EL VIOLINISTA CARLOS KOLENDA Y SU BANDA EN CARACAS EL PRÓXIMO 19 DE ABRIL

El violinista y guitarrista Carlos Kolenda se presentará en concierto el próximo domingo 19 de abril, en el nuevo espacio alternativo para la música en Caracas, El Teatro Bar, ubicado en la Calle Orinoco, Las Mercedes.

Este evento es posible gracias a la FUNDACIÓN DE APOYO AL TALENTO NACIONAL que una vez más suma esfuerzos para llevarle al público lo mejor de nuestros artistas, que por años han venido trabajando en su carrera musical.

Kolenda es un músico de primera, que ha sabido trabajar sus instrumentos de una manera vanguardista al fusionar géneros como el Blues, con el Jazz, Chillout, New-Age, Baladas, Country y Rock, capaz de crear sonidos elegantes con su violín electrónico y su guitarra eléctrica, por lo que es considerado actualmente uno de los más importantes performance de Venezuela.

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Paseándonos por su biografía, Kolenda trabajó por más de 10 años como músico de la banda de Franco de Vita; Ha trabajado como músico de sesión para artistas como: Frank Quintero, Guillermo Dávila, Carlos Baute, Aditus, Dina, José Enrique, entre otros, y con el mismo Franco de Vita realizó conciertos en el Madison Square Garden (Nueva York), Miami Arena (Miami), Hard Rock Live (Orlando), Auditorio Nacional (México), estadio Roberto Clemente (Puerto Rico), Festival Viña del Mar (Chile), Teatro Ópera (Argentina), entre otras plazas de Latinoamérica, Estados Unidos y Europa. Ha compartido escenarios con artistas de la talla de Bon Jovi, Peter Frampton, Jean Luc Ponty, Air Supply, Ricky Martin, Olga Tañón, Oscar de León, La Ley, Fito Páez y Ricardo Montaner.

El próximo 19 de abril, sin duda alguna, será una noche mágica, en la que Kolenda estará acompañado por los músicos invitados: Julio Andrade y Gerardo Avendaño. Un evento patrocinado por: Rock & Folk, Tucarro.com, Ferre Graphics, Style, Xcess, Rumberos.net , Kys FM y Protime Comunicaciones.

Julio Andrade comenzó sus estudios en el Sistema Nacional de Orquestas juveniles donde estudió Clarinete. En 1991 inició estudios de Saxofón con el maestro Manuel Barrios. Ha participado en grabaciones y conciertos de artistas nacionales e internacionales de diversos géneros, tales como: Mulato, Aditus, Sergio Pérez, Saxomanía, Franco de Vita, Bacalao Men, Gilberto Santa Rosa, Cheo Feliciano, Jerry Rivera, Frank Quintero, Porfi Jiménez Big Band, Gerardo Chacón, Guillermo Carrasco, Andrés Briceño, Carlos Rodríguez, Ofelia del Rosal, El Arca, Don Cornell, Al Martino, The Platters, Yordano, Un solo pueblo y mucho otros.

Gerardo Avendaño es músico venezolano, ejecuta diversos instrumentos de percusión de diversas partes del mundo, al igual que el vibráfono, instrumento que le ha permitido desarrollarse en una nueva faceta de composición y de improvisación. A formado parte de diversas agrupaciones como: Pax, Música Expresiva, Baraka, Ananda, Fusión 3, Sendero Flamenco, Gandharva, ensamble Guánali y Metamora. Con estas agrupaciones se ha presentado en las principales salas de concierto del país así como en festivales internacionales como: "II Festival de Música Latinoamericana de Santa Fé" 2008, Argentina, "Coraliada 2005" Necochea, Argentina, Teatro Neruda y Roma 2006 Buenos Aires, Argentina, "Beatle week 2002" Liverpool, Inglaterra, " Bolívar hall" Londres, Inglaterra, "Primera Semana Beatle de Latinoamérica" 2001 Buenos Aires, Argentina. También a participado en varias producciones musicales como "Visiones Beatles" 2009 Música Expresiva, "Suenos" 2007 Baraka, "Toadas" 2007 Ensamble Guánali, "Esencia de vida" 2006 Baraka, "Celebrando la Vida" 2002 Ananda, "Cábala " 2000 Ananda, "Sinfonía Amazónica" 1999 Pax. En la actualidad se encuentra realizando estudios de Vibráfono con el maestro Alfredo Naranjo.

Las puertas de El Teatro Bar se abrirán al público a las 9:00 pm. Las entradas se venderán directamente en el local y vía telefónica al (0212) 720.0038. Será un espectáculo exclusivo sólo para 500 personas. Para mayor información visitar la página http://www.fundatalento.org.ve/.

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Nota de prensa redactada y enviada por: Protime Comunicaciones.

METALLICA EN EL SALÓN DE LA FAMA DEL ROCK

Cada día que pasa uno se encuentra con más elementos que hacen posible que se diga con argumentos “Metallica es la banda más exitosa del heavy metal”.

Aun llega a la mente aquellos debates en los cuales aparecieron los detractores de Metallica porque sacaron un álbum en 1991 más suave, muy comercial, con dos baladas, menos trash que los anteriores. En 1996 se decía que ahora si la banda californiana se vendió, se cortaron las melenas, hacen videos en cantidad, y tocan country así como blues. En 1997 el Reload es remalo, dos años después criticaron el disco que sacaron con la Orquesta Sinfónica de San Francisco. En el 2003 ya muchos decían St. Anger es la muerte de Metallica.

Ya son más de veinticinco años que Metallica graba discos, que hace giras por todo el mundo, y que en ambos casos sigue rompiendo records en ventas ¿Qué tan malos son? No hay peor ciego que aquel que no quiere ver, estamos frente al grupo de rock más grande de los Estados Unidos, aunque siempre hay quien recuerda que uno de sus líderes nació en Dinamarca.

Cuando Metallica nació en 1981 ni Ulrich, ni Hetfield se imaginaban hasta donde llegarían 28 años después. Su primera trilogía Kill 'Em All, Ride the Lightning y Master of Puppets contiene lo mejor del thrash metal, con estos tres discos se puede disfrutar del metal marcado por la velocidad sin perder calidad. Además estas tres piezas de colección son donde participo uno de los mejores bajistas de todos los tiempos Cliff Burton.

Para 1988 aparece …And Justice for All, hasta ese momento el disco más exitoso de la banda. En él se encuentra el tema One, la fama comienza a tocar las puertas de una agrupación que ya había demostrado en los escenarios una calidad impresionante, muchos aseguraban que el sonido en vivo era mucho mejor a lo que estaba en los discos. Este álbum estuvo marcado por la ausencia de Burton, un bajo de Newsted algo ausente, un primer video para MTV, y hasta ese momento, la gira más importante de Metallica.

La década de los noventa llegan por todo lo alto, "de que vale tocar más rápido, ya lo hicimos", decía Ulrich, "ahora hay que demostrar que podemos hacer otras cosas", recalco. El disco más exitoso de Metallica apareció, un disco homónimo que es mejor conocido como Black Album. Enter Sadman se convirtió en su mayor éxito, con ese perfecto riff de Hammett; Nothing Else Matters su más grande balada, la más escuchada, y un resto de temas que sin tener la velocidad de los anteriores tiene una calidad musical que capturo a quienes no escuchaban este estilo de música. A pesar de los Guns N´Roses y el movimiento grunge de Seattle encabezado por Nirvana, los cuatro jinetes del thrash se llevaron las glorias, las cuales aun siguen recogiendo después de pasar casi dos décadas.

Ajustados a los nuevos tiempos Metallica lanza entre 1996 y 1997 sus siguientes trabajos, Load y Reload, criticados desde el momento de lanzamiento, cambio de imagen, de logo y de estilo. Más suaves, sin la velocidad que los caracterizo, pero con una calidad musical indiscutible, y con el sello que los distingue de los demás. Son muchos los que hablan mal de estos discos, pero como gozan en un concierto cuando tocan Fuel, Hero Of The Day ó The Memory Remains.

Garage Inc. y S&M se convierten en dos nuevos ingredientes que permiten a los detractores seguir lanzando más leña al fuego. El primero es un recopilatorio de covers interpretados hasta ese momento por Metallica, temas como Am I Evil?, The Wait, So What que ya se conocían de singles lanzados con anterioridad o en un disco de 1987 llamado Garage Days Re-Revisited, así como nuevas versiones como Die Die My Darling, Turn The Page, The More I See, etc. El segundo es la genialidad realizada por el Director Michael Kamen, uniendo a Metallica y la Orquesta Sinfónica de San Francisco, toda una joya de disco que pasa a la historia como uno de los mejores en su estilo.

St. Anger aparece en el 2003, se habla ya del fin de Metallica, y posiblemente con este disco muchos dirían que así seria. Un experimento donde la falta de un bajista se nota en casi todos los temas, además de los conflictos que existían entre Ulrich y Hetfield, sin mencionar la inestabilidad de James por problemas con el alcohol, su voz suena golpeada, y un documental que lleva a la reflexión.

En el año 2008 Metallica presenta a sus fans, en especial a aquellos que los siguieron en los ochenta, un álbum que se parece mucho más a los primeros: Death Magnetic . Críticas positivas, otras no tanto, al final de Metallica todos quieren hablar y opinar, hay quienes dicen que ahora el problema es Robert Trujillo, por favor, si es lo más parecido al estil Burton. Un cuarteto lleno de vida, de inspiración que sigue vendiendo discos en tiempos donde la música se baja por internet, agotan las entradas a solo horas de colocar estas a la venta, son los únicos que tienen cinco álbumes el primer lugar de ventas al momento de su lanzamiento, ahora incursiona con fuerza en los juegos de video con Guitar Hero, ¿cuántas bandas no desean así sea un 10% de este éxito?

Este 04 de abril Metallica será exaltada al Salón de la Fama del Rock, los meritos están a la vista, la más grande agrupación de Heavy Metal, reyes del thrash, record de ventas, y creadores de una música que sigue sonando en los escenarios después de 28 años.

SEGÚN LOS VIAJEROS: EL MEJOR DISCO DE THE BEATLES

Uno de los post más visitados de este blog es el dedicado a un debate sobre los mejores álbumes de los Beatles, en el cual se invitó a nuestros viajeros a dar su opinión en una encuesta publicada por varios meses.

En el mes de febrero de este año revisamos y analizamos exhaustivamente los resultados de la encuesta realizada, donde sorprendió mucho el número de participantes, quienes superan las quinientas personas. Vale destacar también los lugares de origen que fueron de lo más diverso, diferentes nacionalidades se hicieron presentes siendo España el país que dio más votos con un 29%, países tan distantes como Sudáfrica y Japón dieron su aporte.

Ahora veamos la opinión de nuestros viajeros ante la pregunta ¿Cuál es el mejor disco de The Beatles de todos los tiempos?

El 6% de los viajeros opinan que A Hard Day’s Night es el mejor álbum de la eterna agrupación de Liverpool. Con toda seguridad quienes se inclinan a favor de este disco es porque disfrutan de la sencillez que se encuentran en las letras de Lennon y McCartney. Recordemos que este fue el primer larga duración cuyos temas son todos propios del cuarteto, algo poco visto en esos años, y mucho menos con el éxito que alcanzó desde su lanzamiento.

Rubber Soul se llevó el 7% de los votos, siempre ha sido uno de los discos más subestimados de los Beatles, pero aquí dijeron presentes quienes reconocen la calidad de este álbum mágico. Sorpresivamente delante de los dos mencionados, With The Beatles consiguió 8% de respaldo, más de uno dirá que sin un alpha no podrá ver un omega.

Revolver, para quien escribe esta nota el mejor disco de The Beatles, consiguió el 16% de los votos, la verdad se esperaba que tuviera mayor apoyo, pero en un encuesta tan peleada donde la diferencia entre cada uno es pequeña cualquier cosa puede ocurrir. La mayor muestra de una evolución musical esta en estos 34’58’’, donde los riffs de guitarra hacen de las suyas en varios temas, la influencia de la cultura de la India está presente en las composiciones de George Harrison. Para muchos el mejor tema es Eleanor Rigby, para otros es Doctor Robert.

The Beatles ó mejor conocido como The White Album logró el 17% de apoyo de los viajeros, toda una joya épica que es considerada por muchos como la más grande de la agrupación. Mucho individualismo en las piezas que terminó dando una personalidad única a esté histórico disco.

Abbey Road alcanzó el segundo lugar con el 19% de los votos, algo que no sorprende ya que muchos sienten que este disco refleja la sencillez de una banda que dejo de experimentar. Son muchos los fans de la banda inglesa que se inclina por canciones como Come Together, Something y Octupus ‘s Garden.

El primer lugar lo tiene Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, está loca creación que da clases de música es considerado el diamante más brillante de los Beatles. Desde el diseño conceptual de sus piezas, hasta pasando por la original y colorida caratula, hacen que muchos digan, incluso, que este es el mejor disco de toda la historia. Lo interesante es que con todo y esto, solo saco el 27% del total de los votos, lo que demuestra lo difícil que es seleccionar el mejor álbum de la más grande banda de rock de la historia.

Resumen:

1. Sgt. Pepper's Lonely... 27%

2. Abbey Road 19%

3. The White Album 17%

4. Revolver 16%

5. With The Beatles 8%

6. Rubber Soul 7%

7. A Hard Day’s Night 6%

TEPUY: EL CAMINO A LA CIMA CON LA GUIA DE GERRY WEIL

Un viaje a lo alto para poder ver desde la cima el más hermoso paisaje, contemplar el infinito desde el azul cielo hasta el verde de la hierba que cubre la extensa tierra, es subir a las nubes y caminar en el aire, cuando abajo solo esta las huellas de los antepasados. Esta magia la logra el maestro Gerry Weil en cada una de las notas de su nuevo trabajo llamado Tepuy.

El inicio de este CD nos transporta al lejano oriente, con notas de reflexión, toques profundos que salen del alma, con gotas de calma traídas de la filosofía japonesa. Como acto seguido las Raíces se sienten gracias a la buena compenetración de los músicos Rudi Berger, Pablo Gil, Carlos Nene Quintero, Roberto Koch y Adolfo Herrero, por supuesto, acompañado por los ritmos provenientes del piano de Weil. Aquí el viaje pasa por el mestizaje y sus sabrosos derivados, uno de ellos la música afroamericana.

Justo en este instante se presenta a los oyentes una clase magistral de jazz, Waltz For Liesi y Wiener Schnitzel son piezas exquisitas que enseñan de manera clara y acabada dos formas diferentes de interpretar esta música nacida en Nueva Orleans.

Gerry’s Mood es un punto dulce, es como comer esas sabrosas galletas austriacas llamadas vanillekipferl, donde los ingredientes no son harina, azúcar y almendras, sino más bien la poética composición de Rudi Berger, y la interpretación magistral del maestro Weil. Con sabor a su tierra natal, servida en su país amado.

Alegría trae lo rico de la música venezolana, fusionada con el jazz universal, logrando así uno de los maravillosos productos de Gerry Weil que presenta cada año en sus Navijazz. Un aguinaldo para todo el mundo con lo mejor del buen gusto musical.

El ascenso llega a su punto más importante, el maestro coloca en este recorrido el tema que da nombre a esta producción, que en sí misma es un tributo a las formaciones rocosas más antiguas del planeta, nuestros Tepuyes, símbolo que identifica a estas tierras de Venezuela, cimas enigmáticas, de donde caen las aguas del Santo Ángel, donde se presencia el infinito.

Viene a la mente de quien escribe el recuerdo de aquel programa de radio en la cual el maestro con sus ojos brillantes hablaba de las maravillas de Venezuela, del Orinoco y de cada Tepuy que tiene un trozo de su corazón. Esas palabras que dijo aquella tarde ante los micrófonos de una FM se sienten en este tema central que llega a las alturas.

Después de esto ya se está en la cima del Tepuy, un lugar ideal para hacer un merecido homenaje al músico Vytas Brenner. Las notas que llevan el nombre de Vytas es sentimiento que se vuelve tiempo, segundos que se transforman en imagen, recuerdo emotivo para la eternidad. De seguro desde allá arriba la plenitud de las melodías llegán con mucha más presencia.

La cima del Roraima es el punto de mirada, aquella que va dirigida al sur para encontrarse con el gigante Brasil, lugar que da la inspiración para componer Chorinho Criollo, una mezcla con olor apasionado. Pero Weil vuelve a mirar con dirección al norte para brindar sus notas con la fuerza de la Orinoquia venezolana, aguas caudalosas que llenan de vida a un paraíso natural que debe ser conservado para la felicidad del planeta.

Todo como empieza se termina, todo aquello que comenzó en el Japón termina nuevamente inspirado en la tierra del sol naciente. Haiku es poesía, y en las notas del maestro se vuelven intensamente adictivas.

Pero como en todo buen concierto siempre hay espacio para una más, la Infancia se hace presente, aquella que este maestro de la música la hace sentir en sus piezas, así como en sus actividades deportivas, y en aquel amor admirado hacia su familia, tema que tiene entre sus notas toda una dedicatoria a uno de sus más grandes amores. De esta forma Gerry Weil nos lleva a la cima sin necesidad de descenso.

ESTE SÁBADO 28 DE MARZO TRIBUTO A LENNON

La FUNDACIÓN DE APOYO AL TALENTO NACIONAL conjuntamente con la banda de free rock Karmapa presentarán “Un Tributo a John Lennon” a petición del público, el próximo sábado 28 de marzo, en las instalaciones de Discovery Bar, ubicado en la Av. Tamanaco de El Rosal, Torre Impres, P-B, y como invitados especiales estarán Jorge Spiteri y Leonor Jove interpretando los temas más emblemáticos de la carrera del ex Beatle.

Los integrantes de Karmapa: Renato Tradardi (teclados), Fernando Domínguez (bajo), Eddy Pérez (guitarra), Leo Córdova (batería), Pedro "Conan" Rodríguez (voz y timbales) y Carlos "Nené" Quintero (percusión) se pasearán por un amplio repertorio musical del recordado artista, que incluye sus más característicos temas como: Mother, de su disco “John Lennon/Plastic Ono Band” (1970); Imagen, del álbum “Imagen” (1971); y Woman Is The Nigger Of The World, de su producción “Some Time in New York City” (1972), entre muchos otros.

Vale destacar que este Tributo ya se ha presentado en otros escenarios del país, entre ellos en: Aragua, Isla de Margarita y Caracas, con invitados especiales como Los Beat3 y más recientemente con la actuación de Elisa Rego y Carlos Quintero.

En apoyo al talento nacional, es un orgullo para la Fundación presentar en esta ocasión a Jorge Spiteri, un músico que durante la mayor parte de la década de los 70s comenzó a desarrollar su carrera en Inglaterra con los grupos: Spiteri (1972-1976) y Mañana (a principios de los 80s), hasta que decide volver a Venezuela y crea en 1988 el grupo Los Buitres.

Leonor Jove es una reconocida corista venezolana que a lo largo de su trayectoria ha compartido escenarios y grabaciones con artistas como Franco de Vita, Frank Quintero, Biella Da Costa, Ricardo Montaner, Kiara, Soledad Bravo, Guillermo Carrasco, entre otros. Participó como cantante y corista en el espectáculo de Rock-sinfónico dirigido por David Palmer en el 94. Con Franco de Vita realizó giras nacionales e internacionales entre los años 89 y 96. En la actualidad mantiene una serie de actividades musicales, pero su proyecto principal lo comparte con Música Expresiva, cantando el repertorio de Los Beatles que le abrieron las puertas al mundo vocal y musical.

“Un Tributo a John Lennon” cuenta con el patrocinio de Rock & Folk, Tucarro.com, Ferre Graphics, Style, Xcess, Rumberos.net y Kys FM.

Las puertas de Discovery Bar se abrirán al público a las 9:00 pm. Las entradas se venderán directamente en el local y vía telefónica al (0212) 720.0038. Será un espectáculo exclusivo sólo para 500 personas. Para mayor información visitar la página http://www.fundatalento.org.ve/

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Nota de prensa e imagenes enviadas por: Protime Comunicaciones.

A OPINIÓN DE LOS MELÓMANOS VIAJEROS: NO LINE ON THE HORIZON LO MÁS RECIENTE, THE JOSHUA THREE EL MEJOR.

El pasado 3 de marzo fue lanzado en Latinoamérica y en gran parte del mundo el duodécimo álbum de la banda irlandesa U2, que lleva por nombre No Line On The Horizon. Días después tuve la oportunidad de oír varias veces esta grabación con mucha atención, y podría decir en este momento que estamos frente a la producción más interesante de la banda en los últimos 15 años.

El concepto de esta producción se separa de sus antecesores All That You Can’t Leave Behind y How To Dismantle An Atomic Bomb, en cuanto a que trabaja los temas de manera conceptual, y se utiliza una serie de recursos que no se habían encontrado en los discos anteriores de la banda, aunque en un artículo leído en internet dice que el trato que se le dio a esta grabación es la formula que U2 hizo con Achtung Baby.

Algo que en lo personal percibo en el álbum es que ya no se siente el peso del protagonismo de Bono en cada uno de los temas, la música y los efectos de sonido toman el rol principal, y lo envuelve de tal manera que no existe posibilidad de escapatoria. Desde que suena el primer track No Line On The Horizon, hasta llegar al cuarto tema Unknown Caller, existe un embrujo musical, donde uno desea más, con historias sobre la vida de terceros relatados dentro de las notas.

El primer single Get On Your Boots está muy lejos de ser el mejor tema de todo el disco, con guitarras desgarradoras que rompen con aquella armonía que lleva las piezas anteriores.

De seguro más adelante podremos tener un mayor manejo de este nuevo álbum de U2, y poder decir si pasa a inmortalizarse como uno de sus mejores grabaciones. Por ahora podemos presentar la opinión de los visitantes de este blog, quienes han participado en una encuesta para seleccionar el mejor trabajo de la banda irlandesa.

Participaron 152 viajeros melómanos en esta encuesta, de ellos el 47% consideran que The Joshua Three es el mejor álbum de U2, un número que confirma a la mayoría de las opiniones encontradas en los libros especializados sobre la banda que indican a este trabajo como el mejor. En el segundo lugar esta Achtung Baby con el 24%, en el tercero All That You Can’t Leave Behind con el 12%, le sigue How To Dismantle An Atomic Bomb con el 11%, y el quinto lugar con un 7% esta War.

Posiblemente dentro de un año No Line On The Horizon puede estar un lugar importante en el gusto de los seguidores de U2, habrá que esperar un tiempo prudencial para saber si puede superar a Achtung Baby ó porque no a su mayor joya The Joshua Three, parece difícil pero el tiempo lo dirá. Además existe la posibilidad que para finales de este año salga el décimo tercer álbum de U2, que incluya los temas compuestos en los últimos años y que no fueron incluidos en su reciente disco.

LOS MEJORES DISCOS DE 1990. Posición 1. Violator (Depeche Mode)

1. VIOLATOR (Depeche Mode)

Llegamos al lugar más esperado en el conteo, el puesto del disco que es considerado la mejor pieza grabada durante el año 1990, y en esta oportunidad pertenece a una agrupación británica de música electrónica, y que fue su séptimo álbum el más consagrado en su estilo, hablamos de Depeche Mode y su Violator.

Depeche Mode es una banda inglesa formada en 1980, quienes sacaron el mayor de los provechos de sintetizadores y del sampler para hacer música, instrumentos estos que marcarían la pauta de la década de los ochenta. Son considerados como una de las agrupaciones más influyentes de la música electrónica, pero sin duda que fue Violator el álbum que le dio mayores éxitos y los coloco en un lugar que difícilmente alguien pueda superar.

Una de las características fundamentales de este disco es que no tiene la carga, la fuerza de antecesores álbumes como Music for the Masses, pero si lleno de una genialidad, de una adicción que se siente a lo largo de cada uno de los temas, así lo expresa Bruno McDonald en su artículo del libro 1001 Discos Que hay que Escuchar Antes de Morir, donde destaca “el tecno de World In My Eyes, pasando por el delicado Waiting Fon The Night, hasta la inquietante Clean”.

El primer single del disco fue Personal Jesus, la más dura del larga duración, ideal para tocar en conciertos, también el primer tema de Depeche Mode donde la guitarra marca la pauta rítmica. Su letra está basada en el libro "Elvis and Me" (Elvis y yo) de Priscilla Presley. Martin Gore, líder de la banda, llego a decir que se puede ser Jesús para alguien, un salvador, alguien que llene de esperanza a otro, solo ver que alguien como Elvis pudo llegar a ser un mentor, un hombre creador e inspirador. Esta canción es la más famosa de la banda, y cuenta con varias versiones donde destacan las de Jhonny Cash y Marilyn Manson.

Enjoy The Silence fue el segundo sencillo extraído de Violator, todo un éxito en las radios comerciales, considerando que fue un tema compuesto por Gore de manera acústica, la cual gusto mucho al resto de los integrantes y terminaron de darle la musicalización perfecta para convertirla en todo un clásico. Este tema que rinde un homenaje a la música tomando como base el silencio también ha sido versionada, una de las mejores la realizada por la banda italiana de metal alternativo Lacuna Coil.

El álbum muestra una armonía que va más allá de las composiciones que habían caracterizado hasta entonces Depeche Mode, fue la búsqueda de un homenaje a la música, un renacer al inicio de una nueva década.

Como dato curioso, Violator fue producido por la banda en compañía de Mark Ellis Flood, quien también participo con bandas como Nine Inch Nails y Smashing Pumpkins. El resultado fue este disco considerado por muchos, no solo el mejor de Depeche Mode, sino uno de los más grandes dentro de la música electrónica. Es así como un disco grande debe estar en el primer lugar, y por eso hoy aparece como el mejor de 1990.

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