:00

Esta semana hemos decido que el grupo a colocar para seleccionar su mejor disco de todos los tiempos es U2, la banda irlandesa que rompió varios esquemas para ubicarse como uno de los más extraordinarios cuartetos que hacen música rock en el planeta, considerando que es uno de los grupos que al tocar sus conciertos son los más buscados por todos los amantes de la buena música y de los espectáculos.

Los discos seleccionados son cinco, cuatro que están dentro de los albums recomendados en el libro 1001 Discos Que hay que Escuchar Antes de Morir de Robert Dimery, y el último agregado a modo propio por considerar que el mismo tiene una propuesta muy interesante como lo es “How To Dismantle An Atomic Bomb”. Conozcamos un poco sobre estas cinco joyas musicales y digan ustedes en nuestra encuesta de Música Viajera cual de estos considera la mejor obra de U2.

WAR (1983)
Es el tercer album de la banda irlandesa, donde los temas principales de cada canción pasan por la política y la situación de los seres humanos. El himno de este disco es “Sunday Bloody Sunday”, tema dedicado al domingo sangriento en Irlanda ocurrido el 30 de enero de 1972, donde murieron 14 personas. “New Year’s Day” es otro de sus grandes temas el canto donde expresa que un solo mundo es posible, donde dejan claro sus sentimientos en contra de la Guerra Fría. Este disco fue número 1 en el Reino Unido y mostró la fuerza de la voz de Bono y la Guitarra de Edge.

THE JOSHUA TREE (1987)
El disco que los lanza a lo más alto de la fama, catapultándolos a la cima del mercado norteamericano, gracias a ese sonido country que contagia a todo aquel que escucha este apasionado album. “Where The Streets Have No Name”, la pieza más valiosa de toda la grabación, con un sonido nostálgico y lleno de reflexión, da comienzo a 11 canciones cargadas de mucha emoción, como “With Or Without You” y “Exit”. Para muchos hay un antes y un después de The Joshua Tree. Pueden conocer más de este disco visitando http://musicaviajera.blogspot.com/2007/04/joshua-tree-letras-escritas-para-estos.html.

ACHTUNG BABY (1991)
Un album producido en Berlín bajo un cielo gris que hizo que cada una de las piezas tomara una forma desgarradora; es para muchos el disco más atrevido de U2, donde incluyen un carácter electrónico innovador en varias de las canciones. Achtung Baby es toda una inspiración basada en producciones cinematográficas que dejaron huella sobre cada uno de los integrantes del cuarteto irlandés. “Mysterious Ways” es la muestra más despiadada de lo que buscaban con este album, mientras que “One” fue su mayor éxito, donde desnuda los sentimientos de Bono hacia su padre.

ALL THAT YOU CAN’T LEAVE BEHIND (2000)
El décimo album de la banda, un reencuentro con lo que U2 hizo en la década de los ochenta, alejándose nuevamente de lo electrónico para tocar la música más pura, instrumentos sencillos acompañados de letras reales, con un mensaje profundo a un mundo golpeado por la violencia. “Beautiful Day” un tema para ser escuchado muy temprano en la mañana para ver al mundo con optimismo y con muchas ganas de vivir bien. “Walk On” un acercamiento a la fe, a Dios, que se convirtió en todo un himno después de los sucesos ocurridos el 11 de septiembre de 2001. Un disco que arrazo con los premios Grammy, pero la mayor alegría para Bono y el resto de los integrantes es comenzar con buen pie su tercera década de carrera.

HOW TO DISMANTLE AN ATOMIC BOMB (2004)
El título del disco lo expresa todo, una joya cargada de reclamo a las grandes potencias del mundo, un cese al fuego y el desmantelamiento de las bombas atómicas de una vez. “Vertigo” fue el primer single lanzado por la banda, para muchos era encontrarse nuevamente con “Elevation” de su album anterior. Pero temas como “Sometimos You Can´t Make It On Your Own” y “City of Blinding Lights” hicieron que se reconociera el verdadero aporte de este trabajo musical, aunque quizás la más reveladora es “Original Of The Species”.

Tu puedes votar por tu disco favorito de U2 aquí http://www.interrogantes.com/pregunta.asp?cod=136641&ver=0&back=1

Aquí tienes los resultados.

¿Cuál es el Mejor Disco de The Beatles de Todos los Tiempos?

2007-05-11T14:04:00.001-04:00

Para los amantes de la música siempre entra los debates acerca de cual es el mejor disco de un género determinado, o de una década, incluso, de una agrupación; es por eso que hoy hemos decidido dejar en manos de ustedes la posibilidad de seleccionar aquí en Música Viajera cual es tu album favorito.

Después de analizar exhaustivamente, hemos decidido comenzar con los disco de The Beatles, es así como a continuación les presentamos los albums que el libro 1001 Discos Que hay que Escuchar Antes de Morir de Robert Dimery considera como los mejores de la agrupación de Liverpool, ustedes dirán cual es su preferido.

WHIT THE BEATLES (1963)
Un disco que se grabo en seis días y que rompió todos los records de ventas en el Reino Unido. Una mezcla de temas originales, versiones y en vivo, donde para mucho el tema que sobre sale es All I’ve Got to Do.

A HARD DAY’S NIGHT (1964)
Segundo disco consecutivo como número 1 en ventas, y como innovación todos los temas estaban escritos por Lennon y McCartney. El tema que le da el nombre al album fue su más grande éxito para eso momento, incluso llevado a la pantalla del cine convertida en película.

RUBBER SOUL (1965)
Una obra maestra que pareciera que en el repertorio de The Beatles puede pasar desapercibida. Tiene una fuerza muy particular, escuchada en temas como Norwegian Word y Wait.

REVOLVER (1966)
Album que muestra una evolución musical en la banda, los riffs de guitarra hacen de las suyas en muchos de sus temas, la influencia de la cultura de la India reflejada en temas escritos por George Harrison, hasta letras escritas para niños y disfrutadas por los más grandes. Para muchos el mejor tema es Eleanor Rugby, para otros es Doctor Robert, la mayoría dicen que todas son grandiosas.

SGT. PEPPER’S LONELY HEARTS CLUB BAND (1967)
Un disco conceptual, temático, el primero y el más grande de toda la historia. Desde su multicolorida y fascinante carátula, hasta el hecho de que se escuchen temas que se van desarrollando bajo el concepto de una orquesta que va dando vida a todo un maravilloso espectáculo.

THE BEATLES WHITE ALBUM (1968)
Este trabajo que contiene dos discos, donde se ve la genialidad individual de cada uno de los beatles, en vez de ese trabajo en conjunto, armonioso de la agrupación más exitosa de todos los tiempos. Comenzando con el freno de un avión en Back In The USSR, pasando por Revolution 1, o por la joya más acabada de esta grabación, While my Guitar Gentil Weeps, donde Harrison acompañado por Eric Clapton dan clases magistrales de guitarra.

ABBEY ROAD (1969)
Para muchos lo último de The Beatles, para otros una joya revolucionaria, con muchos elementos publicitarios que pasaban por la supuesta muerte de Paul McCartney, pero la verdad es que era el cierre de la gran historia de esta banda británica, donde plasmaron rabia y queja en varias de sus piezas.

Ya ustedes seleccionaron su favorito aquí los resultados. Mil Gracias.

Escoge tu Música de Espacio Viajero Para Este Domingo 13 de Mayo

2007-05-09T14:11:00.000-04:00

Desde que Espacio Viajero llego a las páginas virtuales de un blog, una de la secciones que ha gustado mucho y donde todos participan cómodamente es en la selección del tema musical que desean escuchar todos los domingos en el programa radial Espacio Viajero que sale todos los domingos de 12:00 m. a 2:00 p.m., por la señal de Jazz 95.5 FM para la Gran Caracas, y para el resto del mundo por http://www.circuitoradialtriplef.com/.

Hasta ahora hemos podido escuchar temas que han ganado fácilmente con el voto de ustedes como Beautiful Day, interpretado por Bossa N’ U2; You Still Touch Me en la voz de Sting, pieza que saco el mayor puntaje en las primeras cuatro semanas; el empate entre Santana con “Dame tu Amor” y la agrupación venezolana Gaélica con “Muñeira Da Alegría”, y la semana pasada logró el primer lugar John Lennon y su versión del tema de Ben E King “Stan By Me”.

Para este domingo 13 de mayo, día de las madres en Venezuela, hemos seleccionado cinco temas de grupos o músicos venezolanos, para que todos podamos dedicarle la mejor de las canciones a cada una de nuestras queridas mamás. Las cinco opciones que están compitiendo son:

Flor de Mayo, interpretado por el virtuoso del clarinete Alberto José Requena, una tonada de Otilio Galíndez que tiene un toque realmente armonioso.

Ten Cuidado, con la agrupación venezolana Santos Viejos, quienes fusionan el son cubano con el ritmo del rock pop.

Bella y Fugaz, esa magnifica pieza del maestro Guillermo Carrasco, no requiere mayor presentación.

Quirpa con Chipola, el Cuarteto interpreta esta pieza del folklore venezolano de esa forma tan propia de los magos de los instrumentos de cuerda.

Frente al Sol, tema de Circo Urbano, grupo larense al cual se le debería prestar mayor atención, y una forma de entender esto es escuchar esta pieza donde se fusiona la nueva onda con un toque de reggea y pop.

Desde ahora tú puedes escoger cualquiera de estos temas y disfrutar de ella este domingo, solo visita http://espacio-viajero.blogspot.com/ y selecciona tu favorita.

Metallica: Hace Ocho Años que Hicieron Thrashear a Caracas

2007-05-04T00:11:00.001-04:00

Eran muchos los jóvenes como yo que los esperábamos en el año de 1992, otros en 1997, pero solo fue varios años después que la banda más emblemática del Thrash Metal llegaría al valle de Caracas para mostrar toda su energía, dejando marcada una huella inigualable, difícil de olvidar, estamos hablando de la monstruosa banda que el mundo entero conoce como Metallica.

Metallica toco la noche del 04 de mayo de 1999, era un día martes en el cual el Poliedro de la ciudad capital sintió la fuerza de la guitarra de Hammett, el bajo de Newsted, la bateria de Ulrich, y la inigualable voz y guitarra de Hetfield.

Las colas para entrar al Poliedro eran eternas, infinitas, por un lado estaban los que ya tenían sus entradas, y por el otro, aquellos que tenían la esperanza de comprar alguna ese día. Se ofreció de todo, se llego a saber que un individuo estaba dispuesto a cambiar su auto por un ticket que le permitiera ingresar al concierto; pero quien se considera fanático, seguidor de Metallica no cambiaria una entrada por nada del mundo, ese día se sabía que sería único e irrepetible.

Las puertas del Poliedro se abrieron a las 5:00 p.m. aproximadamente; para estar adentro y ahí esperar el momento de la verdad. Se estiman que fueron unas 12 mil personas las que tuvieron el privilegio de ver a la banda californiana esa noche, incluso llegando a rozar el techo del coso de La Rinconada (como también se le conoce al Poliedro de Caracas), y créanlo, no es una exageración.

Cuando todo parecía que esta todo listo para comenzar apareció Gillman y su banda en escena. Fueron los encargados de calentar los motores, logrando por media hora colocar a todos la adrenalina a millón, ya que faltaba poco para el gran momento.

A las 9:00 p.m. se empezó a escuchar las melodías de “The Ecstasy Of Gold” del gran maestro Ennio Morricone, tema que indica el inicio del concierto de Metallica, fue esto lo que llevo a que todos los que estábamos en el Poliedro a buscar en el escenario las cuatro figuras de la pesada banda de Thrash Metal.

Solo fue con “Breadfan” que se vieron a los “Cuatro Jinetes” montados en escena, fue este cover que aparece en el “Garage Inc” con el que Metallica arranco aquella noche histórica, para después tocar la emblemática “Master of Puppets”, que llevó a más de uno a enloquecer cuando se dieron cuenta que la misma la tocaron completa.

En la medida en que pasaban los minutos la emoción se encendía aun más, temas como “Fuel” y “Fight Fire With Fire” hicieron mover las cabezas a más no poder; mientras que “Nothing Else Matters” fue la que coloco la nota de las luces de yesqueros y linternas a iluminar todo el Poliedro. Al final fueron dieciocho canciones que jamás se olvidaran, dieciocho momentos que están presentes en la memoria de todos aquellos que gritamos y agitamos los cueros cabelludos con la música del mejor grupo de trash metal de todos los tiempos, durante aquella noche magistral del 4 de mayo de 1999, donde se vio una entrega total de los cuatro miembros de la banda, en especial de James Hetfield y Jason Newsted (entonces bajista de Metallica).

Para finalizar estas líneas, aquí se mencionan las cinco canciones o momentos que se vivieron esa noche del gran concierto metallero:

1. Master Of Puppets (el que la tocaran completa llevo a más de uno volar alto).
2. Fuel (los efectos de luces y la bien que sonó le dio un toque realmente metallero).
3. The Four Horseman (todo himno debe sonar en un concierto, y aquí se presento).
4. Nothig Else Matters (más de uno esperaba este momento).
5. Die Die My Darling (su ultima salida a escena, y de que manera lo hicieron).

Santos Viejos: Un POP AUT de Primera Necesidad

2007-05-03T14:16:00.000-04:00

Sorpresas te da la vida, y una de ellas ocurrió hace unas semanas atrás cuando a este blog de Música Viajera llego el que fuera la voz líder del grupo de Rock Pop venezolano Témpano, estamos hablando del gran Alexis Peña, uno de los baluartes musicales de las últimas dos décadas del siglo XX en Venezuela.

Para nosotros fue todo un honor el que visitara nuestro espacio y que leyera aquel humilde artículo sobre Témpano y su gran album homónimo de 1987, pero lo mejor que nos pudo pasar con su visita fue llegar a su nuevo trabajo musical con una banda llamada “Santos Viejos”, el cual lanzó su primer CD en marzo de este año y lleva por título “Pop Aut”.

Después de tener la oportunidad de conseguirlo en la tienda “Esperanto” nos llevamos la primera gran sorpresa, y es que la carátula del CD es un diseño extraordinario que asemeja al de una agenda, en la primeras páginas presenta una breve historia sobre el rock de Latinoamérica, en especial el venezolano, escrita por Gregorio Montiel Cupillo, un alto conocedor del tema. Más adelante esta el origen de esta interesante agrupación y su fresca propuesta musical, acompañado de las letras de sus doce temas. Es necesario mencionar que toda esa maravillosa información esta en ingles, lo que hace de este producto ideal para llevar a mercados como el Caribe, Estados Unidos y Europa.

El siguiente paso fue escuchar cada canción de “Pop Aut”, la cual confieso me sorprendió gratamente al encontrarme con un tema que inicia como un son cubano, donde solo a los treinta y cinco segundos aparece un pequeño toque de guitarras y batería que indica que hay algo más por oír. Es así como “Vampira y Culebra” de Raúl Peña es el abreboca de un disco que como dice Montiel Cupillo es la mezcla del rock pop, con Santana, el Buena Vista Social Club y el son cubano más añejo.

“Sala de Espera” es el segundo track, y el mismo ya tiene un color rockero, pero en el fondo se siente suavemente tonadas de jazz, lo que le da un toque especial, como si a un cóctel se le colocara unas gotas de Amargo de Angostura.

“Marimá”, “Melao” y “Ten Cuidado” son temas escritos por “David Baltodano”, responsable del bajo, viola, guitarra acústica y voces de “Santos Viejos”; cada uno de ellos con una marcada influencia del son cubano, incluso “Melao” tiene ese swing que ya alguna vez se le escucho a bandas como “Aterciopelados” de Colombia.

“Canciones Desechables” es una crítica con un toque de catara (picante del Amazonas venezolano) sobre lo que pasa muchas veces con canciones o cantantes en estas tierras que llegan a pegarla por momentos sin pena ni gloria, y peor aun, sin dejar un aporte verdadero.

Alexis Peña también se hace presente con temas como “Desnudo de Mujer”, “Sal, Tequila y Limón”, y “Por Amor al Arte”, canciones donde las guitarras juegan un papel importante, pero en las dos primeras esta la fusión latina ya sea con olor a Bolero ó Jazz de estas latitudes, mientras que en la tercera el rock late, donde uno podría decir que los “Doors” se mezclan con los “The Who” para llegar a un sonido misterioso pero pegajoso.

La verdad es que todo lo que les pueda decir sobre este disco no será suficiente, por eso es que les recomiendo que tengan en sus casas “Pop Aut” donde sentirán la fuerza de Alexis Peña, David Baltodano, Raúl Peña y Rubén Márquez, los responsables de esta gran banda llamada Santos Viejos, que sin duda serán un artículo de "Primera Necesidad".

Lep Zeppelin, el Primer Encuentro

2007-05-01T10:28:00.000-04:00

Eran aquellos días en los cuales mis siete años de edad buscaban investigar un poco más sobre lo que había en la casa, aquella curiosidad muy propia de los niños que ya sienten que los juguetes no son la única distracción, fue así como fui a parar en aquel lugar, donde los discos de mi padre reposaban en el santo lar. Al estar ahí, abrí aquel estuche azul que contiene una serie de discos más pequeños que los conocidos para entonces, fue en ese momento que uno de ellos hizo que me detuviera ahí, uno de sus lados decía Rock and Roll.

Tenía el pequeño disco entre mis manos aun más pequeñas, y algo había descubierto un día al ver mi padre usar el tocadisco, que estos acetatos más chicos solo sonaban si se colocaba la palanca en el número 45. A partir de ese momento llego a mis oídos mi encuentro con el rock en su máxima expresión, porque estaba escuchando nada más y nada menos que un sencillo en un disco de cuarenta y cinco revoluciones de Led Zeppelín.

Ahora, después de pasar tantos años, aun veo aquel disco guardado en el estuche, del sello discográfico Atlantic, con una combinación de colores rojo y blanco, donde en su lado “A” se encuentra su primer sencillo “Black Dog”, escrito por Jones, Page y Plant; casi cinco minutos de las más aguerridas guitarras, aquellas que suenan con la fuerza del alma, que te transportan a aquellos escenarios donde la música rock hizo de las suyas en la década de los setenta, con cantos de rebeldía, con silencios de protesta. En el lado “B” esta el tema “Rock and Roll”, donde Jimy Page, Robert Plant, John Paul Jones y John Bonham dejaron plasmado en tres minutos cuarenta segundos una nueva forma de hacer sonar el ritmo que rompió esquemas en los cincuenta y sesenta.

Ambas canciones pertenecen, al que en mi humilde opinión, es el mejor album de este grupo ingles “Led Zeppelín IV”, el cual define de una vez por todas el Hard Rock y el Heavy Metal, a pesar de que muchos digan que esta lejos de este último movimiento musical. En este disco se encuentra el tema más conocido de ellos “Stairway yo Heaven”, la canción más utilizada por aprendices de guitarra, y la cual guarda en si misma el himno de los amantes del rock y de los Zeppelín. Es un viaje espiritual, un encuentro con la vida sin imaginar que tan lejos se puede estar de ella.

Es así como Led Zeppelín se convierte en la banda que abre las puertas para entrar al fascinante mundo del rock, con aquel disco de 45 revoluciones que vale oro, que para el año de 1972 cuando salio en Venezuela solo costaba seis bolívares (Bs. 6); algo muy alejado a los precios de los CD de hoy en día.

KISS: Duros en el Escenario, Suaves en sus Melodías

2007-04-30T16:12:00.000-04:00

Hace unos meses atrás tuve la oportunidad de ver un especial realizado por el canal VH1 llamado “VH1 Rock Honors”, donde los grandes homenajeados de esa noche fue la banda de Hard Rock de New York, los legendarios KISS. A partir de ese momento vinieron a mi mente la pasión que tenía un gran amigo del bachillerato por este grupo caracterizado por sus maquillajes, y la música que llegue a escuchar de ellos me mostraba a una banda dura en escena pero con un toque suave en cada uno de sus temas.

Esta afirmación que hago se basa en lo visto en videos de conciertos y después de escuchar varios de sus discos. Recientemente adquirí un CD Doble recopilatorio de la banda de la colección Gold, y uno puede constatar en los cuarenta temas como existen tantas letras dedicados al amor y al sexo, de las cuales muchas se transforman en melodiosos ritmos con sentido de balada como Beth, Hard Luck Woman, Don´t You Let Me Down ó A Wordl Without Heroes por solo nombrar algunas; esto sin dejar de mencionar canciones que no se encuentran el disco mencionado anteriormente como Forever y God Gave Rock & Roll To You II

Pero a Kiss siempre abra que reconocerle toda la grandeza de una banda que convirtió al rock en un espectáculo visual. Los cuatro integrantes originarios de la banda, Paul Stanley, Gene Simmons, Ace Frehley y Meter Cris crearon unos personajes que fueron llevados a sus rostros a través de unos maquillajes que estaban acompañados de unos trajes exuberantes y de de unas guitarras y bajos llamativos que además hacían juego con los increíbles escenarios armados para cada gira. Paul, guitarrista y voz del grupo, creo al Chico Estrella “The Starchild” representado por una estrella sobre su ojo derecho el cual se comenta que era inspirado en el Bebe de la película “2001: Una Odisea del Espacio". El Sr. Simmons, bajista y voz, creo al personaje del demonio “The Demon”, representado por las alas de vampiro sobre sus ojos y acompañado por esa lengua macabra que sacaba en todos sus espectáculos. Ace, guitarrista líder, creo al hombre del espacio “The Space – Ace”, representado por las dos grandes estrellas plateadas haciendo ver en su rostro a un ser de otro planeta. Peter, el dueño de la batería, creo el gato “The Cat”, para demostrar su agilidad felina sobre el gran instrumento de los redoblantes y los platos.

Sin duda que estos cuatro personajes aplicaron teatro en sus conciertos, al propio estilo “Kaburi” japonés, esa forma milenaria de representar a unos personajes sobre las tablas, usando el canto y el baile, además de las caras blancas tapando el verdadero rostro del actor.

Los conciertos de Kiss eran buscados por los amantes del rock, y por aquellos curiosos que solo deseaban ver algo diferente, ya que no todo quedaba en unos maquillajes, sino juego de luces, fuego, una supuesta sangre, humo, pirotecnia, escenario movedizo, que atrapo a propios y extraños, que salieron a buscar lo mejor de esta banda plasmado en sus discos.

Fue Alive!, su primer disco en vivo que los llevo al éxito, sin tres albums en estudio no llegaron a satisfacer por completo al publico, como si lo consigo este fabuloso compendio que mostraba la fuerza de Kiss montado sobre los escenarios, por algo llego a ganar cuatro discos de platino.

Pero fue “Destroyer”, su cuarto album en estudio, que los consagro como una gran banda del Heavy Metal. Tal como lo indica Bruno MacDonald en el libro “1001 y Un Discos que Hay que Escuchar Antes de Morir”, es el mejor disco de toda su carrera, hasta el punto que la banda intento hacer algo parecido muchas veces, cosa que pareció imposible. De este trabajo se extrae el tema Detroit Rock City, considerado por muchos la mejor canción de Kiss y una de las más grandes del mundo del Metal, en la cual narra la historia de un fan de la agrupación que muere en un accidente automovilístico para ver a la banda en un concierto en la ciudad de Detroit, un homenaje extraño, pero muy respetado.

Kiss, después del concierto realizado en Sao Paolo, Brasil, el 25 de junio de 1983, decide no tocar más con su vestimenta y maquillaje que los llevo a identificarlos en el mundo entero. Algunos piensan que la banda lo hizo para demostrar que eran realmente música, y no unos disfraces; otros piensan que hubo cierta presión, entre ellas la de la iglesia, para dejar de influenciar a los jóvenes con mensajes satánicos, la verdad parece que la primera versión es la más acertada, la segunda una bola que rodó para ganar publicidad.

La banda durante todo su historial tuvo varias transformaciones, siendo Paul y Gene los únicos integrantes que hasta la fecha no dejaron de tocar en Kiss.

En 1996 la banda se reúne de nuevo, regresando a los trajes y el maquillaje, pero ya el fenómeno no era el mismo, su album de 1998 Psycho Circus paso sin pena ni gloria en el historial de los discos de Rock, pero sus conciertos siguen siendo buscados al igual que muñecos que representan a la banda.

Kiss, una banda que aun hoy demuestra su poder sobre los escenarios, y que con sus temas Glam Rock, melodiosas por demás, muestran en lado suave del Heavy Metal vestido de trajes rudos que cualquier amante del rock deseo vestir para ser la legenda de la noche.

1992: El Despertar del Rock

2007-04-26T10:03:00.000-04:00

En el año de 1992 el mundo se movía a un ritmo rápido, fueron demasiado “violentos” (no por las acciones de los pueblos, sino por lo veloz de las transformaciones) los cambios que se venían dando en la Europa del Este, que llevaron al fin de la República Socialista Soviética, lo que bajaba la bandera de la temible “Guerra Fría”; la misma que siempre al ser mencionada daba la idea de una inevitable guerra nuclear.

Fue en ese año de 1992 que el rock vuelve a tomar fuerza para dejar de lado a la música pop que se apodero de toda la década de los ochenta. Fue el momento en que los Guns N’ Roses estaban en pleno furor con sus Use Your Illusion I & II; cuando Metallica dejaba una huella con su famoso disco “Black Album”; además de aparecer la emblemática banda de Seattle, Nirvana, con su himno “Smells like teen spirit”, que junto a la otra agrupación de esta ciudad norteamericana, Pearl Jam, le dieron vida al movimiento grunge justo al inicio de esta década.

Pero aquí no terminaba todo, porque la legendaria banda británica Iron Maiden hacia estremecer el mundo con su Fear Of The Dark; así como se empieza escuchar algo más melodioso como el “Under The Bridge” de los Red Hot Chili Peppers; pero todo giraba en torno a uno de los acontecimientos más importantes que se vivieron ese año “El Concierto Tributo a Freddie Mercury” realizado un 20 de abril en el estadio Wembley en Inglaterra. Grandes bandas se hicieron presentes ese día para decirle al mundo que la voz, música y letra del Mercury siempre estará vivo. “Bohemian Rhapsody” volvió a sonar en las radios, llevando al rock al lugar de donde nunca debió salir.

Venezuela tuvo el honor de recibir en el año 1992 a dos de los grupos mencionados: Iron Maiden que toco en septiembre en el Poliedro de Caracas; y los Guns N’ Roses que hizo sentir su poder un 26 de noviembre en el estacionamiento del coso de La Rinconada, reuniendo a casi 40 mil almas.

Pero es bueno destacar que Metallica vino a Venezuela en 1999, los Red Hot Chili Peppers en el año 2002, y la legendaria banda Queen con Freddy Mercury estuvo aquí en el año de 1981.

De algo se puede estar seguro, y es que ese año de 1992 jamás se olvidará, porque el rock se volvió a posicionar de una nueva generación, coloco en las almas de quienes la escucharon un mensaje transformador, y sobre todo, un avance en calidad musical, dejando atrás a la tan criticada etapa de los ochenta.

Orinoco Flow: Un Viaje por las Aguas del Padre Río

2007-04-24T11:08:00.000-04:00

Hay un tema musical que puede generar distintas emociones cada vez que se oye, porque es capaz de colocar a las personas en cualquiera de los escenarios en los cuales pasa las fuertes aguas de nuestro “Padre Río”, es como si uno navegara sobre las corrientes del Orinoco, mientras se ve el cielo abierto, infinito. La pieza de la cual estamos hablando es “Orinoco Flow”, compuesta e interpretada por la cantante de musica New Age, Enya.

Fue en el año de 1988 que este tema comienza a sonar en las estaciones de radio, y uno se preguntaba ¿Quién es esta venezolana que canta en ingles y de manera tan melódica este tema del Orinoco? La respuesta es que no se trata de una venezolana, ni siquiera de una americana. Enya es una irlandesa, nacida en Donegal el 17 de mayo de 1961, y cuyo nombre completo es Eithne Patricia Ní Bhraonáin.

Su carrera comenzó en el año de 1982, pero solo fue en el año de 1988 cuando esta maravillosa cantante alcanzó el reconocimiento mundial por su album “Watermark”. De el se desprende el celebre single “Orinoco Flow”, así como temas en latín y en gaélico (su lengua materna), tales como “Cursum Perficio” y “Storms in Africa”, respectivamente.

Orinoco Flow es una pieza en la cual se habla del navegar sobre las aguas del “Río Orinoco”, tal como lo expresa en su letra “llévame en las ondas a las tierras que nunca he estado, llévema en las ondas a las tierras que nunca he visto… déjame navegar sobre el flujo del Orinoco”, así Enya cuenta en su pieza musical las descripción de las aguas dulces que dejaron impactados a los conquistadores, ver el inmenso ancho del río, y la fuerza de sus espumas blancas empujando al Atlántico.

Si bien es cierto que este tema podría hablar de cualquier río del mundo, Enya tomo el Orinoco, la pasión de navegar sobre las corrientes del Padre Río, esta es una pieza que la inmortaliza a ella, pero que además da a conocer aun más una de las maravillas de las tierras venezolanas, aquellas que están en los suelos de Amazonas y Guayana.

Una Fiebre que Comenzó Hace Treinta Años: La de los Soundtracks

2007-04-23T05:50:00.000-04:00

Hace treinta años se dio una de las mezclas más grandiosas de esos tiempos, que aun hoy día es sinónimo de éxito en varias de las producciones de Hollywood, los soundtracks; música que lleva a una película a lo más alto, o el film que coloca al músico y/o agrupación en el primer lugar de las carteleras musicales, y la primera gran referencia esta en “Saturday Night Fever” (Fiebre del Sábado por la Noche).

Se cuenta que la historia de esta película nace en el título que aparecía en una revista “Ritos tribales del nuevo sábado en la noche”, de la cual surge toda una idea dirigida por John Bradham, quien tuvo la responsabilidad de llevar a Jhon Travolta y a Karen Lynn Gorney a interpretar a los personajes que le dieron vida a la trama de “Saturday Night Fever”.

La película presenta a un joven común de la ciudad de Nueva York, y que su mayor don es su buena manera de bailar en las discotecas de la ciudad. Es así como entra en una película el verdadero protagonista: “la música”.

La agrupación australiana “Bee Gees” tuvo la responsabilidad de componer e interpretar la gran mayoría de piezas que le dieron el peso a la película, sobre todo porque los hermanos Gibb colocaron sobre la mesa temas marcados por el movimiento disco (ya realizado un año antes por ellos en el tema “You Should Be Dancing”), el que pauto el ritmo la década de los ’70. La banda sonora de “Saturday Night Fever”, a parte de ser considerada la pionera, es para muchos la mejor producida hasta la fecha, alcanzando tres de sus temas el primer lugar “Stayin’ Alive”, “Night Fever” y “How Deep Is Your Love”, todos interpretados por los Bee Gees, sin dejar de mencionar las veinticuatro semanas que paso este disco en el primer lugar de ventas en los Estados Unidos.

El album de esta película llego vender en Norteamérica y el Reino Unido más de veinticinco millones de copias, una cifra extraordinaria para aquel momento, que le dieron gloria a los “Bee Gees” a “John Travolta” (que fue nominada a los premios Oscar como mejor actor), al film (con su record en taquilla), a los diseñadores de moda, pero sin duda que el mayor ganador fue Hollywood, que descubrió una nueva manera de relacionar a dos grandes negocios, los discos y el cine.

Datos de: “Albums: The Stories Behind 50 Years Of Great Recordings”

The Rasmus: Un Descubrimiento en las Sombras

2007-04-21T09:20:00.000-04:00

Era el mes de marzo del año 2004, me encontraba en aquel avión con destino a Berlín, para pasar el tiempo tome una de esas revistas que se encuentran en la parte de atrás de los asientos, comienzo a pasar páginas para ver en que momento encontraba algo que me interesaba, es cuando me detengo en una columna que habla de los discos de los momentos y tienen una mención especial sobre una banda finlandesa que se destaca por su rock gótico con algo de sinfónico, su nombre, “The Rasmus”.

Para ese momento aun se estaba lejos de escuchar algo de este grupo en Latinoamérica, por eso la curiosidad llamo a la puerta y una de las tareas en la capital alemana era descubrir más sobre este fenómeno musical de Finlandia.

Fue en la segunda mañana de mi visita a Alemania que me encontré con The Rasmus por primera vez, a través de un video que pasaban por MTV Europa, el tema “Funeral Song”, definitivamente era un tema oscuro, melancólico, y cargado de sinfonía; era exacta la descripción de aquella nota de la revista de la línea aérea. Aquel video me termino de abrir la curiosidad, aquella imagen nocturna rodando bajo aquella lluvia que mojaba al vocalista de la banda, Lauri Ylönen, y en el fondo sonando aquellos violines acompañado de la guitarra.

Al día siguiente llegue a una discotienda, quizás la más grande de Berlín, tres pisos completos de estantes llenos de CD’s. Después de haber conseguido varios discos anhelados para la colección, recordé que no debía dejar pasar el album de The Rasmus, fue así como llego a mis manos “Dead Letters”, el que venia hacer el quinto trabajo discográfico de la banda desde 1996 hasta ese año. Con esta producción la banda buscaba salir de las fronteras finlandesas y escandinavas, para posicionarse en todo el mercado europeo, e inmediatamente entrar a Estados Unidos y Latinoamérica.

Cuando escuche por primera vez el album completo me encontré con un tema duro pero bien tratado “First Day Of My Life”, toda una sensación para los oídos, donde el bajo de Eero Heinonen le da un toque muy personal. Seguidamente esta “In the Shadows”, el primer gran éxito del grupo a nivel mundial, la pieza que musicalmente se separa de los demás, por tener un toque pop en el fondo de la canción (que en cierta forma pienso que hay algo de influencia ABBA).

“In my Life” es sin duda el mejor tema de los diez que contiene el disco, por su velocidad, sus cambios de ritmos, y una batería de Aki Hakala que habla de su buen nivel en ese instrumento vital para cualquier banda. “Guilty” fue el segundo éxito que pegaron en esta región del mundo, la verdad creo que tenían otras que podían ser la segunda en la lista, más se tiene que reconocer que es una buena “rola”, como dicen los mexicanos.

“Back in the Picture”, con todo el fondo de rock con influencia funk y la sinfónica “Funeral Song” cierran un CD que llego a Venezuela cinco meses antes de que sonara en México, Argentina, Colombia y el resto de Latinoamérica; y sin temor a equivocarme estaba convencido de que tarde o temprano serian un éxito en estas tierras.

Muchos no se atrevían a hablar de la calidad musical de la banda, quizás porque se alejaba al Nu Metal norteamericano de los últimos años, o del estilo clásico de las bandas inglesas, pero este grupo formado en Helsinki en el año de 1994 cuenta con una preparación que no muchos guitarristas, bajistas o bateristas de otras bandas tienen; entre Ylönen, Rantasalmi, Hakala y Heinonen, suman una formación en conservatorios de música envidiable, lo cual fue corroborado por miles de venezolanos que los vimos tocar en noviembre de 2005 en el Estadio Olímpico de Caracas, donde al final muchos dijeron: fueron sencillamente mejores que Incubus (con quienes tocaron esa noche), pero esta historia con detalle la contaremos en otra ocasión.

Linkin Park regresa en mayo con "Minutes To Midnight"

2007-04-20T09:17:00.000-04:00

El próximo 15 de mayo más de uno visitará desde temprano las distintas tiendas de discos para adquirir la más reciente producción de la banda Norteamérica de “Nu Metal”, Linkin Park, que lleva por título “Minutes To Midnight”, de la cual ya esta sonando en varias estaciones de radio del mundo su primer sencillo “What I’ ve Done”.

Son muchos los que pensaban que Linkin Park después de su segundo album “Meteora” publicado en el año 2003, no volvería a grabar un nuevo album en estudio, primero porque esa segunda producción no había alcanzado las mismas ventas que su primer trabajo llamado “Hybrid Theory”, del 2000; segundo, porque se llego a escuchar en muchos conciertos a su voz líder Chester Bennington (mejor conocido como Chazy Chaz), algo agotado, unas cuerdas vocales muy esforzadas que no aguantarían por mucho tiempo más, para muestra se puede escuchar esto en “Live In Texas”.

Pero después de haber escuchado “What I’ ve Done”, podemos decir felizmente que Linkin Park esta de vuelta, con ese estilo que tanto lo caracteriza, quizás no conseguimos en esa pieza algo nuevo, pero habrá que esperar escuchar “Minutes To Midnight” completo, para saber si los nuevos doce temas pueden superar a “Hybrid Theory”, que los llevo a vender cerca de 20 millones de ejemplares.

"Una Canción" que nos llego a "Los De Adentro"

2007-04-19T01:08:00.000-04:00

Se dice que cada momento tiene su canción, que cada instante de nuestras vidas se relaciona con alguna pieza musical para inmortalizarla dentro de nuestras memorias; realmente esto es así, sino para muestra un botón, el de cómo un grupo desconocido hizo que su primer disco entrará en mi colección de albums.

Ahí estaba, disfrutando un viernes por la noche de la hermosa ciudad de Bogotá, el buen grupo de amigos de la tierra hermana decidieron llevarme a un local de la “Zona Rosa” de la capital neogranadina, para que pasará la noche bailando con las dos hermosas bogotanas que nos acompañaban en esa rochela de fin de semana.

En un principio era mi última noche en Bogotá, donde debía regresar a Caracas para continuar con la vida normal de profesional, por lo tanto el ambiente a despedida rondaba el entorno.

Cuando ya habían pasado varias horas entre bailes, tragos y conversaciones amenas, comienza a sonar un tema suave, una balada pop rock que todos los presentes empezaron a cantar en una sola voz. Aquella canción entraba por mis oídos, movía mi ser, dejando una nostalgia mayor para ese momento en que saliera por la puerta del local.

Escuchaba ese coro “Una canción para ti, para mi, y que nos llegue al pensamiento, para vivir y expresar todo lo que yo siento… quiero tenerte, te dedico esta canción”, todos cantaban, algunos abrazos, otros como si se estuvieran desgarrando, y yo solo pensaba: “- Esta es la canción de la despedida”.

Inmediatamente pregunte de quien era la canción, y me contaron que era un éxito de finales de los noventa de una banda colombiana llamada “Los de Adentro”, un grupo que se formo en Barranquilla, y que llego ala cima en Bogotá con esta buena interpretación, y no exagero con lo de “buena”, que hasta la agrupación de moda entre los adolescentes latinoamericanos “RBD” hizo una versión de la misma en el año 2005.

“Una Canción”, así se llama el tema que llevo a vender varios miles de ejemplares del album que lleva el mismo nombre del grupo. “Los De Adentro” llevan hasta la fecha tres discos, pero sigue siendo el primero el de mayor referencia dentro de Colombia.

Al final estuve más tiempo en Bogotá, pero antes de irme pase por una tienda de discos y compre el CD antes mencionado,que además tiene piezas interesantes como “Mi Ayer” y “Velocidad”, lo que muestra la esencia de esta agrupación originalmente conformada por José Matera (voz), Eliott Martínez (guitarra eléctrica y acústica), Johann Deccarett (teclados, piano y sintetizadores), Francisco Foschi (bajo), y Juan Camilo Dávila (batería); y que fusionan el rock con ciertos ritmos latinos, y un toque de pop.

Hoy solo tres de sus miembros (Matera, Martínez y Deccarett) de los cinco originales conforman la banda, y su ultima grabación fue “Volver Amar” del año 2004, que a pesar de colocar algunos temas a sonar en las radios de Latinoamérica, sigue siendo “Una Canción” el tema que hará recordar a esta banda del rock colombiano, y manteniendo en mi memoria aquella noche en la hermosa Bogotá.

System Of A Down: Rock con Recordatorio del Genocidio Armenio

2007-04-18T14:31:00.000-04:00

En el año de 1995 se formo en la ciudad de Los Ángeles un grupo de rock alternativo que llevó el nombre de “Soil”, y su principal característica es que sus cuatro miembros son de origen armenio, que luego, en 1998, pasaron a llamarse “System Of A Down”.

Estamos frente a una banda que genero una mezcla perfecta entre el “Metal” y la política, ya que sus canciones están cargadas de una profunda crítica hacia las diferencias geopolíticas, la guerra, el hambre y la pobreza. Para una muestra de lo que se esta diciendo, en el año 2001, con los sucesos ocurridos en Estados Unidos el 11 de septiembre, fue sacada de la radio uno de los temas que causaba más furor, “Chop Suey!”, por ser considerada su letra un mensaje contrario al espíritu político del gobierno norteamericano; o aquel video llamado “Boom!”, donde los cuatro integrantes de la banda marchan en contra de la guerra de Irak.

Pero Daron Malakian (guitarra y voz), Shavarsh Odadjian (bajo), John Dolmayan (batería), y Serj Tankian (voz líder y teclado), no solamente se han dedicado a componer, grabar y enviar mensajes políticos y sociales en sus temas, sino que llevan a cabo una tarea exhaustiva en difundir los terribles momentos vividos por el pueblo de Armenia en el año de 1915, lo que hoy es conocido como el “Genocidio Armenio”.

Durante la Primera Guerra Mundial, los Otomanos (hoy turcos), en su afán de mantener su imperio con el mayor control de territorios posibles, llevaron actos criminales en contra del pueblo armenio, lo que trajo como consecuencia la muerte de millones de nacionales de estas tierras de Hayastan, y que hoy esta bien documentado gracias a los relatos de los sobrevivientes.
System Of A Down se ha encargado de dar a conocer a muchos jóvenes seguidores de esta banda, la enlutada historia que aun tiene marcado a los armenios.

Durante el año 2005 la agrupación realizó una gira en la cual proyectaba imágenes en la pantalla “sobre los actos macabros ejecutado por los turcos”, así como mensajes que buscan dejar claro que es un genocidio, todo esto en el marco de los noventa años de tan terribles sucesos.
Pero Serj Tankian no solo se conforma con emitir el mensaje en conciertos y discos, sino que realiza conferencias, e incluso se ha involucrado con actores políticos armenios, reclamando una acción sólida que lleve a su pueblo quitarse ese peso de dolor que llevan encima, para curar tantos años de desconocimiento y burla por parte de actores que apoyan a Turquía en su silencio.

Son muchos los que conocen a este grupo por sus fuertes canciones, también por el uso de instrumentos del Asia Occidental; ó quizás por haber alcanzado un record que le pertenece a The Beatles, el de colocar dos albums grabados en estudio, en el primer lugar de ventas desde su lanzamiento en los Estados Unidos. Pero la verdad es que System Of A Down lleva la bandera Armenia, acompañado con el grito de que “hay que actuar ya, el Genocidio Armenio no se puede olvidar”, pero ojala esto solo sea al final un puente que permita la paz entre dos estados que llevan más de noventa años sin sentarse a negociar.

Lamentablemente el llamado de paz de muchas de las canciones de System Of A Down chocan con ese odio que se vuelve grito de venganza, cuando lo que se necesita es un encuentro y entendimiento para llevar a los dos pueblos a crecer bajo el manto de la paz y el reencuentro.

Los Amigos Invisibles y sus Amigos Visibles en el Poliedro de Caracas Interpretando Super Pop

2007-04-18T01:47:00.000-04:00

Ya esta todo listo para que el próximo 28 de abril se presenten en el Poliedro de Caracas Los Amigos Invisibles, para presentarnos su espectáculo SUPER POP VENEZUELA.

Este será uno de sus más esperados conciertos, ya que presentarán todo el repertorio que se encuentra en el album que le da nombre a este gran evento.

Para que esa noche llegue a lo más alto, los ya conocidos miembros de Amigos Invisibles, Julio Briceño, José Luís Pardo, Armandito Figueredo, José Rafael Torres, Juan Manuel Roura y Mauricio Arcas, tocarán y cantarán con Delia, Diveana, Evio Di Marzo, Colina, Nelson Arrieta, Frank Quintero, Pablo Dagnino y Wincho de Sentimiento Muerto; cada uno de ellos interpretarán temas de los 60, 70 y 80, los mismos que fueron versionados por la banda venezolana ya dos veces nominada a los premios Grammy.

De seguro veremos a los Amigos Invisibles cantando “Si tu te vas” junto a Colina, y “Ganas” con algunos de los miembros de Sentimiento Muerto, “Yo no se” con la sensual Diveana, y así cada tema acompañado del cantante que la eternizó.

Este evento no se puede perder por nada del mundo, y por eso hay que salir corriendo para comprar las entradas en las tiendas Esperanto, los precios de estas son Bs. 121.000 en Arena, Bs. 140.000 General, y Bs. 195.000 VIP.

Témpano: Treinta Años de Vida, Veinte de su Album Genial

2007-04-17T00:03:00.000-04:00

Durante estos últimos días hemos hablado sobre varios discos que están cumpliendo veinte años, y que a pesar de que sigue pasando el tiempo mantienen un impacto en los amantes de la música como si fuera la primera vez que sonara en nuestros oídos.

Hoy continuaremos contando a cerca del papel que jugaron ciertos albums en 1987, solo que en esta oportunidad me complacerá en hablar sobre una producción nacional perteneciente a un grupo que ese año llego a la cima con el disco que llevaba su propio nombre: Témpano.

Muchos conocieron este disco por el tema “Lobo Hombre en París”, una muy buena versión de la pieza perteneciente a la banda española La Unión, pero ese fue solo el comienzo de una serie de éxitos que fueron posicionando a la banda como una de las mejores de Venezuela.

“Dame Solo Un Minuto”, tema que pertenece a la agrupación italiana I Pooh, fue otro de los clásicos que se hicieron escuchar en la radio, en especial en la primera estación FM comercial de este país, Éxitos 107.3 FM (hoy la Mega). Era casi seguro que este tema sonaría en cualquier momento del día para poder dedicar esta canción a esa pequeña nena que le tenia robado el corazón al tímido preadolescente.

La banda que ese entonces contaba con Alexis Peña como voz líder, Francisco Morales en la Guitarra, Gerardo Ubieda en la batería, Iker Gastaminza y José Ignacio Martín en los teclados, colocaron otro hit en las estaciones de radio “No, Esta Noche No”, la historia de una realidad que se comenzaba a vivir en la urbe caraqueña, que con el pasar de los años se ha incrementado aun más, un tema que puede tener más valor hoy que en aquellos tiempos que no era tan común la violencia.

Para muchos la mejor canción del disco es la versión del tema de Billy Joel, “El Hombre del Piano”, una manera de tocar una pieza maravillosa, Témpano le puso ese toque muy personal, que la hace convertirse en una referencia de aquellos grupos que sonaron en los años ochenta.

Pero en lo personal el tema que toco las fibras de quien escribe estas líneas fue aquella que lleva por nombre “Tardes en Tokio”, un recordatoria de aquello que ocurrió en Japón en la segunda Guerra Mundial, los lanzamientos de las bombas atómicas de Hiroshima y Nagasaki. Este fue un mensaje de aquello que ocurrió y que no deberá pasar jamás, tomando en consideración que para el momento en que se compuso la canción aun vivíamos bajo el manto de la Guerra Fría, y era normal pensar que un día una guerra atómica podría estallar.

“Drama”, “Cada Vez”, “Témpano de Hielo”, “Paso por Amor” y “Háblame” son el resto de las canciones que se encuentran en este disco que marco historia, aunque muchos así no lo compartan al no estar contentos con el cambio de estilo de un grupo que se caracterizo por tocar Rock Progresivo, y saltar al común Pop Rock de esa época.

Si bien es cierto que los mayores reconocimientos de Témpano lo tienen como aquella banda que nació hace treinta años, por allá en 1977, donde Pedro Castillo, Miguel Ángel Echevarreneta, Gerardo Ubieda y Leonardo Arias, hicieron el mejor rock progresivo de Latinoamérica; diez años después la misma banda, pero con nuevos integrantes, le dieron al rock nacional uno de los discos más reconocidos por el público venezolano, aquel que logró que cinco de sus temas sonaran en las estaciones de radio, permitiéndonos cantar piezas valiosas en nuestro hermoso idioma.

Cinco Años Pasaron: Lo Que Sintió Venezuela Con No Doubt

2007-04-15T01:09:00.000-04:00

Aun viene a nuestra mente como en Caracas se organizo por segunda vez una gran jornada de música Pop y Rock, denominado el Caracas Pop Festival versión 2002, la cual se efectuó en el denominado Valle del Pop, en Guarenas - Guatire.

El día sábado 16 de marzo se presentaron las bandas Caramelos de Cianuro por Venezuela, La Ley de Chile, No Doubt de los EE.UU., y la canadiense Alanis Morissette.

En esta oportunidad se hablará de la banda californiana, que por primera vez colocaba sus pies en América Latina para mostrar su increíble fuerza rítmica. No Doubt es una banda que nace en el año de 1987 como parte de un sueño adolescente, que los llevo a tocar algunos temas bajo la influencia del ska británico.

Un poco de historia

Los primeros integrantes de No Doubt fueron los hermanos Stefani, Eric y Gwen, junto a un chico de nombre John Spence, quien fue el que le dio el nombre a la banda. Posteriormente se integra el bajista Tony Kanal. En diciembre de 1987, inexplicablemente John Spence se quita la vida, dejando a la naciente banda en una situación muy traumática. Es mucho tiempo después que el guitarrista Tom Dumont y el baterista Adrian Young integraron esta joven banda.

Su primera producción fue realizada en el año de 1992 que lleva por nombre simplemente No Doubt; desde ya la banda se mostraba en California como una gran banda alternativa. A la agrupación le costo mucho grabar su segunda producción, en este caso por la falta de credibilidad en sus nuevas composiciones, pero fue en 1995 que logran sacar su segunda producción The Beacon Street Collection. Este CD solo se podía conseguir por correo o por internet, generando una gran frustración en Eric Stefani, que lo hizo salir de la banda para trabajar con el equipo de la serie animada The Simpson.

Pero en ese mismo año 1995, apareció alguien que aposto por No Doubt, le gusto lo que estaba en Tragic Kingdom, su tercera grabación, y la definitiva que los llevo al éxito con canciones como Just a Girl y Don't Speak.

En el año 2000 aparece su cuarto trabajo Return of Saturn, donde se hicieron populares temas como Ex-girlfriend y Simple Kid Of Life; pero que no llegaron a lograr los éxitos arrojados por el CD anterior.

A finales del año 2001 aparece Rock Steady, según los entendidos su mejor trabajo músical, de donde surgen temas como Hey Baby, Underneath It All, Hella Good, entre otros.

Para finales del año 2003, sacan un recopilatorio The Singles 1992 - 2003, de donde se desprende un nuevo cover, It´s My Life, que los llevo a ganar varios premios.

Se rumoraba una posible separación de Gwen Stefani y de la banda, que se confirmo al ella sacar un trabajo como solista.

No Doubt en el Caracas Pop Festival 2002

Volviendo al concierto del Caracas Pop Festival del año 2002 donde participó No Doubt, ese día sábado 16 de marzo donde el calor apretaba, se sintió a partir de las 7:30 p.m. el buen ritmo de la banda californiana gracias a la melodiosa y sensual voz de Gwen.

Los gritos de las 40 mil personas que se encontraban en el Valle Pop se escucharon hasta Caracas, cuando entraron los cuatro integrantes acompañados de otros músicos interpretando Hella Good, seguidamente Sunday Morning, pero fue con Ex Girlfriend que hizo que el público saltara hasta decir basta.

El momento más emocionante de la noche fue cuando la guitarra de Dumont hizo sonar el intro de Don´t Speak, y cuando debió entrar la voz de Gwen no lo puedo hacer debido a la emoción que sintió cuando las 40 mil almas empezaron a cantar sin ella, lo único que se pudo ver fue a la bella Gwen atrapada por mil sensaciones que le hicieron brotar de sus ojos dulces lágrimas.

Para cerrar esta nota aquí les mencionamos las cinco mejores interpretaciones de No Doubt en el Caracas Pop Festival 2002:

1. DON'T SPEAK.
Las lágrimas de Gwen Stefani reflejaron los sentimientos encontrados con un público entregado a ellos durante toda la noche. Cuarenta mil almas cantando este tema, ha sido un momento para más nunca olvidar.
2. HEY BABY.
El tema más pegado del momento, los asistentes brincaron al ritmo de esta buena pieza.
3. JUST A GIRL.
Fue el momento para las chicas, a más de una se le vio hasta el alma mientras saltaban.
4. CALL ME.

Tema original de Blondie, que versionaron esa noche, sonó de manera espectacular.
5. SIMPLE KIND OF LIFE.

Una forma de disfrutar de manera tranquila la gran voz de Gwen.

The Joshua Tree: Letras Escritas Para Estos Tiempos

2007-04-13T17:41:00.000-04:00

Para quien escribe esta nota siempre habrá un antes y un después en la historia de U2, y ese punto que divide ambos momentos lo marca el quinto album grabado por esta banda: “The Joshua Tree”.

Cuando estuvo en mis manos por primera vez este disco que apareció en el mercado en marzo de 1987, recuerdo haber escuchado el tema “Where the Streets Have No Name”, la verdad me dejo marcado por su total armonía, y que sin temor a equivocarme, fue la manera perfecta de comenzar el mejor album, a mi entender, en toda la carrera de la banda. “Donde las Calles no Tienen Nombre”, una letra que tiene hoy más vigencia que nunca, porque nadie puede ocultar como la constante búsqueda de desarrollo de muchas sociedades implica la destrucción de los espacios naturales, aquellos tan necesarios para nosotros, como para el resto de los seres vivos.

La verdad es que la palabra conmovedora no es la que engloba la verdad del tema con que arranca “El Árbol de Josué”, más bien se debería decir reveladora, estamos hablando del poder que tiene una pieza musical para sembrar en nuestras mentes y corazones la urgente necesidad de darle a nuestro planeta un respiro. Si bien es cierto que se dice que esta canción nació en una visita que hiciera Bono y su esposa a Etiopía, donde pudo constatar el hambre que se sufre en este Estado del África, en aquellas calles que no tienen nombre; es un tema que llama a la reflexión por lo mal que se lleva a nuestra querida Tierra y sus habitantes.

La doble interpretación de un tema también ocurre con “With Or Without You”, para muchos una canción de amor, de posible separación; para otros una conversación de Bono con Dios. Es justo esto que hace formidable ha esta maravillosa grabación compuesta por once temas.

“Bullet The Blue Sky”, “I Still Haven’t Found What I’m Looking For”, “One Tree Hill” y la maravilosa “Exit” son parte de las joyas musicales que se pueden escuchar en “The Joshua Tree”, justo el último tema mencionado es el punto previo a la culminación de un disco marcado por la reflexión, que finaliza con “Mothers of the Disappeared”, caracterizada por la suavidad del sonido de la guitarra de Edge, inspirado en el blues y el country americano.

Este disco fue el que alcanzó vender más ejemplares en corto tiempo en el Reino Unido, logrando su primer disco de platino en menos de 48 horas; que producto de los tres primeros temas del album llegaron a estar en más de veinte países en lo más alto de las carteleras, sin mencionar los multitudinarios conciertos que fueron todo un record en esos días de 1987.

Veinte años han pasado desde que apareció este regalo que U2 hizo a nuestras vidas, y lo que hoy se puede demostrar es que en cada letra, en cada nota musical, se refleja con más claridad varias de las problemáticas que afectan a nuestro golpeado mundo, es así como el valor de esta grabación esta más allá de sus 25 millones de ventas, se encuentra en sus mensajes que se ajustan a estos tiempos, por eso es que “The Joshua Tree” es uno de los mejores discos que se conocen hasta la fecha.

Motörhead Traerá el Puro Heavy Metal al Poliedro de Caracas

2007-04-12T23:02:00.000-04:00

Una de las noticias que ha generado más impacto en los últimos días entre los amantes del heavy metal en Venezuela, es que el día 25 de abril se presentará en el estacionamiento del Poliedro de Caracas una de las bandas pioneras del Trash Metal: Motörhead.

Esta visita a nuestra calida tierra venezolana es parte de la gira que esta haciendo la banda británica para promocionar su más reciente trabajo “Kiss OF Death”, que se convierte en su grabación décimo novena en toda su carrera.

Sin duda que son muchos los que aspiran ir a este gran concierto para poder escuchar en vivo temas como “Ace of Spades”, “The Chase is Better Than the Match”, “Overkill”, “Iron Horse” y el cover que grabaron de “Whiplash” de Metallica, por el cual fueron galardonados con un premio Grammy en el 2005.

Esa noche solo se esperará para que Motörhead haga retumbar su batería, y lleven a los asistentes a mover sus cabezas con los riffs veloces de su guitarra, para sentir toda la fuerza de lo que se conoce como el Speed Metal. Para los seguidores de bandas como Metallica, Ántrax, Megadeth, e incluso Pantera, podrá ver en escena al grupo que influencio a cada una de estas.

Las entradas se pueden conseguir en las discotiendas Esperanto, en Melomaniac, Ariah Records y Repro CD en Valencia. El costo de las mismas tuvo un precio inicial de Bs. 95.000.

Después de Veinte Años de Apetito De Destrucción

2007-04-12T08:19:00.000-04:00

Para todos aquellos que formamos parte de esta generación, la cual creció escuchando "Paradise City", "Welcome To The Jungle", "Sweet Child O' Mine", y posteriormente otros temas como "Don't Cry", "You Could Be Mine" ó "November Rain", sin duda que esta marcado por la fuerza de una banda de rock que estuvo caracterizada por su rebeldía, sus controversias, pero también por su impactante música que llego a escalar posiciones impresionantes, estamos hablando de la mítica banda Guns N´Roses.

En julio de este año se estará celebrando los veinte años del lanzamiento de uno de los discos más espectaculares de la década de los ochenta, porque fue este primer album de una banda, que para ese entonces era desconocida, que le coloco una nueva columna sólida para mantener por muchos años más al rock, permitiendo que esta suene en estaciones de radio, y en miles de escenarios del planeta, seduciendo a un naciente publico a enfilarse en la larga lista de fanáticos de este estruendoso sonido que mueve millones de cabezas en el mundo, nos estamos referiendo a la producción que lleva por nombre “Appetite For Destrucción”.

Si bien es cierto que esta banda se formo en el año de 1985 de la mano de Axl Rose, Tracii Guns y Izzy Stradlin (siendo de los dos primeros que nace el nombre de la agrupación), solo fue con la aparición de su primer disco “Appetite For Destrucción” que el mundo descubre a este irreverente banda que ahora además contaba con Duff McKagan en el bajo, Steven Adler en la batería, y el mago de las cuerdas, el guitarrista Slash ocupando el espacio dejado por Tracii Guns.

“Bienvenidos a la Jungla” el primer grito que lanza Axl Rose al comenzar el disco, introduciéndonos a lo que es una de las joyas musicales más interesantes de los últimos veinte años, no es simplemente una canción que relataba la llegada de Rose a la ciudad de Los Ángeles, es el comienzo de una historia cargada de un éxito in imaginado por ellos y por su disquera.

La naciente cadena televisiva MTV se encargo de presentarnos los videos de “Welcome To The Jungle” y de “Sweet Chile O’ Mine” que llevaron a ambas canciones al primer lugar de las carteleras, y más aun, era el disco debut más vendido en toda la década de los ochenta, con más de 15 millones de ejemplares adquiridos solo en los Estados Unidos, un record que aun no se le ha rebatado a esta banda de Hard Rock.

Este disco cuenta además con otras piezas que permiten disfrutar de un marcado ritmo Heavy con cierto toque de Punk colocado de la mano de McKagan, “It´s So Easy”, “Nightrain”, “My Michelle”, “Mr. Browstone”, la siempre obligada “Paradise City” y para cerrar en grande la maravillosa pieza “Rocket Queen”.

La historia de la banda estuvo acompañada por la producción de cuatro albums más en sus ocho años de corta carrera, “GN’R Lies” de 1988, de la cual se destaca el éxito Patience; los famosos “Use For Illusion I y II” de 1991, todo un atrevimiento de sacar dos CD que entre ambos presentaban más de 140 minutos de música que sin duda catapulto a la historia a esta agrupación por temas como “Don’t Cry”, “Yesterdays”, “November Rain” y mi siempre favorita “Civil War” por solo nombrar algunas; y su última grabación fue “”The Spaghetti Incident?” de 1993, un lamentable cierre para una banda que merecía mucho más que terminar con un disco de versiones de otros grupos.

Guns N’ Roses, una banda que siempre fue asociada al mundo de las drogas, de la mala actitud de su voz líder e imagen del grupo, Axl, pero también por su atrevimiento a apostar a un estilo de rock propio, no fueron una copia, eran originales desde su forma de vestir hasta de cómo presentarse en cada uno de los conciertos que eran totalmente alucinantes.

Hoy son muchos los que desean que nuevamente Slash, McKagan y Rose se reúnan para sacar una nueva producción tan prometida, pero parece que las diferencias entre ellos se mantiene, lo que nos lleva a seguir escuchando encantados de la vida su “Appetite For Destruction”, ya que este disco tiene el mismo efecto de los vinos, con el pasar de los años se vuelve más fascinante.

Un Concierto en la Romana Dominicana

2007-04-11T12:43:00.000-04:00

Normalmente aquellos que somos apasionados de la música estamos constantemente haciendo una lista de aquellos grupos o cantantes que nos gustaría ver en vivo a lo largo de nuestras vidas, y uno de esos que esperaba ver en una tarima era al cantautor Bryan Adams.

Cuando escuche el disco "Waking Up The Neighbours" en el año 1991 no dude en ningún instante reconocerle el gran valor musical que tiene Bryan Adams, hasta el punto que fue mi punto de partida para conocer todo lo que este exitoso cantante venia haciendo desde la década de los ochenta, hasta el punto que fui adquiriendo sus albums y revisando el aporte de cada uno de ellos.

Por todos es conocido su gran éxito Everything I Do I Do It For You, tema principal de la banda sonora del film "Robin Hood, Principe de Ladrones", considerada por Billboard como la mejor canción en el año de 1991, y que llevo a lo más alto en el inicio de esta década a este canadiense, pero en lo personal fueron los temas Thought I'd Died And Gone To Heaven, All I Want Is You y Don't Drop That Bomb on Me los que me llevaron a decir "estamos frente a un músico de un talento muy particular.

Pensar que algún día Bryan Adams pasaría por tierras venezolanas para mostrarnos lo mejor de su larga trayectoria musical, se veía como algo realmente difícil, pero increíblemente en el año 2006 sale la noticia de una gira del canadiense por Latinoamérica, donde estaba contemplada su visita a la ciudad de Caracas. Parece que uno de los músicos que uno tiene en la lista podrá ser visto en vivo y directo.

El 31 de octubre Bryan Adams y su banda se monto en el anfiteatro del centro comercial Sambil de Caracas, hoy administrado por la famosa franquicia Hard Rock Café, pero contradictoriamente yo estaba subiendo a un avión con destino a Punta Cana para disfrutar de una luna de miel que era imposible mover en la agenda. Lo increíble es que el cantante nacido un 5 de noviembre de 1959 en Kingston, Ontario, se presentaría dos días después en un lugar llamada La Romana en República Dominicana, ubicado a solo una hora y media de la turística Punta Cana.

La tarea era sencilla, al estar en Punta Cana disfrutando de la luna de miel, lo que se debía hacer era conseguir un taxista que nos llevará esa noche al famoso Altos de Chavón, un escenario construido bajo el diseño de la antigua Roma, siendo uno de sus principales atractivos un gran anfiteatro, donde justo se llevo a cabo el concierto de Bryan Adams en el marco del Caribe Pop Festival.

Después de casi dos horas de recorrido por algunas vías asfaltadas y otras de tierra, llegamos al lugar del concierto tan esperado, lugar donde el buen amigo Raúl (el taxista) nos esperaría hasta culminar el espectáculo.

Fue la noche de grandes temas, donde 18' Till Die, Let´s Make A Night To Remember, Back To You, (Everything I Do) I Do It For You, Summer Of '69 y Please For Giveme se hicieron sentir en los espacios de los Altos de Chavón, acompañado por los coros de más de cuatro mil personas que asistieron al concierto.

Esa noche Bryan Adams me confirmo algo de lo que ya estaba seguro, excelente músico, entregado a su publico, que hace que interactué con el en el concierto a lo largo de la noche. Que bueno que este día fuera parte de una celebración llena de mucha pasión acompañada por la persona amada.

Los Albums Más Vendidos de la Decada de los 90

2007-04-10T23:59:00.000-04:00

Cada día que pasa sigo con más insistencia en esa búsqueda exhaustiva de las mejores piezas musicales o de los más aclamados discos de todos los tiempos. Escuchar temas, comprar discos compactos, o revisar bibliografía especializada es parte de los instrumentos utilizados para poder llegar a ciertas conclusiones que de seguro serán relevantes para algunos, polémicos para la mayoría.

En el tema de la música siempre existirán distintos gustos, así como fanáticos de una banda o de otras, amantes de un estilo exclusivo, y enemigos de algún ritmo que no se ajusta a su oído.Es por eso que a partir de hoy iniciaremos un viaje, para revisar con detalle temas musicales o discos que cambiaron la historia de sociedades, o que simplemente llenaron un espacio de nuestras discotecas convirtiéndose así en los más vendidos, y aquellas piezas que la radio sonó repetidamente, que incluso en estos días se puede encontrar sonando en una estación.

Nuestra primera parada será en aquellos discos que consiguieron record de ventas en los Estados Unidos durante la década de los noventa. Me atrevo a decir que esta primera publicación va ser muy polémica, y advierto además que la misma esta fundamentada en un libro que lleva por nombre "Los 100 Discos Más Vendidos de los 90", de Dan Auty, Justin Cawthorne, Chris Barret y Peter Dodd, no se trata de algo que comparta, son solo datos reales de un mercado tan particular como lo es el estadounidense.

Para comenzar mencionaremos el disco número 12 en ventas de la última década del siglo XX, el album que lleva el mismo nombre de su banda, pero que es conocido mejor como Black Album, "Metallica". Esta interesante grabación que salio en julio de 1991, fue muy criticada dentro de los seguidores de la banda, ya que consideraban que se estaba comercializando más de lo permitido por la propia imagen presentada por sus integrantes desde sus inicios, por allá en el año de 1983. Este disco famoso por piezas como Enter Sandman, Wherever I May Roam, Unforgiven, y su muy querida y odiada Nothing Else Matters, vendío más de 13.300.000 ejemplares, convirtiéndose según estos datos en el album de heavy metal más vendido de los 90 en los Estados Unidos, por encima incluso de los famosos Use Your Illusion de Guns N' Roses y Nevermind de Nirvana. En algún momento podremos analizar con profundidad sobre este trabajo discográfico, lo importante es destacar el lugar alcanzado en ventas por esta agrupación que representa al lado acido de la música.

Y como si pasáramos de la Vodka a un jugo de mandarina, saltamos de un album metalero ubicado en el puesto 12, a uno de pop suave que alcanzó el lugar 11; estamos hablando de Millennium de los Backstreet Boys. Según la fuente utilizada, este disco vendío más de 13.400.000 ejemplares, siendo todo un éxito si se considera que su salida al mercado fue en mayo de 1999. Un dato curioso a mencionar es que tanto Metallica como los Backstreet Boys realizaron conciertos en Venezuela, unos llenando el Poliedro hacia adentro, y otros todos sus alrededores.

En el puesto número 10 no hay mayores sorpresas, una adolescente se encargo de adueñarse del trono de la música pop, y parece que en algún momento alcanzó el rango de princesa, solo que ahora su vida esta rodeada de escándalos más que de melodías, hablamos de Britney Spears y su album "Baby One More Time". Fue publicado en enero de 1999 y desde entonces llego al record de 13.900.000 ejemplares vendidos. Esta joven que paso de bailar para el Club de Mickey Mouse a sacar su propio disco, sin duda fue logrando varios datos interesantes para el mundo del pop, lastima que todo lo que hacen a veces con talento lo botan rápidamente con acciones que buscan llamar la atención a los amarillistas.

"Ropin' The Wind" es el album que ocupa el puesto 9, le pertenece al más famoso cantante de música country de los últimos años en los Estados Unidos: Garth Brooks. Esta talentosa voz tuvo la habilidad de mezclar cuidadosamente el pop con los ritmos country. Es bueno mencionar que este trabajo musical alcanzo el puesto más alto en el Top 200 de Billboard en su genero, producto de sus más de 14 millones de ejemplares vendidos desde septiembre de 1991, fecha de su publicación.

Sorpresivamente los Backstreet Boys alcanzaron el puesto 8 en ventas con su album homónimo que se publicó en diciembre de 1997. Los chicos de Orlando abrieron las puertas de la fama en la siempre exitosa Alemania, y fue ahí que salio el impulso de sacar este que fue su primer disco que alcanzo un record en ventas superior a los 14.100.000 ejemplares.

Uno de los albums record ganador de 7 premios Grammy, entre ellos el del mejor disco del año en el año 2000, estamos hablando de Supernatural del brillante guitarrista Santana. Más de 14.600.000 ejemplares vendidos para una producción que sale a la venta en junio de 1999, que indica que no es casualidad que fuera el disco número 1 en 23 países, y colocara dos de sus temas en el primer lugar de la cartelera norteamericana: "Smooth" y "María María". Algunos se atreven a decir que este es el mejor album de la decada, otros al menos reconocen que debe estar entre los 5 primeros, pero fue el séptimo más vendido de los noventa.

Garth Brooks coloco otros 2 albums en los puestos 6 y 5 en ventas, hablamos de "Double Live" y "No Fences" respectivamente. El primero que mencionamos es el disco en vivo más vendido de los noventa en el mercado norteamericano, logrando que se vendiera más de 15 millones de ejemplares, pero el segundo que se publico en agosto de 1990 logró la interesante cifra de 16 millones de discos vendidos. Si sumamos la venta total de los tres ejemplares de Brooks mencionados en este artículo, estamos hablando de 45 millones de albums vendidos en una década, un dato digno de ser tomado seriamente.

La gran revelación de 1995, aunque su disco saliera a la venta en diciembre de 1994, estamos hablando de los Hootie & The Blowfish y su "Cracked Rear View". Fue su primer album y con el tema "Only Wanna Be With You" se hicieron sentir en el mundo entero. Vendieron más de 16.100.000 ejemplares, todo un record para una banda que daba sus primeros pasos, por esto se ubican en el puesto 4. Lastima que después de este maravilloso éxito no pudieran conseguir al menos algo que se acercara, lo que hace que muchos piensen que dejaron de tocar juntos, algo que no es cierto, ya que siguen presentando conciertos, así como grabando discos.

Para el tercer lugar, llego una canadiense que logró un gran impacto en la década de los noventa, estamos hablando de la inigualable Alanis Morissette y su album "Jagged Little Pill". Todos recordaran la canción Ironic que solo es un pedazo pequeño de un repertorio musical extraordinario, que le permitió alcanzar en el año de 1996 cuatro premios Grammy, entre ellos la mejor canción y la mejor interpretación vocal femenina por "You Oughta Know". Más de 19 millones de ejemplares vendidos para un trabajo publicado en junio de 1995, que honor para nosotros el que se presentara en 1999 y el 2002 en nuestro país.

En esta lista no podía faltar una banda sonora, y en el puesto número 2 en ventas esta el album de la película "The Bodyguard", conocida por nosotros los latinoamericanos como el Guardespalda. Whitney Houston no solo es la protagonista de este film, sino que es la encargada de interpretar 8 de los 15 temas del disco, incluso son muchos los que afirman que el éxito de la película se debe a la banda sonora, y en especial por un solo tema "I Will Always Love You", que llevo a que se vendieran más de 19.100.000 ejemplares desde su publicación en noviembre de 1992.

Pero si ustedes esperaban que U2, Madonna, o porque no, Celine Dion colocarán su disco en lo más alto de las ventas en Estados Unidos, fue Shania Twain con "Come On Over" que logró la insuperable cifra de 22 milones de ejemplares vendidos desde su publicación en noviembre en 1997. Muchos consideran que sus ventas tan altas se deben a su interpretación de temas country con un toque de pop suave. Como datos a destacar, este disco logró ganar 22 discos de platino, además de 4 premios Grammy en 1998. Número uno para esta hermosa canadiense la cual tuve la fortuna de conocer en Berlín en el 2004, y que por su encanto, simpatía, su buena voz, y el maravilloso trabajo que realiza en resaltar la cultura canadiense, me contenta que fuera ella quien alcanzará esta cima y no otros que son imagen más que música.